Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule)

La Escuela de Viena (Wiener Schule) o Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule), tal y como se la denomina en la literatura alemana, también conocida como Segunda Escuela de Viena , fue un grupo de compositores de la primera mitad del siglo XX liderados por Arnold Schönberg y sus alumnos en Viena. Fueron los primeros que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental. Los principales miembros de la Escuela, además de Schoenberg, fueron Alban Berg y Anton Webern (la Trinidad Vienesa). Esta escuela de composición se considera vinculada a la estética expresionista. Las primeras composiciones de Schoenberg (quien fue básicamente autodidacta) y las de sus alumnos estuvieron influenciadas por el romanticismo en boga (Schumann, Wagner, Brahms, Mahler), música con un fuerte cromatismo. Schoenberg comenzó a experimentar con el abandono de las reglas de la tonalidad al tiempo en que entró en contacto con sus alumnos. Para 1908, todos componían obras en atonalidad libre, en un estilo expresionista. En el manifiesto de Der Blaue Reiter (1912) - movimiento artístico alemán relacionado al expresionismo y el arte abstracto liderado por Kandinsky - se publicaron lieder de la "trinidad": Herzgewächse Op. 20 de Schoenberg (texto de Maurice Maeterlinck), Warm die Lüfte Op. 2 Nº5 (texto de Alfred Mombert) de Berg y Ihr tratet zu dem Herde Op. 4 Nº 5 (texto de Stefan George) de Webern. Cuando Schoenberg descubrió en 1923 la técnica dodecafónica y la comenzó a usar en su música, la anunció a sus discípulos quienes comenzaron a usarla, cada uno dentro de su propio estilo. Si bien Schoenberg era un maestro bastante tradicional y conservador, sus alumnos supieron imprimir a sus músicas su propia personalidad e incluso tomar licencias de las reglas que había creado el maestro. Desde 1910 hasta el ascenso del nazismo, la Segunda Escuela Vienesa fue uno de los representantes de las vanguardias artísticas europeas, marcadamente opuesta al neoclasicismo cuyos líderes principales fueron Ígor Stravinski (quien en la última etapa de su vida escribió obras dodecafónicas) y Les Six de Francia. Con el ascenso del nazismo, Schoenberg, que era judío, se vio obligado a exiliarse y abandonó Alemania; sus discípulos se quedaron en Austria, pero pasaron penurias económicas por la censura que les impuso el gobierno por considerar a su música arte degenerado; el grupo quedó truncado. Pronto, en 1935, el más joven y probablemente el más famoso de ellos, Alban Berg, murió de una septicemia. A finales de la Segunda Guerra Mundial, Anton Webern murió por un disparo de un soldado norteamericano borracho cuando intentaba huir a pie de Viena, y Schoenberg, el maestro y el mayor de edad, irónicamente fue quien les sobrevivió, exiliado en los Estados Unidos de América. El principal aporte de la Segunda Escuela Vienesa en la música clásica es su audaz incursión en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, que tuvieron una poderosa influencia durante todo el siglo XX, y que dio lugar después al serialismo, inspirado sobre todo por Webern.

Concierto de Año Nuevo desde el Musikverain de Viena

Gracias a la Unión Europea de Radiotelevisión, Radio Clásica de Radio Nacional de España, La 1 de Televisión Española y Rtve.es conectarán en directo con el Musikverein de Viena para transmitir el tradicional Concierto de Año Nuevo. Este domingo, día 1 de enero, a partir de las 11.15 horas, Mariss Jansons llevará la batuta al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena para dar la bienvenida al 2012 a ritmo de vals con una selección de títulos imprescindibles firmados por Johann y Josef Strauss; un programa que además incluye obras de Tchaikovsky, Lumbye o Ziehrer. De la mano de José Luis Pérez de Arteaga, los oyentes de Radio Nacional de España y los espectadores de Televisión Española, disfrutarán de esta cita ineludible del calendario musical.

Mariss Jansons, maestro de ceremonias:

El maestro de ceremonias es Mariss Jansons, una de las batutas más sobresalientes de las últimas décadas. Su madre que era de origen judío, lo alumbró a escondidas en el gueto de Riga (Letonia, 1943), tras el asesinato de varios familiares debido a la persecución nazi. Hijo del también director de orquesta Arvid Jansons, Mariss comenzó a estudiar en el Conservatorio del antiguo Leningrado y se perfeccionó en Salzburgo bajo la tutela de Herbert Von Karajan. Ha ejercido como capitán de orquestas tan prestigiosas como las de San Petersburgo, Oslo y Londres. Debido a un ataque cardíaco no pudo concluir la dirección musical de una representación de La Bohème de Puccini en 1996. Recuperado de aquella dolencia, Jansons es el director de la Royal Concertgebouw de Ámsterdam desde 2004, cargo que compagina también con la titularidad de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Mariss Jansons ya tuvo el honor de ser elegido por la Orquesta Filarmónica de Viena para dirigir la sesión del Concierto de Año Nuevo en 2006, una experiencia que repite este domingo por la mañana en el Musikverein de la capital austríaca.

Valses y polkas en un programa festivo:

Desde el Salón Dorado del Musikverein de Viena disfrutaremos con un cuidado repertorio que incluye obras de Johann y Josef Strauss, Carl Michael Zieher, Joseph Hellmesberger (hijo), Hans Christian Lumbye y Piotr I. Chaikovski. El programa oficial anuncia títulos como el celebérrimo ‘Delirios’ de Josef Strauss, y los efectistas ‘Bajo truenos y rayos’ y ‘Tic-Tac’ de Johann Strauss. El maestro Mariss Jansons se sube por segunda vez en el podio de la Orquesta Filarmónica de Viena para clausurar la mañana como no podía ser de otro modo, con el ‘El Danubio Azul’ de Johann Strauss (hijo), seguido de la popular ‘Marcha Radetzky’.
Como es ya habitual en la gala, la Orquesta Filarmónica de Viena lanza un guiño a la actualidad. En esta edición, se interpretarán dos piezas que se refieren al gran acontecimiento deportivo de 2012: los Juegos Olímpicos de Londres. ‘La Polca de Albión’ fue dedicada por Johann Strauss al esposo de la Reina Victoria de Inglaterra, el Príncipe Albert von Sachsen-Coburg-Gotha. Y con la ‘Polca Jockey’, Joseph Strauss describe musicalmente su deporte ecuestre preferido.
Y quienes sigan el Concierto de Año Nuevo a través de La 1 (TVE ) y de RTVE.ES podrán contemplar la actuación del Ballet de la Ciudad de Viena desde el Palacio Belvedere con una espectacular coreografía.

Gracias a la UER se emite a más de 70 países:

El primer Concierto de Año Nuevo tuvo lugar el 1941 bajo la dirección de Clemens Krauss (1893-1954) quien ya había celebrado un concierto similar en el día de San Silvestre de 1939. El maestro Krauss fue relevado en la batuta por el violinista Willy Boskovsky (1909-1991), responsable desde 1954 hasta 1979. Pero fue Lorin Maazel quien durante la década de 1980, elevó esta tradición al rango de fenómeno mediático de repercusión internacional. Desde 1987, la Orquesta Filarmónica de Viena invita a un director distinto en cada edición para contar así con el apoyo de figuras de prestigio profesional y renombre comercial.
En 1959 la televisión pública de Austria transmitió por primera vez el Concierto de Año Nuevo, que a través de la Unión Europea de Radiotelevisión llega a los hogares de más de 70 países abarcando una audiencia de millones de personas. Televisión Española se sumó al encuentro musical en 1964, emitiendo la segunda parte del concierto. Desde el año 2000 se transmite en directo el programa completo, tanto en Radio Nacional de España como en Televisión Española. Y desde hace un par de temporadas, podemos disfrutar de esta gran fiesta de la música también en HD. Este domingo, 1 de enero, pueden seguir en directo el Concierto de Año Nuevo con la Orquesta Filarmónica de Viena en La 1 de TVE, en TVE HD, en la web de RTVE.ES y en Radio Clásica, Radio Nacional de España.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

Schubertiadas, el silencio de Göethe y "La serenata" de Schubert

Schubert, al piano, acompaña al cantante Vogl en una velada en casa de amigos. (Oleo inacabado de Moritz von Schwindt, amigo de Schubert, 1868)

En sus escasos 31 años, Franz Schubert compuso alrededor de 1.500 piezas. Un buen número de ellas son lieder, cerca de 800, para una voz o para varias voces, acompañadas de piano u otros instrumentos. La palabra lied (lieder es el plural en alemán) no tiene traducción al español, pero puede asemejarse a "canción", pues de eso se trata más o menos. La diferencia con nuestras "canciones", descontada la altura artística y musical, estriba en que los versos proceden de grandes poetas (Göethe, Heine, Schiller) o de los amigos de Franz que por aquella época lucían cierto renombre como tales. De duración inferior a cuatro o cinco minutos, podían cantarse uno tras otro en reuniones sociales alrededor de buen vino, música y literatura, en casa de Schubert o de sus amigos, veladas que posteriormente recibieron el nombre de "schubertiadas". En 1814, a los 17 años, el joven Franz había comenzado a desempeñarse como asistente en la escuela que mantenía su padre, recibiendo por ello un sueldo miserable. Encargado de la clase de párvulos, con seguridad no fue un gran maestro porque su alma y su espíritu estaban ya definitivamente con la poesía y la música. La segunda mitad de 1814 y todo el año 1815 son por ello fértiles en la producción de obras. Conoce al poeta Mayrhofer, a quien ya había "musicalizado" y escribe una de las creaciones más geniales del período con texto de Göethe, a quien Franz admiraba profundamente. Uno de sus amigos decide que es hora de contactarse con Göethe para hacerle saber de este muchacho que apoyado en sus versos compone música maravillosa. Y envía al poeta alemán una serie de lieder inspirados en sus textos, solicitando su aprobación para que le sean dedicados. (Suponemos que por esos años el derecho de autor estaría en pañales. Hoy, hasta el más antisistema de los poetas armaría un berrinche de padre y señor mío.)
"El que suscribe se permite robar con estas líneas algunos instantes de su tiempo tan precioso... las poesías... han sido puestas en música por un compositor de 19 años... (y desea que) le sea permitido consagrar humildemente esta colección a Vuestra Excelencia... el joven artista se sentiría dichoso de merecer la aprobación... le ruego tenga la extrema cortesía de favorecerme con su respuesta". Göethe no contestó. Diez años después, en 1825, será el propio compositor quien envíe a Göethe sus poemas trasladados al pentagrama. El vate se hará el sordo nuevamente. Al pequeño Franz le quedan solo tres años de vida.
La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Schubert - Ständchen: "Leise flehen meine Lieder" (Transkription von Liszt)

