Chopin Mazurka Op 63 n°3

The Fryderyk Chopin Museum - Warszawa - Poland

Un ballet para Valentino

El genial diseñador creará el vestuario para tres piezas del New York City Ballet


Parece que el ballet es el nuevo refugio de los diseñadores, el lugar donde tomarse un respiro de la vorágine de las pasarelas para crear delicadísimas piezas destinadas a volar sobre el cuerpo de baile. Si hace pocos días hablábamos del vestuario que las hermanas Mulleavy –diseñadoras de la firma Rodarte– habían creado para una pieza de Benjamin Millepied, hoy nos llega la noticia de que Valentino Garavani, cuya firma cumple este año medio siglo, hará lo propio para el New York City Ballet.
Pero no para cualquiera de las obras que representa la compañía, sino para una especial y única que sólo se representará el próximo 20 de septiembre, con motivo de la gala de Otoño, que precisamente rendirá homenaje al genial creador italiano por su aniversario. Valentino creará trajes para tres piezas distintas: Eugene Onegin, de Tschaikovsky, y dos pieces d´ocassion creadas en 1998 para el American Music Festival, Sophisticated Lady, que está montada con música de Duke Ellington, y Not My Girl, con música de Fred Astaire. Además, también como tributo a la segunda firma del diseñador, Valentino Red, NYCB representará Rubies, de George Balanchine, que está montada sobre la pieza Capriccio for Piano and Orchestra de Igor Stravinsky, con escenografía de Peter Harvey, vestuario de Karinska e iluminación de Mark Stanley.Los anfitriones de la gala serán Maria Bartiromo, Pamela J. Joyner y Sarah Jessica Parker, miembros todos ellos del comité del NYCB, y Giancarlo Giammetti, socio de Valentino desde hace varias décadas.No es la primera vez que Valentino se involucra en el diseño de un vestuario de ballet, ya que en 2009 ya creó varias piezas para el Ballet de Viena

El Concierto de Año Nuevo rendirá tributo a Wagner y Verdi

El austriaco Franz Welser-Möst explica las claves del concierto que dirigirá por segunda vez

El bicentenario de los dos grandes compositores se cuela en el programa

Como no es algo habitual cumplir 200 años, y menos si se trata de dos de los grandes pilares de la historia de la ópera, el próximo Concierto de Año Nuevo saldrá de su habitual encasillamiento y rendirá tributo a Richard Wagner y Giuseppe Verdi. El austriaco Franz Welser-Möst (director de la Cleveland Orchestra y de la Viena Staatsoper), que dirigirá a la Filarmónica de Viena en tan señalada fecha por segunda vez en tres años, ha desvelado en conversación con EL PAÍS algunas de las claves del concierto. “Habrá un montón de piezas nuevas, esta vez especialmente de Joseph Strauss. Abordaremos nueve de sus piezas que nunca se habían tocado aquí. Y, por supuesto, rendiremos tributo a Richard Wagner y a Giuseppe Verdi en el año de su aniversario”.

Como manda la tradición, la orquesta repasará en la primera parte del concierto algunas piezas que guardan relación con la biografía del director. Entre ellas, un vals que Strauss dedicó a su mujer (que se llamaba Angelika, como la de Welser-Möst) y otro vals que nunca se ha tocado y que se llama Aus den Bergen (Desde las montañas). “Y yo soy un gran montañista”, señala el director austriaco, de 52 años. Así que todo encaja.

El acercamiento a Wagner y a Verdi se produce de diferentes maneras. La primera relación, recuerda Wlser-Möst, la establece la Johann Strauss Kapelle, “que tocó la primera nota del compositor que sonó en Viena”. Pero este año, la orquesta interpretará también el Preludio del tercer acto de Lohengrin para recordar al compositor germánico. El último bloque del concierto tiene más que ver con Verdi. La música contendrá constantes referencias a Italia, dice el director, y se interpretará un fragmento de Don Carlo.

