Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule)

La Escuela de Viena (Wiener Schule) o Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule), tal y como se la denomina en la literatura alemana, también conocida como Segunda Escuela de Viena , fue un grupo de compositores de la primera mitad del siglo XX liderados por Arnold Schönberg y sus alumnos en Viena. Fueron los primeros que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental. Los principales miembros de la Escuela, además de Schoenberg, fueron Alban Berg y Anton Webern (la Trinidad Vienesa). Esta escuela de composición se considera vinculada a la estética expresionista. Las primeras composiciones de Schoenberg (quien fue básicamente autodidacta) y las de sus alumnos estuvieron influenciadas por el romanticismo en boga (Schumann, Wagner, Brahms, Mahler), música con un fuerte cromatismo. Schoenberg comenzó a experimentar con el abandono de las reglas de la tonalidad al tiempo en que entró en contacto con sus alumnos. Para 1908, todos componían obras en atonalidad libre, en un estilo expresionista. En el manifiesto de Der Blaue Reiter (1912) - movimiento artístico alemán relacionado al expresionismo y el arte abstracto liderado por Kandinsky - se publicaron lieder de la "trinidad": Herzgewächse Op. 20 de Schoenberg (texto de Maurice Maeterlinck), Warm die Lüfte Op. 2 Nº5 (texto de Alfred Mombert) de Berg y Ihr tratet zu dem Herde Op. 4 Nº 5 (texto de Stefan George) de Webern. Cuando Schoenberg descubrió en 1923 la técnica dodecafónica y la comenzó a usar en su música, la anunció a sus discípulos quienes comenzaron a usarla, cada uno dentro de su propio estilo. Si bien Schoenberg era un maestro bastante tradicional y conservador, sus alumnos supieron imprimir a sus músicas su propia personalidad e incluso tomar licencias de las reglas que había creado el maestro. Desde 1910 hasta el ascenso del nazismo, la Segunda Escuela Vienesa fue uno de los representantes de las vanguardias artísticas europeas, marcadamente opuesta al neoclasicismo cuyos líderes principales fueron Ígor Stravinski (quien en la última etapa de su vida escribió obras dodecafónicas) y Les Six de Francia. Con el ascenso del nazismo, Schoenberg, que era judío, se vio obligado a exiliarse y abandonó Alemania; sus discípulos se quedaron en Austria, pero pasaron penurias económicas por la censura que les impuso el gobierno por considerar a su música arte degenerado; el grupo quedó truncado. Pronto, en 1935, el más joven y probablemente el más famoso de ellos, Alban Berg, murió de una septicemia. A finales de la Segunda Guerra Mundial, Anton Webern murió por un disparo de un soldado norteamericano borracho cuando intentaba huir a pie de Viena, y Schoenberg, el maestro y el mayor de edad, irónicamente fue quien les sobrevivió, exiliado en los Estados Unidos de América. El principal aporte de la Segunda Escuela Vienesa en la música clásica es su audaz incursión en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, que tuvieron una poderosa influencia durante todo el siglo XX, y que dio lugar después al serialismo, inspirado sobre todo por Webern.

Concierto de Año Nuevo desde el Musikverain de Viena

Gracias a la Unión Europea de Radiotelevisión, Radio Clásica de Radio Nacional de España, La 1 de Televisión Española y Rtve.es conectarán en directo con el Musikverein de Viena para transmitir el tradicional Concierto de Año Nuevo. Este domingo, día 1 de enero, a partir de las 11.15 horas, Mariss Jansons llevará la batuta al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena para dar la bienvenida al 2012 a ritmo de vals con una selección de títulos imprescindibles firmados por Johann y Josef Strauss; un programa que además incluye obras de Tchaikovsky, Lumbye o Ziehrer. De la mano de José Luis Pérez de Arteaga, los oyentes de Radio Nacional de España y los espectadores de Televisión Española, disfrutarán de esta cita ineludible del calendario musical.