La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

El compositor Robert Schumann junto a su esposa, Clara Wieck, que fue una virtuosa del piano

(Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del Romanticismo musical alemán. Hijo de un librero, la literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta el punto que Shumann estuvo dudando entre ambas vocaciones. Aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la más pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift Für Musik (1834), publicáción que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales más progresistas de su época, a través de una serie de artículos apasionados y polémicos redactados por él mismo. Alumno de piano de Friedrich Wieck, en casa de éste encontró a la que, y a pesar de la inicial oposición paterna, desde 1840 sería su esposa: Clara Wieck (1819-1896), una excelente pianista que se convertiría en la principal intérprete de su música para teclado, además de ser también ella una apreciable compositora. El deseo de Schumann de llegar a ser un virtuoso del piano se truncó a causa de una lesión en la mano derecha, de la que no consiguió recuperarse. A raíz de su matrimonio, el compositor aleman, que hasta ese momento había centrado su producción en la música para piano y el lied, empezó a concebir proyectos más ambiciosos, tanto sinfónicos ocmo camerísticos y operísticos, estimulado por su esposa. La primera de sus cuatro sinfonías data de 1841, mientras que su célebre Concierto para piano en la menor es solo cuatro años posterior. Los últimos años de vida de Schumann estuvieron marcados por el agravamiento de la inestabilidad nerviosa que lo había acompañado desde su juventud, tras un intento de suicidio en 1854, fue internado en una casa de salud en Endenich, donde permaneció recluido hasta su muerte.

FÉLIX MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)Concierto para violín y orquesta en mi menor Op. 64

-Allegro molto appassionato -Andante -Allegretoo non troppo - Allegro molto vivace. El 30 de julio de 1838, Félix Mendelssohn escribió una carta a su amigo Ferdinand David, uno de los más distinguidos violinistas de la época. En ella le decía lo siguiente: "Quiero escribir un concierto para violín par ati el próximo invierno; uno en mi menor estça dando vueltas en mi cabeza, cuya introducción no me deja en paz un momento" con esas palabras Mendelssohn inició la composición última gran obra maestra, que además se ha convertido en uno de los Conciertos más populares en toda la historia musical. Existe una buena cantidad de bosquejos del autor sobre una pieza como la que tenía en mente, peor que datan de muchos años antes de que cobraran su forma definitiva; además impresionante correspondencia que exisitió entre Mendelssohn y David durante seis años al respecto de este concierto, nos da una idea de cúanto deseaba el compositor cuidar hasta el último detalle. Con esa relación, encontramos en Mendelssohn al constructor y arquitecto sonoro mientras que David como su asesor en aspectos técnicos. Y muy cierto es que ran almas muy cercanas; se Concierto siendo apenas adolescentes, y sus carreras se unieron en varias ocasiones: cuando Mendelssohn fue nombrado director de la Orquesta Gewandhaus de Leipzig le pidió a David fuera su concertino, y al funda el conservatorio de esa misam ciudad hacia 1843 nuevamente solicitó a David que tomara bajo su érgida la cátedra de violín. Lo cierto es que dentro de esa intensa relación artística Mendelssohn no había econtrado el tiempo suficiente para componer aquel Concierto que tanto le había prometido a su colega. Fue hasta el 16 de septiembre de 1844 que el compositor terminó la partitura, y hasta el 17 de diciembre le pidió a David que revisara el manuscrito. Finalmente, el Concierto vio la luz el 13 de marzo de 1845, con David en la parte solista y la Orquesta Gewandhaus dirigida por el compositor y director danés Niels Gade. El Concierto para violín de Mendelssohn ha sido admirado desde su estreno como un verdadero ramillete de innovaciones y múltiples virtudes. Al respecto, Donald Francis Tovey escribió: "Envidio en gran medida el regocijo de cualquier persona al escuchar el Concierto de Mendelssohn por primera vez en su vida y encontrar, como en Hamlet, que está llena de citas." Seguramente uno de los momentos que parece como una cita musical para toda la posteridad es la maravillosa melodía con la que inicia el violín tan sólo dos compases de ligera introducción orquestal, lo cual, además, resultaba novedoso en aquellos tiempos (sólo encontrando paralelo con el inicio del Concierto Emperador de Beethoven o el Concierto Jeunehomme de Mozart). La interesante propuesta de Mendelssohn con ello es que solista y orquesta exploren juntos la exposición, dejando a un lado la doble exposición al estilo clásico. Por otro lado, también hace una innovación al ubicar la cadenza no al final del primer movimiento sino entre la sección del desarrollo y la recapitulación. Por si fuera poco, y como también ocurrió en su Sinfonía escocesa, Mendelssohn concibió su concierto para violín en tres movimientos, aunque estos sean escuchados como uno solo en fluir continuo; el puente entre los movimientos primero y segundo lo constituye una nota en el fagot, como evocando el sonido de un órgano, y que nos lleva directamente a uno de los movimientos más ricos del repertorio de este autor. Por su parte, el movimientos central y el final son encadenados por catorce compases en el violín ,protagonizando una suerte de recitativo operístico, lo cual desemboca en una sección plena de virtuosismo y frescura. Joseph Joachim, quien fue uno de los grandes violinistas del siglo XIX, y responsable del estreno de algunos de los más importantes Conciertos par asu instrumento en su tiempo, llegó a declarar: "Los alemanes cuentan con cuatro Conciertos para violín. El más grande de todos, sin reservas, es el de Beethoven. El de Brahms, por su seriedad, compite con el anterior. Max Bruch escribió el Concierto más rico y pleno de magia. Pero el más íntimo, la joya del corazón, es aquel de Mendelssohn."

Joshua Bell - The Four Seasons "Summer" III. Presto

Noa Wildschut en Janine Jansen in De Klassieken

Las cuerdas olvidadas de violines recuerdan los horrores del Holocausto

Amnon Wwinstein ha restaurado algunos instrumentos que tocaron judíos en los campos de concentración; les llama violines de la esperanza.

Escondido en un sótano en el centro de Tel Aviv, en medio del olor de aserrín y barniz está un taller de instrumentos musicales cuyo propietario y su hijo han pasado los últimos 15 años encontrando violines, que fueron tocado por víctimas judías del Holocausto, para devolverles la vida. "Los alemanes confiscaron a los judíos cada violín, viola y violonchelo que pudieron, y estamos hablando de miles , a los que se llevó el viento", dijo Amnon Weinstein, mientras labora entre decenas de violines y arcos que cuelgan de las paredes y techos de su especial lugar de trabajo.

Weinstein es un luthier, un artesano de instrumentos de cuerda, un recuerdo de una era pasada, cuyo bigote y anteojos hacen poco para esconder su pinta de excéntrico. Dice que casi todo los sobrevientes que tocaron en los campos de concentración debían sus vidas a sus instrumentos.

"Los alemanes los necesitaban para engañar a los judíos. En los campos, si alguien estaba tocando un violín, nadie pensaría que al lado había una camara de gas. Ese era el plan de esta horrible gente", dijo Weinstein, que perdió casi a 200 miembros de su familia durante el Holocausto.

El propio camino de Weinstein comenzó después de contratar a un aprendiz alemán que lo convenció de dar una conferencia a la Asociación Alemana de Luthiers en Dresden, con el tema de cómo los instrumentos alemanes y austriacos llegaron hasta israel.

En 1936, Bronislav Huberman, un prodigio del violín, que nació en Polonia en 1882, y Arturo Toscanini, un director italiano, decidieron formar una orquesta filarmónica en Palestina, explicó Weinstein. "Por supuesto, ellos nunca podrían haber compendido lo que los nazis había planeado para el pueblo judío durante el Holocausto, pero ellos sabían que la situación se estaba deteriorando", dijo. Durante los primeros ensayos en 1936, la mayoría de los músicos que venían a Palestina desde Europa aún apreciaba a los fabricantes de violines y arcos alemanes, dijo Weinstein. Cuando el padre de Amnon, Moshe, también un luthier, emigró en 1938 de Vilna en Polonia, comenzó a dar servicio a los instrumentos de la orquesta de Huberman y Toscanini.

Pero cuando las noticias de la campaña contra los judíos de Europa llegaron a Palestina, estos músicos se negaron a seguir tocando instrumentos alemanes, dijo Weinstein.

"La gente que tocaba instrumentos alemanes o los rompió a los quemó, y algunos fueron con mi padre diciéndole que los tirarían a la basura si él no los compraba", recordó. Tras la conferencia inicial de Weinstein, pidió en la radio que las personas se presentaban con más historias sobre los "violines del Holocausto". Sólo entonces, comenzó a recibir instrumentos que fueron tocados en campos de concentración e inició la verdadera búsqueda por los sobrevivientes. En almacenes, mercados de antigüedades y tiendas de violines, encontró violines que pertenecieron a artesanos judíos en Polonia y familias Klezmer en Europa central, desde los guetos de Varsovia, y campos de concentración como Auschwitz.