Haydn: Symphony No. 95 / Rattle · Berliner Philharmoniker

El pianista del Gueto de Varsovia. Wladyslaw Szpilman

"Comencé mi carrera como pianista de guerra en el Café Nowoczesna, que estaba en la calle Nowolipki, en el mismo corazón del gueto de Varsovia. Para la época en que se cerraron las puertas del gueto, en noviembre de 1940, hacía tiempo que mi familia había vendido todo lo que podíamos vender, incluso nuestra más preciada pertenencia doméstica, el piano. La vida, por demás insignificante, me había obligado sin embargo a vencer mi apatía y buscar alguna forma de ganarme el sustento; gracias a Dios, había encontrado una. El trabajo me dejaba poco tiempo para cavilaciones, y la conciencia de que toda mi familia dependía de lo que yo ganara me ayudó a superar poco a poco mi anterior estado de amargura y desesperación."
Este libro autobiográfico nos cuenta la vida del autor que más abajo os relato junto con fragmentos del diario del capitán Hosenfeld que nos relata las impresiones de la ocupación desde el punto de vista de un alemán que no siempre comprende la situación que le toca vivir.

Szpilman es judío, nace en Sosniwiec, perteneciente al imperio ruso. Estudió música en Berlín y regresó a Varsovia donde se convertiría en un pianista y compositor afamado hasta la invasión de Varsovia en 1939, momento en que una bomba interrumpiría su interpretación del Nocturno en do sostenido de Chopin. Fue trasladado al Gueto de Varsovia y, mientras trabajaba como pianista, ayudó a la resistencia evitando a duras penas ser apresado por los alemanes. No lo consiguió por contra su familia, que fue trasladada en un tren de ganado a un campo de exterminio mientras el proseguía su vida intentando escapar a este fatal destino, adentrándose para ello en la parte aria de la ciudad ayudado por amigos polacos.Al final fue descubierto en su escondite por un oficial alemán quien, tras escuchar una interpretación de la Balada n1 de Chopin en un piano desafinado decidió perdonarlo la vida.
Terminada la ocupación nazi, volvería a la Radio Polaca interpretando el día de su regreso la misma canción que fuera interrumpida por la caída de la bomba. Después de eso, la vida pareció sonreírlo por fin y se pudo dedicar a la interpretación y composición dejando un legado de más de 500 canciones.

Lang Lang abre en Varsovia los actos del bicentenario de Chopin

Un concierto del pianista chino Lang Lang abre hoy en la Filarmónica de Varsovia los actos de conmemoración del bicentenario del nacimiento del compositor polaco Frederic Chopin (Zelazowa Wola, 1810-París, 1849).

El virtuoso chino de 27 años interpretará varias piezas de Chopin junto con la Orquesta de la Filarmónica de Polonia, dirigida por Antoni Wit.

Lang Lang ha defendido en varias ocasiones que el concierto en F menor del célebre polaco es "una de las composiciones musicales más bonitas de todos los tiempos".

La actuación del pianista chino es el primero de más de 2.000 actos que, a lo largo de este año, recordarán el bicentenario de Chopin, hijo de un emigrado francés en Polonia y de una aristócrata polaca venida a menos.El punto central de la conmemoración será la inauguración, el próximo mes de marzo, de un museo dedicado al genio polaco, que será punto de partida de la llamada 'ruta de Chopin', en la que los aficionados a la música clásica podrán recorrer algunos de los lugares que sirvieron de inspiración al compositor.Aunque fallecido en París, el corazón de Frederic Chopin descansa por su expreso deseo en la iglesia de la Santa Cruz de Varsovia.

Piotr Ilich Tchaikovsky - El Cascanueces (13r Movimiento)

El decimotercer movimiento es el más expresivo de todo el ballet. Empieza con arpegios del arpa y un solo de violonchelo, al que se une más tarde una flauta y luego un oboe, interpretando un unísono los tres instrumentos, junto con la orquestra de fondo. El oboe presenta otro tema, contestado por el clarinete bajo. La cuerda inicia un crescendo hasta llegar a lo más alto, cuando el viento-metal inicia el descenso. Luego un tema descendiente, con toda la orquestra, se repite varias veces aumentando su intensidad cada vez más hasta llegar a su máximo con los platillos. Pero entonces vuelve a bajar la intensidad con la cuerda, hasta un forte súbito del viento-metal, que inicia un crescendo cromático del viento madera y el arpa. Entonces se inicia la coda con la cuerda y luego el resto para acabar con cuatro golpes de toda la orquestra sobre un redoble de timbales.