Mariss Jansons, maestro de ceremonias:

El maestro de ceremonias es Mariss Jansons, una de las batutas más sobresalientes de las últimas décadas. Su madre que era de origen judío, lo alumbró a escondidas en el gueto de Riga (Letonia, 1943), tras el asesinato de varios familiares debido a la persecución nazi. Hijo del también director de orquesta Arvid Jansons, Mariss comenzó a estudiar en el Conservatorio del antiguo Leningrado y se perfeccionó en Salzburgo bajo la tutela de Herbert Von Karajan. Ha ejercido como capitán de orquestas tan prestigiosas como las de San Petersburgo, Oslo y Londres. Debido a un ataque cardíaco no pudo concluir la dirección musical de una representación de La Bohème de Puccini en 1996. Recuperado de aquella dolencia, Jansons es el director de la Royal Concertgebouw de Ámsterdam desde 2004, cargo que compagina también con la titularidad de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Mariss Jansons ya tuvo el honor de ser elegido por la Orquesta Filarmónica de Viena para dirigir la sesión del Concierto de Año Nuevo en 2006, una experiencia que repite este domingo por la mañana en el Musikverein de la capital austríaca.

Valses y polkas en un programa festivo:

Desde el Salón Dorado del Musikverein de Viena disfrutaremos con un cuidado repertorio que incluye obras de Johann y Josef Strauss, Carl Michael Zieher, Joseph Hellmesberger (hijo), Hans Christian Lumbye y Piotr I. Chaikovski. El programa oficial anuncia títulos como el celebérrimo ‘Delirios’ de Josef Strauss, y los efectistas ‘Bajo truenos y rayos’ y ‘Tic-Tac’ de Johann Strauss. El maestro Mariss Jansons se sube por segunda vez en el podio de la Orquesta Filarmónica de Viena para clausurar la mañana como no podía ser de otro modo, con el ‘El Danubio Azul’ de Johann Strauss (hijo), seguido de la popular ‘Marcha Radetzky’.
Como es ya habitual en la gala, la Orquesta Filarmónica de Viena lanza un guiño a la actualidad. En esta edición, se interpretarán dos piezas que se refieren al gran acontecimiento deportivo de 2012: los Juegos Olímpicos de Londres. ‘La Polca de Albión’ fue dedicada por Johann Strauss al esposo de la Reina Victoria de Inglaterra, el Príncipe Albert von Sachsen-Coburg-Gotha. Y con la ‘Polca Jockey’, Joseph Strauss describe musicalmente su deporte ecuestre preferido.
Y quienes sigan el Concierto de Año Nuevo a través de La 1 (TVE ) y de RTVE.ES podrán contemplar la actuación del Ballet de la Ciudad de Viena desde el Palacio Belvedere con una espectacular coreografía.

Gracias a la UER se emite a más de 70 países:

El primer Concierto de Año Nuevo tuvo lugar el 1941 bajo la dirección de Clemens Krauss (1893-1954) quien ya había celebrado un concierto similar en el día de San Silvestre de 1939. El maestro Krauss fue relevado en la batuta por el violinista Willy Boskovsky (1909-1991), responsable desde 1954 hasta 1979. Pero fue Lorin Maazel quien durante la década de 1980, elevó esta tradición al rango de fenómeno mediático de repercusión internacional. Desde 1987, la Orquesta Filarmónica de Viena invita a un director distinto en cada edición para contar así con el apoyo de figuras de prestigio profesional y renombre comercial.
En 1959 la televisión pública de Austria transmitió por primera vez el Concierto de Año Nuevo, que a través de la Unión Europea de Radiotelevisión llega a los hogares de más de 70 países abarcando una audiencia de millones de personas. Televisión Española se sumó al encuentro musical en 1964, emitiendo la segunda parte del concierto. Desde el año 2000 se transmite en directo el programa completo, tanto en Radio Nacional de España como en Televisión Española. Y desde hace un par de temporadas, podemos disfrutar de esta gran fiesta de la música también en HD. Este domingo, 1 de enero, pueden seguir en directo el Concierto de Año Nuevo con la Orquesta Filarmónica de Viena en La 1 de TVE, en TVE HD, en la web de RTVE.ES y en Radio Clásica, Radio Nacional de España.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

Schubertiadas, el silencio de Göethe y "La serenata" de Schubert

Schubert, al piano, acompaña al cantante Vogl en una velada en casa de amigos. (Oleo inacabado de Moritz von Schwindt, amigo de Schubert, 1868)