Cada violín, algunos de los cuales llevan la estrella de David, cuenta una historia extraordinaria y el luthier asegura que puede identificar la historia del instrumento por las marcas y cicatrices que hay en él. "Hoy en día soy como un policía. Puedo identificar cuáles sufrieron y cuáles no. Los que estuvieron en el Holocausto llegaron en condiciones horribles, así que el taller tomó la decisión de hacer un instrumento de concierto de cada uno de ellos", dijo Weinstein, quien ahora salvaguarda más de 26 de estos instrumentos. En su propia estimación, él ha realizado una labor voluntaria por el equivalente a casi 200,000 dólares en trabajo para su proyecto, pero mientras más tiempo pasa, se vuelve más difícil encontrar esos instrumentos. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en 1945, muy pocos sobrevivientes llegaron a Palestina. No podían imaginar o soportar estar en una nueva guerra y por eso, un gran porcentaje, emigró a Estado Unidos, de acuerdo con Weinstein.

"Entre 80 y 85%, de los sobrevientes fueron a EU, nadie quería venir a Israel, era de nuevo un lugar en guerra. 89% de ellos , pusieron sus violines en el ático y se olvidaron de ellos ", dijo. Los violines, como los recuerdos, se desvanecieron en las décadas posteriores a la guerra. Al pasar los años, las generaciones siguientes sabían poco sobre los instrumentos olvidados. Muchos de ellos fueron desechados, pero algunos llegaron a las manos de anticuarios y fabricantes de violines, donde Weinstein los localizó.
"Es un periodo muy complicado que es imposible de entender, imposible de explicar, pero el sonido del violín nos lleva de nuevo a ese tiempo. Hoy en día es difícil convencer a la gente que algo como esto sucedió. Esa es nuestra misión, que todo el mundo entienda un poco la fricción. El violín es una fricción, pero puedes escuchar un sonido y hace la vida un poco más comprensible". dijo.

Los "Violines de Esperanza" han sido tocados en orquestas en todo el mundo, incluyendo Turquia, Suiza, Israel y Estados Unidos. Weinstein dijo que su búsqueda continurará para que su música y recuerdos puedan seguir siendo compartidas.

DAVID GARRETT ♫ Vivaldi

Los violines Stradivarius, cinco joyas que se conservan en el Palacio Re...

Johannes Brahms - Alegretto

Presentación del dossier de Scherzo "Música y sociología"

Ana Vega-Toscano, Luis Suñen, y Javier Noya (director del grupo de Investigación Musyca) presentarán el dossier que el Grupo ha publicado en la revista Scherzo nº268, de noviembre, con el título "Música y sociología".

Hace 100 años el clásico de la sociología Max weber escribía su único texto monográfico sobre la música:" Fundamentos racionales y sociológicos y de la música". Con motivo de esta efemeride, el grupo de investigación Musyca-Música, Sociedad y Creatividad Artística de la Universidad Complutense de Madrid ha preparado un dossier sobre la disciplina, sus enfoques, etc.

En él se abordan temas clásicos, como el legado del mismo Weber o la compleja relación entre la música, pero también se presta atención a temas actuales que se están investigando en el área, como la música y el espacio, o la sociología de la danza.

Vivaldi: Concerto for 2 violins Op 3 Nº 8 RV 522

Piano stairs - TheFunTheory.com - Rolighetsteorin.se . Las escaleras del metro convertidas en un piano gigante

Janine Jansen llega a Sevilla avalada por su éxito en internet

Janine Jansen (Ultrech 1978) es la reina de las descargas de Internet. Esta joven es la violinista que los fans de la música clásica llevan en sus iPod. Jansen ha decidido que la música barroca de Bach entre el la red y en el mundo de las nuevas tecnologías. Y es que esta violinista sabe rescatar obras clásicas y además recuperar su éxito perdido.

Con motivo del lanzamiento de su último disco "Bach, inventions & Partita", la artista holandesa , llega a España. Su primera parada fue el día 14 en A Coruña , hoy estará en Sevilla gracias al Ciclo de Música de Cámara que se ofrece en el Centro Cultural de Cajasol a las 20.30 horas. Por último estará mañana en Las Palmas de Gran Canarias interpretando su último disco.

Janine jansen se siente orgullosa por ser considerada como la reina de las descargas en internet insitiendo de que sus interpretaciones son descargadas incluso por los que no son aficionados a este tipo de música. Y es que su interpretación de las "Cuatro Estaciones" de Vivaldi, ejecutada con instrumentos de cuerda, ha acumulado casi el 73 por ciento de todas las ventas que existen en ¡Tunes de esta grabación. Es sorprendente ver que las descargas de música clásica aumentan en número y todo gracias a ella.

Ahora interpretada el barroquismo de Bach porque cree que su música es pura. Las piezas musicales que representa no han sido muy interpretadas anteriormente y por eso. Janine Jansen las rescata.

La grabación de "Bach, Inventions & Partida" abre con unas quince piezas de la parte Dos adaptada para violín y viola, después el sólo de la Partida que contiene cuatro danzas tradicionales y cierra con una monumental Chacona (composición de origen español). Concluye con quince piezas de las Invenciones de la parte tres, adaptadas a violín, viola y chelo.

Nannerl, la confidente de Mozart

Una filme de René Féret, que se estrena hoy en España, recupera la figura de la hermana del genial músico, cuyas dotes también musicales fueron ensobrecidas por las de su hermano y por su condición de mujer.

Si fuera de una persona cualquiera, el retrato estaría ahora guardado en algún almacén o quizá en manos de un coleccionista de objetos de época. Pero ella era Mozart, hija de Leopold y hermana de Wolfgang Amadeus. Quien conozca a la familia lo averiguará por el rostro: pómulos ardientes y sonrosados, ojos oscuros y observadores, sonrisa todavía ingenua aunque en algo pícara, simpática.

En 1763, cuando Pietro Antonio Lorenzoni pinta el cuadro aún tiene 12 años, de manera que pareciéndolo, no alcanza a ser mayor. Por eso los detalles parezcan impropios: los pendientes de filigrana, el pequeño tocado, el brocado de tafetán blanco con toda clase de adornos incluido en el traje. En realidad, digno de una princesa, que para eso se lo había regalado la emperatríz María Teresa en Viena, donde ella, Maria Anna, había mostrado sus mejores dotes musicales. Lorenzoni lo sugiere al introducir en segundo plano un clave sobre el que reposa una partitura y al añadir algunos detalles velados (un cortinaje, una columna) que otorgan al cuadro una solemnisdad clásica, digna de alguien con prestigio.

Ver el retrato es fácil: el original se expone en la turística casa de los Mozart en Salzburgo. A su lado cuelga el del hermano, más naif todavía pues siendo tan niño aparece de pie sobre la banqueta de clave, con el traje de gala ribeteado con anchos galones de oro dobles. Lo hicieron para el archiduque Maximilan Franz y que luego se lo regalaron. Lo hicieron para el archiduque Maximilan Franz y que luego se lo regalaron. Mucho lujo para explicar que, por aquel entonces, los dos recorrían Europa alardeando de musicalidad. Luego también, porque la historia cambia en muy pocos detalles. María Anna envejecerá dedicada a la familia y con el prestigio de sus portentosas habilidades artísticas; y el niño cumplirá años sin parecerlo, siempre superdotado para el ejercicio de la profesión e inseguro ante muchos detalles cotidianos. Ambos estuvieron juntos en los primeros años, cuando ella le protegía y acompañaba, y juntos seguirán después: la una confidente del otro y él orgullosos de su hermana mayor.

Clara Josephine Wieck -.En toda Europa considerada una de las mejores pianistas y compositoras de su época-.

Clara Josephine Wieck nació en Leipzig, el 13 de septiembre de 1819, fue compositora y pianista desde los ochos años: sus dotes de interpretación alcanzaron el virtuosismo. Su talento fue reconocido en toda Europa antes de su matrimonio y fue considerada una de las mejores pianistas de la época, tan genial como Franz Lizt.

Clara fue admirada también por diversas personalidades destacadas: como Mendelssohn, Goethe, Brahms, Chopin, Paganini o el mismo Lizt. Desde 1872 hasta 1892 fue profesora en el Conservatorio de Frankfurt.

A partir de los cinco años estudió, al igual que su hermana Maria, piano y composición con su padre, Friedrich Wieck, un reconocido pedagogo y pianista. En 1830 la pequeña Clara, de once años, escribió su primer Lied, en 1827 habia tocado por primera vez con una orquesta. A los nueve años, hizo su debut como virtuosa del piano, tocando variaciones sobre un tema de Rossini. En pocos años Clara se había convertido en la pianista más famosa de su época. Robert Schumann (1810-1856), uno de los numen del romanticismo, soñaba desde pequeño en convertirse en un gran pianista. Después de estudiar composición inició un curso de estudio con Friedrich Wieck. De esta manera Schumann conoció a Clara, quien para entonces ya era concertista profesional, y pronto nacería el amor entre ellos. Pero el enamoramiento de Clara enfureció a su padre, seguramente por los hábitos de Robert: de carácter marcadamente depresivo, sin medios para mantener una familia y por sus fracasos en las relaciones con otras mujeres. Friedrich envió a Clara a Dresde y le prohibió cualquier tipo de comunicació con Schumann. Aunque los enamorados encontraron la manera de cartearse.

Finalmente en 1840, después de tres años de noviazgo y tras superar la oposición del padre por medio de los tribunales, se casaron y en los años siguientes Robert se dedicó a la composición sinfónica. Clara, a pesar de su talento musical, decidió dedicarse a Robert y a sus hijos (tuvieron hasta ocho).

Pero a pesar de los éxitos de Robert y la dedicación de Clara, los jóvenes esposos tenían graves problemas financieros yen 1844 aceptaron hacer una gira en Rusia, esperando resolver así sus difícil situación. Tuvieron mucho éxito pero pocos ingresos. La salud de Robert, siempre delicada, comenzó a deteriorarse, sufrió varias crisis depresivas y el médico les recomendó que cambiasen de aire y la familia se trasladó a Dresde. Allí, Robert compuso varias obras y posteriormente Clara intentó promocionar la obra de Robert en una gira por Viena, sin conseguir éxito. Las composicíones de Shumann ya no despertaban excesivo entusiasmo y el compositor comenzó a decaer alarmantemente: sufría alucionaciones y desvaríos. Clara sufría profundamente viendo padecer a su esposo y sintiendose impotente para ayudarle.