El piano de Mozart regresa a Viena: El 'fortepiano' que tocó Mozart casi todos los días durante sus últimos nueve años de vida vuelve a su casa de la capital austriaca.

Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus últimos conciertos con un piano, que ayer regresó a Viena por primera vez desde el fallecimiento del compositor, en 1791. El 'fortepiano' que tocó Mozart casi todos los días durante sus últimos nueve años de vida permanecerá en su antigua vivienda en Viena, actualmente un museo, durante las próximas dos semanas, al final de las cuales se celebrará un comercio con las obras del músico.


El famoso músico adquirió el instrumento a Anton Walter, el más célebre fabricante de pianos de Viena en su tiempo, en 1782, y con él compuso más de 50 obras para piano, la mayoría de ellas en su apartamento de Domgasse, en la capital austríaca. Tras el fallecimiento de Mozart, Constanze, su mujer, cedió el piano a su hijo mayor, Karl Thomas, quien lo donó posteriormente a la Asociación Musical de la Catedral y Mozarteum. El piano se exhibía permanentemente en la casa de la familia Mozart, en Salzburgo. "Resulta duro dejarlo ir", declaró a la prensa el director del Mozarteum Salzburg, Matthias Schulz. "Si no supiéramos que está en las mejores manos, no lo habríamos donado", sentenció.

El 'fortepiano' es mucho más pequeño y ligero que el piano moderno y su sonido es más fresco y brillante. El restaurador de pianos Josef Meingast, que ha estado cuidando el instrumento desde 1975, ha asegurado que éste es superior al resto de los 'fortepianos' de aquellas fechas que aún sobreviven o a cualquiera de sus copias. El pianista ruso Alexander Melnikov dará un concierto de Mozart en este 'fortepiano' el próximo 7 de noviembre. Dice que ha declarado que se siente un privilegiado por las "abrumadoras implicaciones emocionales de una experiencia como ésta".



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El Concierto de Año Nuevo 2013. La Filarmónica de Viena y Franz Welser-Möst

A lo largo de su historia de más de siete décadas, la orquesta ha sido dirigida por muchos de los más famosos directores y el concierto ha sido seguido por millones de personas a través de las transmisiones televisivas en más de setenta países. El distinguido director de orquesta austríaco Franz Welser-Möst regresa para dirigir el concierto de 2013 tras el éxito de su debut en 2011.


Como ha resaltado Clemens Hellsberg, el presidente de la Filarmónica de Viena, los aplausos que se granjeó Franz Welser-Möst por este acontecimiento en 2011 y su estrecha asociación con la vida musical de Viena como Director General Musical de la Ópera del Estado lo convierten en una elección natural para el puesto en 2013.

Durante décadas, la Orquesta Filarmónica de Viena ha presentado desde la Musikverein de Viena un programa anual entretenido y sentido de música procedente del amplio repertorio de la dinastía Strauss y sus contemporáneos.

La fórmula de probada eficacia combina clásicos muy conocidos y piezas que hasta ahora no se habían interpretado nunca en el Concierto de Año Nuevo, y el resultado es invariablemente tanto alegre como emocionante.

El programa seguirá siendo un secreto celosamente guardado hasta pocos días antes del acontecimiento, pero ya puede revelarse que en 2013 el concierto incluirá más estrenos que nunca en la historia y probablemente algunas sorpresas inesperadas.

Durante diez años Welser-Möst ha sido director musical de la Orquesta de Cleveland, con la que ha cimentado estrechas relaciones con el Carnegie Hall en Nueva York, la Musikverein en Viena y el Festival de Lucerna, además de presentar once estrenos mundiales y catorce estadounidenses.

En las últimas temporadas sus producciones plenamente escenificadas de las óperas de Mozart/Da Ponte han vuelto a consolidar a la Orquesta de Cleveland como una agrupación operística.

A pesar de todas sus conexiones internacionales, Welser-Möst es un austríaco que ha hecho las delicias del público de la Ópera del Estado de Viena con interpretaciones extremadamente bien recibidas del repertorio wagneriano, entre otros hitos destacados, y tiene una especial conexión personal con la música de la familia Strauss: una de sus bisabuelas era hija de la familia propietaria del Café Dommayer, de rancio abolengo en Viena, donde se estrenaron muchas obras de la dinastía Strauss y de Josef Lanner.