En sus escasos 31 años, Franz Schubert compuso alrededor de 1.500 piezas. Un buen número de ellas son lieder, cerca de 800, para una voz o para varias voces, acompañadas de piano u otros instrumentos. La palabra lied (lieder es el plural en alemán) no tiene traducción al español, pero puede asemejarse a "canción", pues de eso se trata más o menos. La diferencia con nuestras "canciones", descontada la altura artística y musical, estriba en que los versos proceden de grandes poetas (Göethe, Heine, Schiller) o de los amigos de Franz que por aquella época lucían cierto renombre como tales. De duración inferior a cuatro o cinco minutos, podían cantarse uno tras otro en reuniones sociales alrededor de buen vino, música y literatura, en casa de Schubert o de sus amigos, veladas que posteriormente recibieron el nombre de "schubertiadas". En 1814, a los 17 años, el joven Franz había comenzado a desempeñarse como asistente en la escuela que mantenía su padre, recibiendo por ello un sueldo miserable. Encargado de la clase de párvulos, con seguridad no fue un gran maestro porque su alma y su espíritu estaban ya definitivamente con la poesía y la música. La segunda mitad de 1814 y todo el año 1815 son por ello fértiles en la producción de obras. Conoce al poeta Mayrhofer, a quien ya había "musicalizado" y escribe una de las creaciones más geniales del período con texto de Göethe, a quien Franz admiraba profundamente. Uno de sus amigos decide que es hora de contactarse con Göethe para hacerle saber de este muchacho que apoyado en sus versos compone música maravillosa. Y envía al poeta alemán una serie de lieder inspirados en sus textos, solicitando su aprobación para que le sean dedicados. (Suponemos que por esos años el derecho de autor estaría en pañales. Hoy, hasta el más antisistema de los poetas armaría un berrinche de padre y señor mío.)
"El que suscribe se permite robar con estas líneas algunos instantes de su tiempo tan precioso... las poesías... han sido puestas en música por un compositor de 19 años... (y desea que) le sea permitido consagrar humildemente esta colección a Vuestra Excelencia... el joven artista se sentiría dichoso de merecer la aprobación... le ruego tenga la extrema cortesía de favorecerme con su respuesta". Göethe no contestó. Diez años después, en 1825, será el propio compositor quien envíe a Göethe sus poemas trasladados al pentagrama. El vate se hará el sordo nuevamente. Al pequeño Franz le quedan solo tres años de vida.
La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Schubert - Ständchen: "Leise flehen meine Lieder" (Transkription von Liszt)

La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

El compositor Robert Schumann junto a su esposa, Clara Wieck, que fue una virtuosa del piano

(Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del Romanticismo musical alemán. Hijo de un librero, la literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta el punto que Shumann estuvo dudando entre ambas vocaciones. Aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la más pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift Für Musik (1834), publicáción que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales más progresistas de su época, a través de una serie de artículos apasionados y polémicos redactados por él mismo. Alumno de piano de Friedrich Wieck, en casa de éste encontró a la que, y a pesar de la inicial oposición paterna, desde 1840 sería su esposa: Clara Wieck (1819-1896), una excelente pianista que se convertiría en la principal intérprete de su música para teclado, además de ser también ella una apreciable compositora. El deseo de Schumann de llegar a ser un virtuoso del piano se truncó a causa de una lesión en la mano derecha, de la que no consiguió recuperarse. A raíz de su matrimonio, el compositor aleman, que hasta ese momento había centrado su producción en la música para piano y el lied, empezó a concebir proyectos más ambiciosos, tanto sinfónicos ocmo camerísticos y operísticos, estimulado por su esposa. La primera de sus cuatro sinfonías data de 1841, mientras que su célebre Concierto para piano en la menor es solo cuatro años posterior. Los últimos años de vida de Schumann estuvieron marcados por el agravamiento de la inestabilidad nerviosa que lo había acompañado desde su juventud, tras un intento de suicidio en 1854, fue internado en una casa de salud en Endenich, donde permaneció recluido hasta su muerte.

FÉLIX MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)Concierto para violín y orquesta en mi menor Op. 64