En 1854 Robert, desesperado y con la mente confusa, se arrojó al Rhin, donde fue salvado por unos pescadores. Clara que se encontraba en el sexto mes de un nuevo embarazo tuvo que internarlo en un sanatorio para enfermos mentalesy continuó de gira ofreciendo conciertos por toda Europa en teatros y asociaciones para mantener a su marido y sus hijos. En 1872, para poder estar más cerca de su familia, aceptó un puesto como profesora en el Conservatorio de Frankfurt donde dio clases hasta 1892. Durante estos años se dedicó a la publicación de las obras pianísticas y el epistolario de su Robert.

Clara tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de cuatro de sus hijos y la crisis nerviosas, el intento de suicidioy la posterior muerte de su esposo. Pero también tenía algunas inseguridades: dudaba de su belleza, de su talento como pianista y como compositor, en su diario llegó a escribir:

"Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?" Estas inseguridades (provocadas por el papel de la mujer en el S. XIX), unida sus carrera de concertista, sus ocho hijos y la devoción por sus esposo fueron algunas de las razones por las que no se dedicó en mayor grado a componer.

Clara, a través de sus conciertos, ayudó a promover la música de Robert y de diversos músicos, como la de su amigo Johanes Brahms. Su amistad con BRahms, iniciada durante el período de su matrimonio con Schumann, duró cuarenta años y la confortó mucho en sus tribulaciones. Johannes Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita".

Antes de su matrimonio, Clara había escrito varias obras: cuatro polonesas para piano, caprichos en forma de vals y varias romanzas, otras obras para piano, además de lieder, preludios, fugaas variaciones del concierto para piano sobre una cavatina del pirata de Bellini, un precioso trío para viólin, violochelo y piano (op.17), y una obra impresionante: un concierto para piano y orquesta en la menor (op.7), (la comenzó a componer con 14 años y la finalizó en 1835 ¡tenía sólo 16 años!). Sin embargo, no hay ninguna composición de los años de su matrimonio. Clara sacrificó su genio como compositora durante los años que vivieron juntos: se limíto a inspirar y enriquecer con hermosas sugerencias los trabajos de sus esposo.

La grandeza de Clara como mujer, intérprete y compositora permanece. Es evidente que su obra musical no está inspirada en la del marido, más bien es la música de Robert la que está en deuda con la de Clara.

Villa Bertramka en Praga, museo de Mozart

En sus 36 años de vida, el célebre compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart visitó Praga en tres ocasiones, entre 1787 y 1791. Al igual que en Viena, su música era recibida con enorme admiración . Siempre se alojaba en Villa Bertramka, hoy transformada en el Museo Mozart, donde encontraba inspiración para arreglar e interpretar sus piezas musicales. Durante el veranto en los jardines se celebran maravillosos conciertos, a los cuales asistián invitados exclusivos.
Allí se exponen manuscritos del artista, informes de noticias de la época, grabados, cartas, fotos, bocetos musicales, instrumentos y otros objetos que permiten construir un relato de las actividades de Mozart en Bertramka y en Praga. También se exhiben documentos sobre la casa y otros que certifican el contacto con maestros checos que asiduamente eran invitados por la familia Duseks, dueña de la finca y amante de la música.
La habitación que Mozart y su mujer utilizaron en Bertramka todavía conserva la decoración original en paredes y techo, en su mayoría de madera barroca en motivos florales. Uno de los objetos más curiosos es un mechón de pelo del artista y dos instrumentos de tecla que ejecutó durante la estadía. En el jardín, hay ubicado un busto en su honor, realizado por un artista checo especialmente para la inaguración del museo.
Los turistas que recorran el museo cuentan con servicio de audioguía en checo, inglés, francés, alemán, y japones.

Daniel Hope: Romantic Violinist (Trailer English)

Casa de la Música de Viena (Haus der Musik)

En viena, la ciudad de la música, hay un lugar en el que incluso los oídos se sorprenden. Emprenda un viaje musical al museo del sonido único de Viena - ubicado dentro del palacio histórico del archiduque Carlos en el casco antiguo. Mire por encima del hombro de los grandes compositores de otros tiempos mientras están componiendo, encuéntrese con los mejores músicos del momento y mire al futuro musical de la música creada por ordenador. Cada día, hasta las 22 horas, le invitan en la seis plantas del museo a introducirse en el mundo de los fenómenos de los sonidos.

La música no sólo es para escucharla: En la casa de la música también puede ver, sentir y producir personalmente sonidos y tonos.

Durante su viaje musical se verá apoyado por instalaciones con la última tecnología. Vivencias inesperadas con sonidos, sensaciones a través de alta tecnología, espacios lúdicos únicos: en la Casa de la música descubrirá con todos sus sentidos un mundo de sonidos, ruidos y tonos. Hasta sus oídos se sorprenderán.

ZELAZOWA WOLA-Museo de Chopin

Lugar de nacimiento de Federico Chopin. En la llamada mansión de Chopin, museo biográfico con retratos del compositor y de su familia, así como muebles de época. En verano, cada domingo se celebran conciertos de piano con música de Chopin, interpretados por famosos pianistas. La mansión está rodeada por un bello parque con unas 500 especies de árboles y arbustos. En el parque hay tres monumentos al compositor.

Schatz-Walzer with Vladimir Malakhov

Vladimir Malakhov(nacido en 1968 en Krivói Rog, Ucrania), fue un bailarín principal del American Ballet Theatre. En 2004 se convirtió en el director artístico y primer solista del Staatsballett de Berlín (Berlín State Ballet), que se formó recientemente a partir de los ballets de los tres teatros de ópera del público.
Comenzó sus estudios de danza a la edad de cuatro en una pequeña escuela de ballet en la región y permaneció allí hasta continuar su formación en la escuela del Ballet Bolshoi de Moscú. Desde los diez años, él estaba bajo la tutela de Peter Pestov y después de graduarse en 1986 se unió al Ballet Clásico de Moscú como el más joven bailarín de la compañía.
En 1992, Malakhov se unió a la Viena Stat Opera Ballet como artista principal y el Ballet Nacional de Canadá en 1994. En la primavera de 1995 tuvo su debut con el American Ballet Theatre en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Desde entonces, se ha mantenido un primer bailarín con ABT, y ha continuado a baila papeles principales en Viena, así como el famoso Ballet de Stuttgart. Malakhov también apareció muchas veces como invitado en Berlín, donde se ha convertido recientemente director artístico. Su repertorio abarca una amplia gama de estilos, desde ballets clásicos a las obras de coreógrafos contemporáneos de hoy.
Aclamado por la crítica mundial por lirismo artístico, que ha ganado premios de gran prestigio en su campo de competencias en Varna, Moscú y París.

Casa Museo de Mozart, la cual se ubica en Salzburgo, Austria

La Casa Natal de Mozart se encuentra ubicada sobre la calle Getreidegasse, identificada con el Nº 9 y su particular color amarillo con ventanales blancos. Durante veintiséis años, entre 1747 y 1773, la familia Mozart habitó la tercera planta de la "Casa Hagenauer", y es aquí donde el día 27 de enero de 1756 nació el famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart. El día 15 de junio de 1880 la Fundación Internacional Mozart inaguró el primer Museo en la Casa Natal de Mozart. Esta casa-museo está compuesta de tres plantas donde se conservan una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertencieron a Mozart. Es uno de los lugares más visitados en Salzburgo, Austria, y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música. Durante una visitra en la Casa de Mozart, podremos ver las habitaciones originales en las cuales se exponen instrumentos históricos, valiosos documentos y objetos originales pertenecientes al compositor y la mayoría de los retratos que se realizaron de él en vida. Cabe destacar por ejemplo el óleo inacabado "Mozart en el piano" realizado por su cuñado Joseph Lange en 1789. También encontraremos el violín que Mozart tocó durante su infancia, un violín de conciertos, sus clavicordio, además de retratos, cartas pertencientes a la familia Mozart, muebles y objetos típicos de Salzburgo de la época del autor, entre otros.

1/6 New Year's Concert 2011 Vienna Polka Mazur with ballet (Aus der Fer...

El concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena (en alemán: Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker) es un concierto de música clásica que se celebra cada año en la mañana del 01 de enero en Viena, Austria. Se emite en todo el mundo para una audiencia estimada de 50 millones de dólares en 72 países.

Noticias veterano Paula Zahn serán cubiertas por el escenario y la leyenda del cine Julie Andrews como afitrión de la celebración de la fiesta de Año Nuevo con la Filarmónica de Viena, bajo la dirección de Franz Welser-Möst del Musikverein de Viena.

Alison Balsom: Haydn Trumpet Concerto, 3rd mvt

Director Titular de la de Phil Vasily Petrenko dirige la Royal Liverpool Philarmonic Orchestra, con la actuación invitada muy especial de Alison Balsom, en una actuación enérgica y movimiento del Concierto para trompeta de Joseph Haydn, en Mi bemol mayor (Finale:allegro)

This recording was made during the sold out concert Sound the trumpet! on Thursday 17 september 2009. Esta grabación fue realizada durante el concierto con entradas agotadas sonido de la trompeta! el jueves 17 de septiembre de 2009

Musica Antiqua Roma, Riccardo Minasi: Giovanni Mossi, Sonata V, op. 1, A...