La tradición de la Filarmónica de Viena se remonta a 1842, cuando Otto Nicolai dirigió un Gran Concierto con todos los miembros del «Hof-Operntheater» imperial. Esta velada se llamó originalmente «Academia Filarmónica» y está considerada como el origen de la orquesta.

Desde su fundación la orquesta está gestionada por la comisión administrativa –un órgano elegido democráticamente– y funciona artística, organizativa y económicamente de forma autónoma.

Todas las decisiones se toman sobre una base democrática durante la reunión general de todos los miembros. Aquellos que tengan la suerte de estar presentes en la Musikverein de Viena y los públicos televisivos de todo el mundo tienen realmente algo que esperar con toda la ilusión según va acercándose el día de Año Nuevo de 2013.

Music In The Air

euronews musica - Lisa Batiashvili, la pasión por el violín

David Garret,Gold for Legacy in Austria♥

David Garrett (nacido David Bongartz el 4 de septiembre de 1980 en Aquisgrán, Alemania) es un violinista y modelo. Sus padre y su madre son, respectivamente, alemán y estadounidense. Georg P. Bongartz, el padre, es jurista, mientras que Dove Garrett, la madre, es bailarina. Georg era también profesor de violín y subastador de violines.
David Garrett recibió las primeras lecciones musicales de parte de su padre, que había comprado un violín para su hermano mayor, cuando David sólo contaba con cuatro años de edad. Le interesó y pronto aprendió a tocar. Enseguida se convirtió en alumno del conservatorio de Lübeck y más tarde fue a Berlín. Entre 1990 y 1991 tuvo como profesor a Zajar Bron y desde 1992 a la violinista polaco-británica Ida Haendel. A los trece años de edad firmó un contrato de exclusividad con la discográfica Deutsche Grammophon Gesellschaft. También con esa edad decidió cambiar su nombre artístico y tomó el apellido de su madre en vez del paterno.
Desde el año 1999, y contra el deseo de su padre, fue alumno de la prestigiosa Juilliard School, en la clase de Itzhak Perlman, para profundizar en sus conocimientos del violín. Se graduó en el año 2004.
Garrett toca alternativamente un violín de Antonio Stradivari de 1718 y uno de Giovanni Battista Guadagnini de 1772. Mientras estudiaba en la Juilliard School en Nueva York, Garrett acompañó las clases con el trabajo de modelo para incrementar sus ganancias. Algunos críticos de moda lo describen como el David Beckham de la escena clásica.

Glyndebourne y otros festivales de verano ingleses preparan sus producciones

Antonio Vivaldi Clemens Fritz Espectáculos (general) Gioachino Rossini Giovanni Silva Italia Jerusalén Londres Música clásica Teatro musical Wolfgang Amadeus Mozart .Londres.-

Con la llegada de la primavera, Glyndebourne y otros festivales de música clásica que se celebran en lugares idílicos en medio de la campiña inglesa se preparan para una nueva temporada operística con una serie de nuevas producciones.

Sin lugar a dudas, el de mayor solera y elegancia es el de Glyndebourne, famoso en todo el mundo por el marco bucólico en el que en sus largos descansos los asistentes, vestidos de esmoquin y traje de noche, pueden descorchar el champán y degustar el caviar o el pâté de foie, junto al lago artificial o entre los matorrales.

Este año, el festival se inaugura el 21 de mayo con una nueva producción de "Los Maestros Cantores de Nuremberg", en la puesta en escena del británico David McVicar y bajo la dirección musical del ruso Vladimir Jurowski.

El conocido barítono canadiense Gerald Finley debutará en el papel de Hans Sachs y entre los cantantes que se estrenan en Glyndebourne figuran el tenor alemán Marco Jentzsch, en el papel de Salther, su compatriota, la soprano Anna Gabler, en el de Eva, y el barítono Martin Kränzle como Sixtus Beckmesser.

Altamente recomendable es también "Rinaldo", la primera ópera italiana creada por Händel para Londres y una de las más deliciosas del compositor alemán a quien los británicos reivindican como suyo.