-Allegro molto appassionato -Andante -Allegretoo non troppo - Allegro molto vivace. El 30 de julio de 1838, Félix Mendelssohn escribió una carta a su amigo Ferdinand David, uno de los más distinguidos violinistas de la época. En ella le decía lo siguiente: "Quiero escribir un concierto para violín par ati el próximo invierno; uno en mi menor estça dando vueltas en mi cabeza, cuya introducción no me deja en paz un momento" con esas palabras Mendelssohn inició la composición última gran obra maestra, que además se ha convertido en uno de los Conciertos más populares en toda la historia musical. Existe una buena cantidad de bosquejos del autor sobre una pieza como la que tenía en mente, peor que datan de muchos años antes de que cobraran su forma definitiva; además impresionante correspondencia que exisitió entre Mendelssohn y David durante seis años al respecto de este concierto, nos da una idea de cúanto deseaba el compositor cuidar hasta el último detalle. Con esa relación, encontramos en Mendelssohn al constructor y arquitecto sonoro mientras que David como su asesor en aspectos técnicos. Y muy cierto es que ran almas muy cercanas; se Concierto siendo apenas adolescentes, y sus carreras se unieron en varias ocasiones: cuando Mendelssohn fue nombrado director de la Orquesta Gewandhaus de Leipzig le pidió a David fuera su concertino, y al funda el conservatorio de esa misam ciudad hacia 1843 nuevamente solicitó a David que tomara bajo su érgida la cátedra de violín. Lo cierto es que dentro de esa intensa relación artística Mendelssohn no había econtrado el tiempo suficiente para componer aquel Concierto que tanto le había prometido a su colega. Fue hasta el 16 de septiembre de 1844 que el compositor terminó la partitura, y hasta el 17 de diciembre le pidió a David que revisara el manuscrito. Finalmente, el Concierto vio la luz el 13 de marzo de 1845, con David en la parte solista y la Orquesta Gewandhaus dirigida por el compositor y director danés Niels Gade. El Concierto para violín de Mendelssohn ha sido admirado desde su estreno como un verdadero ramillete de innovaciones y múltiples virtudes. Al respecto, Donald Francis Tovey escribió: "Envidio en gran medida el regocijo de cualquier persona al escuchar el Concierto de Mendelssohn por primera vez en su vida y encontrar, como en Hamlet, que está llena de citas." Seguramente uno de los momentos que parece como una cita musical para toda la posteridad es la maravillosa melodía con la que inicia el violín tan sólo dos compases de ligera introducción orquestal, lo cual, además, resultaba novedoso en aquellos tiempos (sólo encontrando paralelo con el inicio del Concierto Emperador de Beethoven o el Concierto Jeunehomme de Mozart). La interesante propuesta de Mendelssohn con ello es que solista y orquesta exploren juntos la exposición, dejando a un lado la doble exposición al estilo clásico. Por otro lado, también hace una innovación al ubicar la cadenza no al final del primer movimiento sino entre la sección del desarrollo y la recapitulación. Por si fuera poco, y como también ocurrió en su Sinfonía escocesa, Mendelssohn concibió su concierto para violín en tres movimientos, aunque estos sean escuchados como uno solo en fluir continuo; el puente entre los movimientos primero y segundo lo constituye una nota en el fagot, como evocando el sonido de un órgano, y que nos lleva directamente a uno de los movimientos más ricos del repertorio de este autor. Por su parte, el movimientos central y el final son encadenados por catorce compases en el violín ,protagonizando una suerte de recitativo operístico, lo cual desemboca en una sección plena de virtuosismo y frescura. Joseph Joachim, quien fue uno de los grandes violinistas del siglo XIX, y responsable del estreno de algunos de los más importantes Conciertos par asu instrumento en su tiempo, llegó a declarar: "Los alemanes cuentan con cuatro Conciertos para violín. El más grande de todos, sin reservas, es el de Beethoven. El de Brahms, por su seriedad, compite con el anterior. Max Bruch escribió el Concierto más rico y pleno de magia. Pero el más íntimo, la joya del corazón, es aquel de Mendelssohn."

Joshua Bell - The Four Seasons "Summer" III. Presto

Noa Wildschut en Janine Jansen in De Klassieken

Las cuerdas olvidadas de violines recuerdan los horrores del Holocausto

Amnon Wwinstein ha restaurado algunos instrumentos que tocaron judíos en los campos de concentración; les llama violines de la esperanza.

Escondido en un sótano en el centro de Tel Aviv, en medio del olor de aserrín y barniz está un taller de instrumentos musicales cuyo propietario y su hijo han pasado los últimos 15 años encontrando violines, que fueron tocado por víctimas judías del Holocausto, para devolverles la vida. "Los alemanes confiscaron a los judíos cada violín, viola y violonchelo que pudieron, y estamos hablando de miles , a los que se llevó el viento", dijo Amnon Weinstein, mientras labora entre decenas de violines y arcos que cuelgan de las paredes y techos de su especial lugar de trabajo.

Weinstein es un luthier, un artesano de instrumentos de cuerda, un recuerdo de una era pasada, cuyo bigote y anteojos hacen poco para esconder su pinta de excéntrico. Dice que casi todo los sobrevientes que tocaron en los campos de concentración debían sus vidas a sus instrumentos.