Alexandre Tharaud plays Scarlatti

José Carlos Martínez en el Aula - bailarín estrella de la Ópera de París, dirigirá la CND

El bailarín y corógrafo sustituye a Nacho Duato, que ocupó el cargo 20 años. Martinez Premio Nacional tienen una trayectoria abrumadora para sus 41 años. El bailarín estrella de la Ópera y coreógrafo José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), será el nuevo director de la Compañía Nacional de Danza (CND), en sustitución de Nacho Duato, según ha anunciado este viernes en rueda de prensa la ministra de Cultura, Ángeles Gónzalez-Sinde.
El artista, ganador del último galardón "Benois de la dance", considerado el Óscar de la danza, se incorporará al CND el próximo verano, justo al cumplir 42 años y jubilarse , como mandan sus estatutos, como bailarín de la Ópera de París.
El coreógrafo y bailarín, que entró en el Ballet de la Ópera de París con 19 años, en 1988, fue ascendido a "primer bailarín" en 1992 y alcanzó el grado de "estrella" en 1997, deberá remodelar la CND, que dirigió durante 20 años y hasta el pasado verano Nacho Duato con programas exclusivamente contemporáneos, para incorporar a su repertorio piezas clásicas y neoclásicas.
Martinez lleva 26 de los 41 años que tiene fuera de su Cartagena natal, un tiempo en el que se ha convertido en bailarín estrella del Ballet de la Ópera de París, coreógrafo y maestro de lo mejor de los mejores del clásico , el neoclásico y el contemporaneo.
Ahora, cuando le queda poco menos de un año para jubilarse como "estrella de la Ópera de París"-así lo establecen sus estatutos- ha decidido volver a España.

El Lago de los Cisnes (Ballet de Moscú) Swan Lake

2CELLOS (Sulic & Hauser) - LIVE 'With or Without You' by U2 (HD)

2Cellos es un Cello dúo formado por Croacia violonchelistas Sulic Luka y Stjepan Hauser. Firmado para Sony Masterworks desde el 12 de abril de 2011, los dos fueron descubiertos después de subir un video musical de su cello solo cubre de Michael Jackson's "Smooth Criminal" .
Sulic, nacido en Maribor, Eslovenia, y Hauser , de Pula, Croacia, se reunió en una clase magistral en Croacia, mientras que aún en la adolescencia. Sulic-el más joven de los dos por un año y Hauser asistió a la Academia de Música de Zagreb juntos, y ambos viajaron a estudiara a Viena. Sulic más tarde entró en Londres's Royal Academy of Music, mientras que Hauser asistió a la Royal Northern College of Music en Manchester. El dúo saltó a la fama después de sus versión de "Smooth Criminal" se convirtió en un éxito en Youtube, que reciben más de tres millones de visitas en las dos primeras semanas y más de cinco millones de visitas en total. La creación del video musical fue motivada por las dificultades de los violonchelistas financieros, a pesar de su éxito musical en el Reino Unido. El dúo se reunió en mercado mediante la creación de un video de "Smooth Criminal". El video, publicado originalmente el 20 de enero de 2011, características Sulic y Hauser frente a frente a solas en una habitación blanca grande, jugando canción de Jackson. De hecho, antes de convertirse en socios, los dos violonchelistas fueron considerados a veces rivales, que compiten contra otros en concursos de música.

Hilary Hahn Plays Sarabande in D Minor by Bach

Daniel Baremboim dirige a la Orquesta "West Eastern Divan" este domingo

El director de orquesta israelí, Daniel Baremboin, dirigirá este domingo 31 de julio, a partir de la s 21,00 horas, a la orquesta West-Eastern Divan en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, ciudad sede de la Fundación Pública Andaluza Barenboim-Said. En esta ocasión, el programa comenzará con la Sinfonía nº1 en do mayor (Op.21) de Ludwig Van Beethoven, el "Adagio de la sinfonía nº5 en do menor (Op.67) del genio de Bonn.

La Orquesta West-Eastern Divan, compuesta por un centenar de músicos árabes, israelíes y españoles, muchos de ellos andaluces, dirigidos por el maestro Daniel Barenboim, tiene en Andalucía la sede permanente de su taller estival, que se celebra en la localidad sevillana de Pilas, y que concluyó el pasado viernes. En este taller se prepara el repertorio de toda la gira -que este año incluye el ciclo completo de las Sinfonías de Beethoven- y los músicos se reúnene para compartir durante una semana muchas horas de trabajo y ensayos.

Tras los conciertos de este fin de semana en Andalucía, la Orquesta, compuesta este año por 105 músicos: 41 jóvenes de origen árabe, 37 israelíes y 22 españoles, de los que trece son andaluces, y cuatro de otras nacionalidades, deja la comunidad para ofrecer un concierto en la Plaza Mayor de Madrid este lunes 1 de agosto.

A continuación, comenzará un recorrido por escenarios de Asia y Europa que los llevará a las principales ciudades de China y Corea. El día interpretará la Sinfonía nº9 de Beethoven en la zona desmilitarizada entre las repúblicas de Corea del Sur y Corea del Norte, con varios solistas coreanos y el Coro Nacional de la república de Corea del Sur.

Tras su paso por Asia, la Orquesta vuelve a Europa para actuar en los festivales de Lucerna y Salzburgo. A continuación , ofrecerá un concierto para 20.000 personas en el Waldbuhne de Berlín, un auditorio al aire libre situado junto al Estadio Olímpico de la capital alemana. La gira terminará durante la última semana de agosto en Colonia, con varios conciertos en la Filarmoníca durante los que se grabará el ciclo concierto de sinfonía de Beethoven para su edición discográfica posterior.

Concierto doble de Brahms

Violin de Cristal

Y asi fue que en Beijing surgió el primer violín de vidrio, el 18 de Abril de 2006, se presento en sociedad. Fué hecho a mano y está valuado en 170.000 yuan (21.000 dólares) y dicen que tiene mejor timbre que un violin de madera. Le llevó a los japoneses 1 mes construirlo.

André Rieu premieres Anthony Hopkins waltz in Vienna - PREVIEW

El pasado domingo, André Rieu recibió la gran condecoración de Oro por servicios a la Républica de Austria. La condecoración le fue entregada como reconocimiento a sus esfuerzos por promover la música vienesa en todo el mundo. Entre la audiencia se encontraba anthony Hopkins, quien viajó especialmente desde los Angeles para asistir al estreno mundial de "And The Waltz goes on" (y el vals sigue), que fuera compuesto por el propio Hopkins.
Viena, 6 de julio de 2011. Hopkins ha escrito música durante muchos años, pero la co-estrella de la película "Thor" compuso su última obra "And The Waltz Goes on", con la mente puesta especialmente en Rieu para interpretarla. Rieu se mostró tan entusiasmado con la labor, que inmediatamente se pueso en movimiento para grabarlo, logrando que la esposa de Hopkins se emocionara hasta las lágrimas durante la ejecución inicial de la melodía.
"Desde hace años soy un gran admirador de André Rieu. Es un excelente músico. Mi esposa y yo tuvimos el mismo sueño de conocerle personalmente algún día, por lo que le envié algunas composiciones de mi autoría. En lo que a mí respecta, el que André interpretara este tema con su orquesta, es un sueño hecho realidad. Estoy completamente conmovido con el resultado ¡Es mucho mejor de lo que esperaba" afirma Anthony Hopkins acerca de su cooperación con André Rieu.
El vals estará en el nuevo álbum de Rieu y será interpretado durante su gira durante el próximo otoño.

Downton Abbey - Main Theme Song - Piano Music

Philippe Jaroussky chante Caldara

Haus-Konzerte: Fauré Quartet

Sobre el espectáculo "Haus-Konzerte: Fauré Quartet". El Fauré Quartet interpretará cuartetos para piano de Beethoven, Mendelssohn y Reger en el concierto de clausura de las series Haus-Konzerte en la Konzerthaus de Berlín.

El título Haus-Konzerte contiene un doble sentido. Implica interpretaciones de música cámara con conjuntos pequeños, y sugiere música en un ambiente cómodo e íntimo. Estas series presentan a una variedad de artistas y programas en la sala de conciertos pequeña en la Konzerthaus Berlín.

Disfrute de este programa de Cuartetos para piano, perfecto para el ambiente íntimo de la Kleiner Saal" de la Konzerthaus de Berlín.

A Far Cry - Schnittke: Concerto Grosso no.1 (1977), V. Rondo: Agitato

Daniel Müller-Schott plays Bach at Stresa Festival 2008

Daniel Müller-Schott (nacido en 1976 en Munich, Alemania) es un alemán violonchelista. Ha trabajado con renombrados directores como Vladimir Ashkenazy, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Kurt Masur, Sakari Oramo y André Previn. Se grabó y lanzó los Tríos piano de Mozart en 2006 con Anne-Sophie Mutter y André Previn. Con Angela Hewitt, que ha grabado las obras completas de Beethoven para violonchelo y piano.

Sarah Chang - Bruch/Brahms: Violin Concertos

Sara chang (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de diciembre de 1980) es una violinista clásica estadounidense de ascendencia coreana.
Sarah realizó una audición en la Academia Juilliard de música cuando tenía 6 años, tocando el concierto para violín de Bruch. Fue admitida a la clase de Dorothy Delay, maestra de violín de algunos de los más grandes violinistas del mundo como Itzhak Perlman, Midori, Gil Shaham, Shlomo Mintz y muchos otros, incluyendo al padre de Chang.
Chang fue reconocida como niña prodigio desde que era muy pequeña, y cuando tenía 8 años tuvo la oportunidad de tocar para nombres tan importantes de la música como Zubin Mehta y Riccardo Muti, quienes trabajaban con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia respectivamente. A los 9 era la violinista más joven en grabar un disco. Jascha Heifetz, otro famoso niño prodigio grabó cuando tenía 11 años. En una entrevista su maestra afirmó que ninguna persona había visto nunca "algo como ella".
Yehudi Menuhin la llamó "la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que he escuchado".

Clara Haskil interprete del clasicismo y romanticismo

Clara Haskil (Bucarest, 7 de enero de 1895-Bruselas, 7 de diciembre de 1960) fue una pianista suiza de origen rumano.