Robert Carsen, conocido de los asiduos de Glyndebourne por haber montado hace tres años "L'Incoronazione di Poppea", de Monteverdi, se encargará de la puesta en escena y el italiano Ottavio Dantone, director de la Accademia Bizantina, estará al frente de la orquesta.

El reparto cuenta con Sonia Prina, que encarnará al heroico guerrero cristiano del título, Sandrine Piau, que interpretará a su amada Almirena mientras que Brenda Rae hará el papel de la hechicera sarracena Armida y Luca Pisaroni cantará al rey de Jerusalén.

El programa de esta nueva edición del festival se completa con el "Don Giovanni", de Mozart,- con el barítono estadounidense Lucas Meachem en el papel protagonista-, "L' Elisir d' amore", que dirigirá desde el podio el maestro italo-español Enrique Mazzola, "The Turn of The Screw", de Benjamin Britten, y "Rusalka", de Dvorák, todas ellas vistas ya antes en Glyndebourne.

Menos conocido internacionalmente que Glyndebourne, el festival de ópera de Garsington, que se celebra tradicionalmente en una bella residencia isabelina al sur de Oxford, se traslada a partir de este año a unos terrenos alquilados a Mark Getty, de la familia de petroleros de ese apellido.

Muchos echarán tal vez de menos el ambiente isabelino del Garrington original, con su jardín del siglo XVIII, su bello lago y su parque con ciervos, pero tal vez se verán compensados por el mayor nivel de confort del nuevo auditorio con capacidad para 600 personas, 80 más que antes.

Se trata de un auditorio prefabricado que se montará y desmontará cada año y cuyas cualidades acústicas están al parecer garantizadas por Bob Essert, uno de los especialistas en la materia.

El programa de Garsington, que se celebra del 2 al 5 de julio, incluye este año obras de Rossini ("Il Turco in Italia"), Mozart ("La Flauta Mágica") y una ópera relativamente poco conocida de Vivaldi, "La Verità in Cimento".

Aunque los más prestigiosos, Glyndebourne y Garsington, no son sin embargo los únicos, pues están también otros más pequeños como el de Bampton, fundado en 1993 por Gilly French y Jeremy Gray, en una pequeña y deliciosa localidad de Oxfordshire.

Bampton se ha especializado en óperas poco conocidas del siglo XVIII y así este año presentará, entre otras, una cómica de Domenico Cimarosa titulada "Italiana a Londra", en torno a un inglés, un holandés y un italiano que tratan de seducir a una muchacha a la que creen francesa, pero que resulta ser la genovesa Livia.

Para quien no quiera o pueda trasladarse fuera de Londres está también el festival de Holland Park, que tiene lugar todos los años junto a lo que queda, después de su destrucción por las bombas alemanas en la Segunda Guerra Mundial, del palacio de lord Holland, el gran político británico que ayudó a los liberales españoles durante el período absolutista de Fernando VII.

Este año el programa del festival - del 7 de junio al 13 de agosto- incluye sendas nuevas producciones de "Don Pasquale", de Donizetti, "L'amico Fritz", de Mascagni, "Le Nozze di Figaro", de Mozart, y "Rigoletto", de Verdi, además de "La Wally", del italiano Alfredo Catalani, ópera famosa por sus arias y su dramático final, en el que la heroína se lanza a la muerte por un precipicio en los Alpes.

Las cuatro estaciones, o más, en Gran auditorioUn concierto con la violinista Patricia Kopatchiskaja

Interpreta las Cuatro estaciones de Vivaldi y de Piazzolla

Con el acompañamiento de la la Kammerakademie Postdam

Dentro del espacio Gran auditorio de Radio Clásica, les ofrecemos este miércoles a partir de las 17.00 horas el concierto que tuvo lugar en septiembre de 2011 en la Sala Municipal de conciertos de Verden, en Dinamarca.