"Los alemanes los necesitaban para engañar a los judíos. En los campos, si alguien estaba tocando un violín, nadie pensaría que al lado había una camara de gas. Ese era el plan de esta horrible gente", dijo Weinstein, que perdió casi a 200 miembros de su familia durante el Holocausto.

El propio camino de Weinstein comenzó después de contratar a un aprendiz alemán que lo convenció de dar una conferencia a la Asociación Alemana de Luthiers en Dresden, con el tema de cómo los instrumentos alemanes y austriacos llegaron hasta israel.

En 1936, Bronislav Huberman, un prodigio del violín, que nació en Polonia en 1882, y Arturo Toscanini, un director italiano, decidieron formar una orquesta filarmónica en Palestina, explicó Weinstein. "Por supuesto, ellos nunca podrían haber compendido lo que los nazis había planeado para el pueblo judío durante el Holocausto, pero ellos sabían que la situación se estaba deteriorando", dijo. Durante los primeros ensayos en 1936, la mayoría de los músicos que venían a Palestina desde Europa aún apreciaba a los fabricantes de violines y arcos alemanes, dijo Weinstein. Cuando el padre de Amnon, Moshe, también un luthier, emigró en 1938 de Vilna en Polonia, comenzó a dar servicio a los instrumentos de la orquesta de Huberman y Toscanini.

Pero cuando las noticias de la campaña contra los judíos de Europa llegaron a Palestina, estos músicos se negaron a seguir tocando instrumentos alemanes, dijo Weinstein.

"La gente que tocaba instrumentos alemanes o los rompió a los quemó, y algunos fueron con mi padre diciéndole que los tirarían a la basura si él no los compraba", recordó. Tras la conferencia inicial de Weinstein, pidió en la radio que las personas se presentaban con más historias sobre los "violines del Holocausto". Sólo entonces, comenzó a recibir instrumentos que fueron tocados en campos de concentración e inició la verdadera búsqueda por los sobrevivientes. En almacenes, mercados de antigüedades y tiendas de violines, encontró violines que pertenecieron a artesanos judíos en Polonia y familias Klezmer en Europa central, desde los guetos de Varsovia, y campos de concentración como Auschwitz.

Cada violín, algunos de los cuales llevan la estrella de David, cuenta una historia extraordinaria y el luthier asegura que puede identificar la historia del instrumento por las marcas y cicatrices que hay en él. "Hoy en día soy como un policía. Puedo identificar cuáles sufrieron y cuáles no. Los que estuvieron en el Holocausto llegaron en condiciones horribles, así que el taller tomó la decisión de hacer un instrumento de concierto de cada uno de ellos", dijo Weinstein, quien ahora salvaguarda más de 26 de estos instrumentos. En su propia estimación, él ha realizado una labor voluntaria por el equivalente a casi 200,000 dólares en trabajo para su proyecto, pero mientras más tiempo pasa, se vuelve más difícil encontrar esos instrumentos. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en 1945, muy pocos sobrevivientes llegaron a Palestina. No podían imaginar o soportar estar en una nueva guerra y por eso, un gran porcentaje, emigró a Estado Unidos, de acuerdo con Weinstein.

"Entre 80 y 85%, de los sobrevientes fueron a EU, nadie quería venir a Israel, era de nuevo un lugar en guerra. 89% de ellos , pusieron sus violines en el ático y se olvidaron de ellos ", dijo. Los violines, como los recuerdos, se desvanecieron en las décadas posteriores a la guerra. Al pasar los años, las generaciones siguientes sabían poco sobre los instrumentos olvidados. Muchos de ellos fueron desechados, pero algunos llegaron a las manos de anticuarios y fabricantes de violines, donde Weinstein los localizó.
"Es un periodo muy complicado que es imposible de entender, imposible de explicar, pero el sonido del violín nos lleva de nuevo a ese tiempo. Hoy en día es difícil convencer a la gente que algo como esto sucedió. Esa es nuestra misión, que todo el mundo entienda un poco la fricción. El violín es una fricción, pero puedes escuchar un sonido y hace la vida un poco más comprensible". dijo.

Los "Violines de Esperanza" han sido tocados en orquestas en todo el mundo, incluyendo Turquia, Suiza, Israel y Estados Unidos. Weinstein dijo que su búsqueda continurará para que su música y recuerdos puedan seguir siendo compartidas.