Reconocida como intérprete del repertorio del clasicismo y del romanticismo temprano, Haskil es especialmente conocida por sus actuaciones y grabaciones de Mozart. Muchos la consideraron la intérprete más importante de Mozart en su tiempo. También fue conocida como una magnífica intérprete de Beethoven, Schumann y Scarlatti. Además, Haskil colaboró con músicos famosos, como Georges Enescu, Eugéne Ysayë, Pau Casals, Joseph Szigeti, Géza Anda, Isaac Stern y Arthur Grumiaux, con quien realizó su último concierto. Tocó como solista bajo la batuta de directores muy importantes, como Stokowski, Karajan, Beecham, Solti, Barbirolli, Boult, Jochum, Sawallische, Kempe, Szell, Celibidache, Klemperer, Hans Rosbaud, Monteux, Cluytens, Paray, Markevitch, Giulini, Ansermet, Münch, Kubelik, Fricsay, Inghelbrecht, entre otros muchos.

Haskil nació en el seno de una familia judía sefardí en Bucarest (Rumania) y estudió en Viena con Richard Robert (entre cuyos alumnos se encuentran tambien Rudolf Serkin y George Szell) y con Ferruccio Busoni. Se trasladó a París a la edad de 10 años, donde empezó a estudiar con Joseph Morpain (alumno de Gabriel Fauré). A continuanción, entró en el Conservatorio de París, oficialmente para estudiar con Alfred Cortot, aunque la mayor parte de su instrucción la recibió de Lazare Lévy y Mme Letarse-Giraud. Se graduó a los 15 años con un Premier Prix en piano y en violín. Tras graduarse, Haskil inició una gira por Europa, aunque su carrera se truncó por una de las numerosas dolencias físicas que sufrío a lo largo de su vida. Las frecuentes enfermedade que padeció, junto con el intenso miedo escénico que experimento en 1920, hizo que su situación económica empeorase. La mayor parte de su vida se encontró a la pobreza extrema. No fue sino hasta después de la Segunda Guerra Mundial, durante una serie de conciertos en Holanda en 1949, cuando empezó a ganar la fama que se merecía.

Como pianista, sus interpretaciones se caracterizaron por una pureza de tono y fraseo que pueden proceder de su habilidad como violinista. Transparencia y delicada inspiración fueron otros rasgos distintivos de su estilo.

Haskil murió en 1960 a causa de las heridas recibidas a través de una caída en un estación de tren de Bruselas. Ella iba a tocar un concierto con Arthur Grumiaux al dia siguiente-.

Alexandre Tharaud plays Scarlatti

Yo quería un Scarlatti rojo de la sangre, un español como Scarlatti. Así que he querido abrir con una sonata que tiene un ritmo típico español. Hay varios de estos en todo el programa. Se sabe que Scarlatti vivió la mayor parte de su vida en la corte de España. Estaba muy inspirado por la música tradicional española. Por el flamenco entre otros, el aspecto de Scarlatti rara vez se ha notado en el pasado. He intentado mostrar el resultado de varios aspectos de este compositor en este programa. Con las sonatas virtuosas que son por lo general se esperaba. Pero también con las sonatas más lento, más parecido a la ópera. Estoy pensando en la sonata K208. A lo que el piano moderno le da una nueva dimensión, una dimensión trágica, una dimensión dramática. Cuando escucho esta sonata, que evoca siempre para mí una cantante soprano, solo en el escenario.
Para mí, este disco Scarlatti tenía que ser. Este disco tiene una coherencia con los que yo había grabado en el pasado, de los compositores barrocos. Como Bach, Rameau, o últimamente el registro de Francois Couperin. Tiene muchos años que no quería absolutamente que se registre este compositor. Años que no practica sus obras, desde la infancia en realidad. Como pianista de muchos, él es un compositor que he estado familiarizado desde la primera infancia. He esperado hasta 2010 para esta grabación, y estoy muy feliz por eso.
La elección seguramente no fue fácil. Como Scarlatti escribió casi 600 sonatas. Pero yo diría que una especie de selección natural de opera, los dedos que nos lleva, en primer lugar, he leído todos ellos. Con gran placer, aunque la codicia. Desde una capa a otra que he reducido el número hasta 30 y finalmente, se registraron 18 de ellos. Era un sueño para mí para grabar en ese pasillo fabuloso en La Chaux de Fonds. Yo siempre había querido grabar allí. Cuando me uní a Virgin Classics. Inmediatamente me sugirió que la grabación de Scarlatti que hace allí, ese salón tiene una historia. Se escapa de todos los rincones, todas las paredes, fuera de la planta. Esa sala fue testigo de tantos conciertos por grandes pianistas del curso. Pero también muchas grabaciones en un momento en que Philips registró la mayor parte de sus registros de piano. Magalov Nikita, El trío Beaux Arts. Así que muchos músicos han grabado allí. Que me atrae, prefiero grabar en un lugar que tiene una historia. También pensé en un pianista llamada Clara Haskil, quien jugó mucho en esa sala. Que a menudo residen en la Chaux de Fonds, incluso una calle lleva su nombre. Esa ciudad la adoptó como había sido adoptado por Suiza. Creo que la Chaux de Fonds tiene una resonancia particular en su vida. Clara Haskil fue siempre en mi mente, para toda la semana que pasamos haciendo esta grabacion allí. Para mí ella es una de las más grandes intrepretes de Scarlatti. Al final de la grabación he decidido dedicarselo a ella.

Alexandre Tharaud

Beethoven's Tempest Sonata mvt. 3 -- Wilhelm Kempff

Para los analistas de música y artistas por igual, la tempestad sonata de Beethoven (1802), representa una de las piezas más difíciles de los primeros románticos del piano y repertorio clásico. Este libro es una colección de once ensayos, que se ocupan de esta sonata, desde una perspectiva de análisis diferentes e investigar las posibles conexiones entre el análisis de la música y la práctica de los resultados.
Wilhelm Kempff (25 de noviembre de 1895-23 de mayo de 1991) fue un pianista y compositor alemán.
Kempf nació en Jüterbog, Alemania, y estudió en Berlín y Potsdam. Aunque viajó por gran parte del continente europeo y del resto del mundo, no hizo su primeara aparición en Londres hasta 1951, y no tocó en Nueva York hasat el año 1964. Hizo su última presentación en París el año 1981 y murió en Positano, Italia a la edad de 95 años. Considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX, Kempff es conocido hoy en día por sus grabaciones de Shumann, Brahms, Schubert, ,Mozart, Bach, Liszt, Chopin y, particularmente, de Ludwig van Beethoven. Grabó durante un periodo de sesenta años. Kempff fue además el primero en grabar todas las sonatas de Franz Schubert, mucho antes de que éstas se volvieran populares. Además grabó dos ciclos completos de las sonatas de Beethoven, una en mono y la otra en estéreo.
Kempff también tocó música de cámara junto a Yehudi Menuhin y Pierre Fournier, entre otros. Las grabaciones más famosas son las sontas completas de Beethoven para violín y piano con Menuhin.
En 1957 Kempff comenzó a dar interpretaciones anuales de Beethoven en su villa de Positano. Seis años después de sus muerte, su amigo y antiguo alumno John O'Conor se encargó de las presentaciones.
Una actividad menos conocida de Kempff era componer. Compuso para casi todo género. Su segunda sinfonía fue tocada por primera vez en 1929 en la Gewandhaus de Leipzig por Wilhelm Furtwängler. También preparó un número de transcripciones de Bach, incluyendo el Siciliano de la sonata de flauta en Mi, que fue grabada por la pianista Idil Biret.

El Ballet Clásico de Moscú aterriza en Madrid con El Cascanueces y La Cenicienta

Si a Theodor Amadeus Hoffman le llegan a decir hace casi doscientos años que El Cascanueces y el Rey de los Ratones iba a ser mundialmente conocido a través del ballet, no se lo hubiese creído. Ahora es una de las representaciones junto con clásicos como La Bella Durmiente, La Traviata, Giselle o Coppelia, que son éxito asegurado para las grandes compañías de Ballet. Es el caso del Ballet Clásico de Moscú, que vuelve por Navidad para deleitar al público madrileño con El Cascanueces y La Cenicienta.

El Ballet tiene una historia relativamente reciente. Apareció en el Siglo XV con números de danza interpretados en los banquetes de las cortes italianas. Posteriormente el ballet cortesano italiano fue desarrollado en Francia, y en el siglo XVII con Luís XIV se crearía la Academia Real de la Danza, otorgándole por primera vez la importancia que merecía. Este fue el comienzo de su configuración como disciplina profesional, un arte restringido a las mujeres hasta 1681 con la obra El triunfo del amor. Después de su crecimiento imparable, llegó una época de poca producción, el siglo XIX. Sólo Rusia continuó con la tradición.

Fueron Tchaikovski y Marius Petipá los que, a finales del siglo XIX, transformaron el cuento de El Cascanueces en música y en danza respectivamente, haciendo de la literatura una proyección artística sin igual. Varias décadas despúes, allá por los 60 del siglo pasado, Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov se harían cargo de la compañía hasta la actualidad, procurando ser ante todo fieles respetuosos a las obras originales como la de Hoffmann.

Pero no todo ha sido un camino de rosas. Ambos directores artísticos destacaron la "Fuga de artistas" tras la Perestroika en los años 80, y la eliminación del presupuesto para la creación de un Centro Internacional del Ballet.

Ballet Clásico de Moscú.“Giselle”

El Ballet Clásico de Moscú ha creado su propio estilo que une la tradición clásica con elementos modernos. Tras obtener un reconocimiento internacional, ahora representa una de sus mejores obras en el Teatro de la Laboral "Giselle", bajo la dirección artística de Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov.El ballet clásico de Moscú en una de las más importantes compañías a nivel internancional y una magnífica escuela para los grandes solistas de ballet.

Paso de danza Chassé

Chassé es una palabra del idioma francés que significa cazado. En ballet es un salto con desplazamiento en el cual una pierna persigue a la otra, la caza. Este paso puede ejecutarse hacia adelante (chassé en avant), hacia atras (chassé en arrière), al lado (chassé en écarté) y girando (chassé en tournant). Los brazos y la cabeza deben moverse en armonía con la dirección en la que se haga el Chassé. Este paso también se utiliza para enlazar unos pasos de baile con otros. En el ballet casi toda la terminología está en francés. Actualmente no es exclusiva del ballet sino que también ha sido y está siendo utilizada por otras manifestaciones dancísticas como la Danza contemporánea.