La joven y afamada violinista Patricia Kopatchinskaja, una de las figuras más relevantes del violín del siglo XXI, rinde tributo a las dos composiciones más conocidas dedicadas al paso del tiempo y los cambios climáticos: las Cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, y las Cuatro estaciones de Buenos Aires (o Estaciones porteñas) de Astor Piazzolla. Dos obras en las que el violín tiene una presencia protagonista, y para las que estará acompañada por la Kammerakademie Postdam

David Garrett in concert live @ Berlin Wuhlheide [Subtitles]

Behind-the-scenes Vogue shoot with The Australian Ballet

Janine Jansen: "Cada persona lleva dentro su propio sonido"

Algo tendrá el vino cuando lo bendicen, decía un viejo y castizo refrán. Y algo, aparte de sus encantos personales, tendrá también la joven violinista holandesa Janine Jansen (Utrecht, 1978) para conseguir que en los tres conciertos que ofreció hace unos días en Madrid como invitada de la ONE se agotasen inmediatamente las entradas. Había curiosidad por ver en la capital con orquesta grande a esta singular intérprete a la que hasta entonces sólo se la conocía en dimensiones camerísticas. A esta joven de ojos claros que jamás se separa de su Barrere , un violín fabricado en Cremona en 1727 por Antonio Stradivari, y que, al hablar, irradia optimismo en cada frase. Tal vez porque, de la noche a la mañana ha sabido conjurar el fatum que atenaza desde hace algún tiempo a la industria discográfica, con su personal lectura de las Cuatro estaciones vivaldianas, con que recientemente conseguía ser "platino" en las listas de su país, donde las ventas de esa grabación se acercan al medio millón de copias. Por no hablar de las ventas a través de Internet, que le han valido en una publicación especializada el calificativo de "Reina de las descargas".


Alguien de la nueva generación como usted, que ha acuñado un título semejante. ¿Ve en el ordenador el futuro de la música?

No sé con certeza por qué se ha escrito eso de mí en algún periódico. Lo que ha llegado a mis oídos, es algo así como que en América la mayor parte de las ventas de Las cuatro estaciones -dicen que un 75 por ciento del total- se han realizado por la vía de i-tunes. Pero hablar de eso me resulta muy difícil, porque no conozco a fondo esos procedimientos. Nunca he hecho una descarga yo misma. Lo que sí es cierto es que esa historia me ha llevado a pensar si de aquí a unos cuantos años, tal y como se precipitan las cosas, el CD como tal habrá desaparecido. Espero que eso no llegue a suceder, porque a mí me gusta entrar a las tiendas y revolver, incluso regresar de vez en cuando a los LPs.

Hasta la enseñanza podría ser a través de esa vía, ¿reconoce usted en su formación más profesores reales o virtuales, de esos de los que se aprende a través de viejos testimonios grabados con o sin imágenes?

Siempre menciono a Coosje Wijzenbeek como mi primera maestra, porque es con quien me inicié en el violín. Con ella estuve hasta los 16 años, lo que es tanto como decir que me enseñó lo que sé de este instumento. Después comencé a asistir a las clases de Philipp Hirshhorn, que murió hace ahora diez años, siguiendo sus enseñanzas de un modo un tanto irregular, durante aproximadamente dos años. A partir de ese momento, desde que cumplí los 18, se puede decir que no he tenido un profesor al que acudiese cada semana sistemáticamente para seguir sus lecciones. Lo de Belkin, por ejemplo, debemos limitarlo a decir que asistí a algunas de sus clases magistrales en las que aprendí mucho, como también en otras de distintos violinistas por las que he pasado. Así que, en mi caso podría decir que el verdadero aprendizaje lo he ido adquiriendo por el contacto directo, tocando en grupos de cámara o con orquestas a las órdenes de distintos directores, sin olvidar lo que he asimilado asistiendo a conciertos como espectadora, viendo y escuchando a otros artistas, algo que continúo haciendo cada vez que puedo como un proceso en marcha en el que quiero seguir.

¿No siente el peso de los grandes nombres consagrados?

Por supuesto que admiro a todos los grandes violinistas. Desde Thomas Zehetmair a Gidon Kremer por hablar de artistas de hoy o, mirando hacia atrás, Ida Haendel, Nathan Milstein o Arthur Grumiaux, todos ellos con una musicalidad increíble. Pero con todo sigo pensando que especialmente de Coosje, y de Philip Hirshhorn es de quien más he aprendido después de un prolongado contacto con ellos. Desde que tenía 6 o 7 años hasta que cumplí los 18. Hasta esa edad considero muy importante esa relación próxima, porque la necesitas. Pensemos que con mi primera profesora tenía dos clases por semana, y hacíamos mucha música de cámara, un aspecto al que le dedicamos mucho tiempo trabajando en conjuntos, algo que con el tiempo ha tenido un peso increíblemente importante para mí.