Anna Pavlova en “La muerte del cisne”

Fokine creó en 1905, con su bailarina favorita, Anna Pavolova, "La muerte del cisne", como un ejercicio de impovisación de apenas tres minutos de duración y que sería una de las señas de identidad de la gran bailarina.. Anna Pavlova inauguraba una época en la que la expresión artística iba a ser más importante que los grandes alardes técnicos. "La muerte del cisne" es el primer paso de Fokine hacia un nuevo lenguaje de la danza. En 1907 coreografía "Chopiniana", donde utiliza música del compositor polaco no compuesta para la danza. Su coreografía significaba un nuevo concepto del espacio, donde el cuerpo de baile no era un mero adorno y arropamiento de las figuras solistas, sino que era, en palabras del propio Fokine, una obra "para veinticuatro solistas". Fokine distribuye el espacio en círculos y pequeños grupos, no en líneas rectas y diagonales como había hecho siempre Petipa. Con esta obra se inauguraba una nueva época en la historia de la danza, pues por primera vez el cuerpo de ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no contaba una historia, sino que creaba una atmósfera, creando así un nuevo género, el ballet atmosférico, decisivo para la danza moderna. Llevaba a Párís un año después, el publico parisino no supo valorarla, pero fue una noche fundamental para un cambio esencial en la historia de la danza. Sin embargo, el triunfo de los ballets rusos en París vendría a través de las "Danzas Polovtsianas" de "El pricipe Igor", algo que nunca había sido visto en los escenarios parisinos. Tras este éxito estaba un genio de la danza, que abriría una nueva época, Serge Diaghilev.

El ballet imperial ruso- Mariu Petisa

San Petersburgo será el escenario del ballet imperial ruso y su figura fundamental, Marius Petipa, que lo dotará de sus características esenciales. Los bailarines eran educados en la escuela Maryinski con el rigor de la disciplina militar y vestian uniforme semejante al de los militares; esta disciplina dio lugar a toda una generación de artistas por completo dedicados a la danza. El ballet es considerado como un arte y esto tendrá un efecto decisivo en el desarrollo futuro de la danza. Las circunstancias previas a la llegada de Mariu Petipa a la capital rusa son propicias par ahacer que en unas décadas San Petersburgo sea la capital y el centro de la creación coreográfica en Europa. A ello contribuye el que todas las bailarinas románticas viajaran a rusia y consideraran su capital un centro imprescindible en su giras; de entre la sobras llevadas a Rusia tempranamente tenemos el ballet romántico "Giselle", interpretado en 1842 por Yelena Andreyanova. Al mismo tiempo llegan a la capital profesores franceses, italianos y daneses que formarán a los futuros bailarines rusos , que asimilarán las tres escuelas. Particularmente intersante es la presencia de profesores daneses, pues ya sabemos que esta escuela no prescinde del bailarín y le dedica una gran atención, lo que hace que ocurra lo mismo en el ballet ruso. También tienen una gran importancia los coréografos franceses, como Jules Perrot y Arthur Saint-Léon, de quienes aprendería el joven Petipa el arte de la coreografía. Marius Petipa era de origen marsellés, de una familia de bailarines, pero pronto decidió marchar a Rusia para iniciar su carrera, la cual comenzó como bailarín. Con la llegada de Perrot, aprendería el arte de contar una historia mediante la coreografía y con Saint-León a construir divertimentos, pasajes sin acción dramática donde la coreografía y la técnica son el único fin. Pronto se convierte en coreógrafo, siendo su primera creación "La fille du pharaon", ballet en cinco actos situado en Egipto. Lo primero que llama la atención como innvación es la duración del ballet; hasta eses momento un ballet no superaba apenas la hora de duración y se ofrecía dentro de un programa de ópera, pero los ballets de Petipa tienen tres actos, más una apoteosis una introducción, lo que significa que ya era autónomo de la ópera y se desarrollaba como capaz de contar una historia completa. Petipa inaugura también el tipo de ballet llamado de "gran espectáculo", lo que lo desmarca de la línea intimista romántica. Petipa aspiraba a ser maestro de ballet, o sea, director de la compañía, pero esto no fue así de momento, pese al éxito obtenido por su primer ballet. Pasó a trabajar como coreógrafo en el Bolshoi, que presentaba diferencias con la escuela Maryinski; los bailarines de Moscú eran más acrobáticos y dramáticos, mientras que los de San Petersburgo dominaban la técnica, lo que el coreógrafo aprovechó perfectamente. Introdujo en sus ballets la danza española, que había conocido y aprendido en su estancia en España; su admiración por el folclores español no se agotó nunca y la mayor parte de sus ballets cuentan con alguna danza española, y en el caso de "paquita", su primer ballet para moscu con todo un divertimento que recrea en forma estilizada la danza folclórica española. En 1869, coreografía "Don Quijote", basado en el espisodio cervantino. La otra gran obra que nos ha llegado es "La bayadera", inspirada en el ballet romántico de Perrot. En ella encontramos la estética orientalista tan del gusto de la época que permitía una escenografía deslumbrante. La pieza que ha dado fama perdurable a este ballet es la llamada "El reino de las sombras" la verdadera joya de la coreografía de Petipa. Con este ballet Petipa configura el ballet de gran espectáculo que se apartaba del romanticismo parisino o danés. Siguió creando ballet de los que apenas se han conservado pequeños fragmentos, pero su gran hallazgo fue la colaboración musical de Tchaikovsky, para entonces ya un músico de prestigio. Su colaboración efectiva se inaugura con el ballet "La bella durmiente", que se considera la obra maestra de Petipa y que abre la llamada trilogía de Tchaikovsky, que se completará en 1893 con Cascanueces" y en 1895 con "El lago de los cisnes". Con Tchaikovsky queda sentado el principio de que la música para ballet no es un género musical menor, sino un género completo a la altura de cualquier otro. Petipa y el compositor trabajaban en un acuerdo absoluto y en estrecha colaboración. No todos los compositores hubieran aceptado una injerencia tan grande en su trabajo como hizo Tchaikovsky, que atendía todos los requerimientos coreográfico de Petipa con entusiasmo y entrega lo que hacía que el coreógrafo se enfrentara al reto de crear una coreografía tan buena al menos como la propia música. "El lago de los cisnes" fue estrenado en 1877 por el ballet Bolshoi, pero su versión definitiva y su gran éxito no llegaría hasta 1895, y Tchaikovsky no vivió, por desgracia, para asistir a este gran éxito. "El lago de los cisnes" sigue siendo un ballet muy popular entre el público y los artistas; desarrolla una coreografía magistral y cuentan una historia de gran dramatismo con una música que es una obra maestra. Después de este gran éxito, Petipa crea el ballet "Raymonda", de ambiente húngaro, en el que introduce danzas folclóricas de este país en una coreografía magistral , sin dejar de lado su ya tan personal danza española, la cual introduce gracias al argumento medieval del ballet.

Hay que destacar en el ballet ruso creado por petipa la presencia bailarines masculinos, con papeles importantes en las obras, que en París habían sido prácticamente desterrados de escena con la llegada de maestros daneses, sobre todo Johanssen, y de bailarines italianos, como CEcchetti, se forma una primera genéración de bailarines de gran técnica, como los hermanos Legat y Mikhail Fokine, maestros a su vez de grandes bailarines y bailarinas como Anna Pavlova y Vatzlav Nijinsky.

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Bolshoi Ballet - La Sylphide

La historia del Ballet Bolshoi comienza en 1773, con las clases de danza que se impartían en un orfanato de Moscú. En 1776 comienza sus actuaciones. Esta compañía es la más importante de Russia. Alexander Gorsky fue uno de sus principales directores y se mantuvo en su puesto durante casi 50 años. Una de las compañías de Ballet más antigua de Rusia y sin dudas la más conocida internacionalmente, es el Ballet Bolshoi. Sus orígenes se remontan a 1773, en las clases de danza que se dictaban en un orfanato de Moscú. La compañía comenzó sus actuaciones en 1776. En 1825 se traladan al Teatro Bolshoi, mientras Adam Guszkovsky estaba en la dirección.
Entre 1861 y 1864, el coreógrafo italiano Carlo Blasis colaboró con I compañia en 1869 se representó "Don Quijote", con coreografía de Marius Petisa y en 1877 "El lago de los cisnes" del austriaco Julius Reisinger. Durante el siglo XIX, la compañía de San Petersburgo gozaba de mayor fama que la de Moscú.
Alexander Gorsky asumió la dirección en 1878, fue el responsable de desarrollar el estilo de este ballet. Conjuntamente con los bailarines Ekaterina Geltser y Vasili tikhomirov, dirigó la compañía durante la Revolución, y a lo largo de la década de 1920-1930. Otras figuras rutilantes de la época las bailarinas Marina Semenova y Olga lepeshinskaya.

El Ballet Bolshoi en el siglo XX:

En 1930, Igor Moiseyev experimentó con los ballets de danza folklórica. Pasada la segunda Guerra Mundial, el Bolshoi representó por primera vez a "Cenicienta" de Serguei Prokofiev, con la coreografía de Rostislav Zakharov, en 1945. Fueron transferidos para el evento, los bailarines Galina Ulánova y Leonid Lavrovsky, desde el Ballet del Teatro Kírov, con lo cual, el Bolshoi se convirtió en la compañía más importante de Unión Soviética.
En la década de 1950, los principales bailarines en :Maia Plisiétskaia, Raissa Struchkova, Nina Timofeyeva, Nicolai Fadeyechev y Andris Liepa.
En 1956, la compañía debutó en Londres y su fama se extendió rápidamente por todo el mundo. En 1964 es nombrado director Yuri Grigoróvitch. Bajo su dirección se produjeron ballets de larga duración, donde se destaca "Spartacus"(1968), con movimientos espectaculares, pas de deux complicados. Este ballet, junto con revisiones de los clásicos, conforman el repertorio de La compañía. A partir del año 2000, el Teatro pasó a dependencias del Ministerio de Cultura de Rusia, y Vladimir Vasiliev fue sustituido por el director de orquesta Guennadi Rozhdéstvenski, como director general artístico.