¿Tanta importancia tiene la música de cámara en su actividad como para crear en Utrecht el festival que dirige para música de ese formato?

Es al menos tan importante para mí como hacer música sinfónica. Además de mi festival, acudo a otros similares que organizan mis colegas, y de vez en cuando a lo largo del año hago música de cámara en conciertos convencionales. Pero claro que, a la hora de hacer balance final, el número de conciertos con orquestas es superior. También puedo decir que, a la hora de hacer música, no me resulta muy distinto si es de cámara o sinfónica. Cuando tocas con una gran orquesta al final estás haciendo lo mismo: estableciendo una comunicación con el resto de los compañeros con los que compartes el escenario. Desde ese punto de vista, lo único que cambia es el número de músicos y que, en el caso de la cámara, al tratarse de un grupo más reducido, los resultados son más directos, y el intérprete a su vez se siente mucho más libre. Pero la actitud del músico en cuato a su modo de acercarse a la creación musical, siento que igual en ambos casos. Al menos en lo que a mí respecta, intento encontrar el mismo sentimiento, el mismo espíritu. Porque en ese momento estamos unidos como un todo único. Si los otros no estuvieran allí, no sería posible sacar a la luz esa música que yo debo interpretar.

Le ha funcionado el experimento de reducir el instrumentario de Las cuatro estaciones de Vivaldi a un formato reducidísimo. Hasta el punto de haber conseguido ya el disco de platino en Holanda.

En este caso concreto me lo pasé muy bien haciendo eso. Porque las sensaciones que la obra me produce van por ese camino. No era necesario tocarla así, pero pensé que necesitaba más libertad en la ejecución para conseguir mayor transparencia en el resultado sonoro en esta obra tan flexible y llena de libertad, y eso se consigue mejor con un número reducido de compañeros.

Al decidir grabarla, sabía que estaba asumiendo un desafío, habida cuenta de la cantidad de experimentos que se han hecho con esa obra, consiguiendo buenos resultados con múltiples modos de acometerla.

Vienna New Year´s Concert 2011 - Dancing Natalie Kusch and Davide Dato

Tarde de Beethoven en Gran auditorio

Una doble cita en la que podremos escuchar varias páginas de Beethoven

El pianista Barry Douglas, estrella del primer recital
Escuchamos también al Cuarteto Emerson en páginas de Mozart y Bach

Este lunes a las 17.00 horas, el espacio de Radio Clásica Gran auditorio les ofrece una doble cita de conciertos en las que podremos escuchar diversas páginas firmadas por el genio de Bonn.


En primer lugar escuchamos el recital del pianista Barry Douglas, que interpretaba el pasado mes de diciembre un monográfico de Beethoven en la Sala Jerwood de Londres. El solista aborda la Sonata para piano nº11 en Si bemol Mayor, Op.22, y la Sonata para piano nº21 ‘Waldstein’.

Tras este recital, podremos disfrutar del concierto ofrecido por el Cuarteto Emerson en noviembre del pasado año, desde el Wigmore Hall de Londres. En programa escuchamos el Cuarteto número 14 en Do sostenido menor, Op.131, de Beethoven; una versión del Coral ‘El arte de la fuga’ BWV 1080, de Bach; y el arreglo se Mozart sobre la Fuga en Mi Mayor de ‘El clave bien temperado’ de Bach, el K.405 del autor de Salzburgo

Música de cámara en el Festival Menuhin-

Tríos de Schubert, Tchaikovsky y Shostakovich

Se une el arte de Patricia Kopatchinskaja, Sol Gabetta y Khatia Buniatishvili

Gracias al intercambio con la Unión Europea de Radiotelevisión, Radio Clásica les ofrece este martes a las 20.00 horas, un concierto enmarcado en el Festival Menuhin de Gstaad.


Un trío de excepción formado por la violinista Patricia Kopatchinskaja, la violonchelista Sol Gabetta y la pianista Khatia Buniatishvili, interpreta sendos Tríos con piano, el número 2 en Mi menor de Dmitri Shostakovich, y el trío en La menor de Piotr Illych Tchaikovsky, además del Trío en forma sonata D. 28 de Franz Schubert.