Sylphide

La Sylphide es uno de los más antiguas del mundo romántico ballet . Había dos versiones del ballet, la versión coreografiada por el danés balletmaster August Bournonville (1805-1879) es la única versión conocida que ha sobrevivido. El 12 de marzo de 1832, la primera versión de La Sylphide se estrenó en el Le Peletier Salle de la Ópera de París con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean-Madeleine Schneitzhoeffer . Taglioni diseñó el trabajo como un escaparate para su hija Marie . El libreto de ballet fue escrito por el tenor Adolfo Nourrit , el primero Robert Meyerbeer 's Robert Le Diable , una ópera que se presentó la bailarina Marie Taglioni en su sección de danza El ballet de las monjas. Nourrit de escenario se basó libremente en un cuento de Charles Nodier , Trilby, Le lutin ou d'Argail , pero cambió el género de los protagonistas - un duende y un pescador s esposa de Nodier, un sprite y un agricultor en el ballet.
En 1836, La Sylphide fue coreografiada por el nuevo balletmaster danés August Bournonville, con música de Herman Severin Løvenskiold . Bournonville tenía la intención de presentar una reactivación de la versión original de Taglioni en Copenhague con el Ballet Real Danés , pero la Ópera de París exigió un precio demasiado alto para la puntuación de Schnietzhoeffer. Al final, Bournonville montó su propia producción basado en el libreto original. La versión Bournonville se ha bailado en su forma original por el Ballet Real Danés, desde su creación y sigue siendo una de las obras más célebres de Bournonville. intérpretes modernos de la versión Bournonville incluyen Eva Evdokimova y Lis Jeppesen , cuya actuación se graba en DVD.
En 1892, Marius Petipa montó una reactivación de la original de La Sylphide de Taglioni para el Ballet Imperial , con música adicional de Riccardo Drigo . Una variación Drigo compuesto para la bailarina Bárbara Nikitina en la versión de Petipa es hoy el solitario tradicional bailado por la bailarina principal de la famosa Paquita Grand Pas Classique, interpolados por Anna Pavlova en 1904. En 1972, un renacimiento de la versión de Taglioni fue organizada por Pierre Lacotte para el Ballet de la Ópera de París .Desde coreografía Taglioni se ha perdido irremediablemente, la coreografía Lacotte se basa en las impresiones, notas, dibujos y materiales de archivo de la época del estreno del ballet. Coreografía Lacotte es en el estilo de la época, pero completamente nueva y ha sido criticado por algunos como auténticos. Los intérpretes del papel de la versión Lacotte en la Ópera Nacional de París incluyen Ghislaine Thesmar (la esposa de Lacotte) y Aurelie Dupont . Ambos artistas han grabado sus trabajos en DVD y vídeo.
La Sylphide se confunde a menudo con Les Sylphides , otro ballet participación de la mítica sílfide , o el duende del bosque. Este último fue coreografiada por Michel Fokine para el Ballet Rusos como los resultados a corto. Aunque inspirado en La Sylphide, que estaba destinado a ser realizado como un ballet independiente con sus propios méritos.
John Barnett 's 1834 la ópera La Sílfide Montaña se basa en la historia de La Sylphide, ópera parcela esta a su vez fue satirizado por WS Gilbert en el 1882 Opera Saboya , Iolanthe

Acto 1

En el salón de una casa de campo escocés, James Rubén, un joven escocés , duerme en una silla junto a la chimenea. A sylph . Una sílfide , o hadas del bosque, mira con amor a él y danzas de su silla. . Ella lo besa y luego se desvanece cuando de repente se despierta. . James despierta su Gurn amigo de su sueño, y le pregunta acerca de la sílfide. Gurn niega haber visto una criatura y le recuerda a James que es poco tiempo para casarse. James desestima el incidente y las promesas a olvidar.
James novia-a-ser, Effie, llega con su madre y damas de honor . James James obedientemente sus besos, pero es sorprendido por una sombra en la esquina. Pensando que su sílfide ha regresado, se lanza otra vez, sólo para encontrar la bruja , el viejo Madge, de rodillas en la chimenea para calentarse. James está furioso con la decepción.
Effie y sus amigos ruego Antiguo Madge para contar su fortuna, y se ajusta a la bruja. Ella informa alegremente Effie que James ama a otra persona y ella se unirán con Gurn. Obliga a Madge del hogar y la echa de la casa. Effie se alegra de que James se enredo con una bruja por ella. Effie y sus damas de honor arriba prisa para preparar la boda, y James se queda solo en la habitación. Mientras mira por la ventana, la sílfide se materializa delante de él y le confiesa su amor. James se resiste al principio, pero, cautivado por su belleza etérea, capitula y la besa con ternura.Gurn, que espía el momento de las sombras, corretea a decirle a Effie lo que ha sucedido. Cuando los afligidos Effie y sus amigos entrar después de escuchar el informe Gurn, la sílfide desaparece.Los invitados asumen Gurn es simplemente celoso y se ríen de él. Everyone dances. Todo el mundo baila. La sílfide entra en medio del jolgorio y trata de distraer a James.
Como las formas de cortejo nupcial, James se aparta y mira en el anillo que es colocar en el dedo de Effie.La Sílfide arrebata el anillo, lo coloca en su propio dedo, y, sonriendo seductoramente, corre hacia el bosque. James se apresura en la búsqueda después de su ardiente. Los invitados están desconcertados con la salida repentina de James. Ella cae en los brazos de su madre llorando desconsoladamente.

Acto 2

En una niebla envuelta parte del bosque, Madonna y su compañero de brujas danza grotesca de un caldero. Los juerguistas añadir todo tipo de ingredientes sucios a la cerveza.Cuando el resplandor contenidos, Madonna llega en el caldero y saca un pañuelo diáfana, la magia de sus profundidades. El caldero se hunde, la dispersión de las brujas, se levanta la niebla, y un claro manifiesto es encantadora.. James entra con la sílfide que le muestra su reino con encanto, en el bosque. Ella lo lleva bayas y el agua para refrescarse, pero evita su abrazo. Para animarlo, que convoca a sus hermanas etérea que tímidamente entrar y realizar sus bailes aireado. El joven escocés está encantado y se une al divertimento ante todo huir para salvar otra parte del bosque.

Mientras tanto, los invitados han estado buscando en el bosque de James. Entran en el claro. Gurn encuentra el sombrero, pero Madonna lo convence de no decir nada. Effie entra, cansados ​​de vagar por el bosque. Él hace y Effie acepta su propuesta.
Cuando todos se han ido, James entra en el claro. Madonna se encuentra con él y le tira el pañuelo mágico Ella le dice al joven agricultor de la bufanda se unirá la sílfide a él para que no pueda volar. Ella le da instrucciones para cerrar el pañuelo sobre los hombros de la sílfide y los brazos para el efecto completo. James es estática. Cuando el sílfide y ve el pañuelo, que permite a James para colocarlo alrededor de su figura temblorosa.
Como James abarca la sílfide apasionadamente, sus alas se caen, se estremece, y muere en los brazos de James.Tristemente, sus hermanas entrar y levantar el cuerpo sin vida.De repente, una procesión de boda alegre dirigido por Effie y Gurn cruza el claro del bosque. James se sorprendió.Madonna dirige su mirada hacia el cielo, que ve la sílfide llevada por sus hermanas. James se derrumba. Madge se regocija en su cuerpo sin vida. El mal ha triunfado.

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El concierto de la Orquesta Filarmónica de Viena en Madrid llegará a toda Europa a través de Televisión Española

-La cadena pública produce para la UER la actuación desde el auditorio Nacional, con un gran despliegue técnico. -La prestigiosa orquesta rendirá homenaje a Gustav Mahler en el centenario de su muerte, con la Sinfonia número 9 -TVE emitirá en junio la actuación denro del espacio los conciertos de la 2. Llega una nueva cita imprescindible con la música clásica. La Filarmónica de Viena actúa el martes 24 de mayo en el Auditorio Nacional de música de Madrid, bajo la dirección de Daniele Gatti. TVE y las televisiones y radios europeas asociadas a la UER ofrecerán este concierto, que será producido por la cadena pública española, y en el que se rendirá homenaje al gran compositor Gustav mahler. Madrid acoge este martes el esperado concierto de la Orquesta Filármonica de Viena, una cita que llegará a toda Europa a través de TVE, que produce este evento con un gran despliegue de medios técnicos: una unidad móvil en alta definición, 11 cámaras para grabar todos los detalles y sonido en Alta Calidad. Con todo ello se producirá una señal que llegará después a todos los miembros de UER (Unión Europea de Radio Televisión). La UER facilita a sus televisiones miembros una serie de conciertos de esta filarmónica cada año. Incluyendo el popular Concierto de Año Nuevo.La Orquesta Filarmónica de Viena conmemora con esta actuación el centenario de la muerte del compositor Gustav Mahler, que fue además director titular de esta filarmónica. Interpretarán la última sinfonía escrita por el compositor, su Sinfonía número 9. El programa contará con una presentación a cargo del presidente de la Orquesta Filarmónica de Viena, Profesor Clemens Hellsberg, y estará dirigido por Daniel Gatti, que colabora habitualmente con esta orquesta y que es uno de los directores más prestigiosos por sus trabajos al frente de orquestas americanas y europeas. También Gatti destaca por su puesta en marcha de varias producciones operísticas. La 2 ofrecerá el concierto, dirigido y realizado por Arturo Morales, el sásbado 18 de junio dentro del espacio matinal "Los concierto de la 2".