El pianista japonés Kotaro Fukuma regresará este lunes a la Fundación Botín

Ofrecerá un recital con piezas de Liszt, Ravel, Debussy, Millita y Cruz de Castro


SANTANDER, 28 (EUROPA PRESS)

El pianista japonés Kotaro Fukuma regresará este lunes a la Fundación Botín, donde ofrecerá un recital en el que interpretará obras de Liszt, Ravel, Debussy, Millita y Cruz de Castro.

El concierto, que se celebrará a partir de las 20.30 horas en el salón de actos de la sede de la Fundación de la calle Pedrueca de Santander, lleva por títulos 'Reflejos' y será de entrada libre pero aforo limitado.

El concierto de este pianista japonés será grabado por RNE y emitido en Radio Clásica, según ha informado en un comunicado la Fundación Botín.

Kotaro Fukuma nació en Tokio en 1982 y, en palabras de la Fundación, es hasta la fecha el pianista más joven que cuenta en su haber con grabaciones comerciales (Harmony) de la Suite Iberia de Albéniz, las ocho Novelletten de Schumann y la obra completa para piano solo de Toru Takemitsu (Naxos).

En 2003, a los veinte años, Kotaro Fukuma obtuvo el Primer Premio y el Premio Chopin en el XV Concurso Internacional de Piano de Cleveland.* Desde entonces ha debutado en recitales en el Lincoln Center de Nueva York y ha interpretado cerca de cincuenta conciertos en Estados Unidos.** También ha actuado en el Reino Unido, Francia, Alemania, España, Polonia, Italia, Suiza, Austria, Finlandia, Corea del Sur, Taiwán, Sudáfrica y Japón.

Como solista se ha presentado con numerosas orquestas, entre ellas la Orquesta de Cleveland, Sinfónica de Radio Finlandia, Filarmonía de Dresden,* Orquesta Filarmónica de Galicia, Filarmónica de Johannesburgo y la New Japan Philharmonic.

En 2008, debutó en Wigmore Hall de Londres y realizó una extensa gira de conciertos en Sudáfrica. También interpretó el Segundo Concierto para Piano de MacDowell en Ohio con motivo del aniversario de la muerte del compositor, además del estreno mundial de la composición de Thierry Huillet en Francia.

En agosto del mismo año obtuvo el Tercer Premio y Medalla de Bronce en el XVI Concurso Internacional de Piano de Santander. Su participación en el ciclo de conciertos y conferencias 'Albéniz en Contexto' que la Fundación Albéniz organizó durante el año 2009, le llevó a Madrid para debutar en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música y en el Auditorio Sony de la Fundación Albéniz.

En marzo de 2010 realizó en España una extensa gira de conciertos que formaba parte de su galardón en el Concurso Internacional de Santander, actuando en Zaragoza, Fundación Marcelino Botín de Santander, Sociedades Filarmónicas de Málaga, Pontevedra, Lugo, Valladolid, Gijón, Avilés y en Peñaranda de Bracamonte.

Entre sus proyectos inmediatos destacan una gira por el continente sudafricano, así como presentaciones en festivales internacionales de Francia e Italia y sus primeras giras de conciertos en China.
Por otra parte, el siguiente concierto programado de la Fundación será el lunes 14 de mayo, con Lafayette String Quartet

Alexandre Tharaud Plays Clement Doucet's "Chopinata"

Alexandre Tharaud, "Le Boeuf sur le toit" - Swinging Paris

Le Boeuf sur le toit era un lugar legendario. Que abrió sus puertas en el año 1921, cerca de la Madeleine, en la rue Boissy d'Anglas. Y donde todo el mundo en la escena parís vino por el jazz y la música nueva.


La vida y el alma de Le boeuf sur le toit fue, sobre todo, el propietario de Louis Moysés. Pero Jean Cocteau, que estaba allí casi todas las noches y se utiliza a veces para tocar la batería.

Con el pianista y compositor maravilloso, Jean Wiener. También encarnó el espíritu de este lugar increíble. Clément Doucet también solía jugar con regularidad en Le Boeuf sur le Toit.

Y todas las noches, no en el piano, pero en el restaurante. Usted se encontrará con un grupo diverso de personalidades. Los compositores como Maurice Ravel, Satie Erik y los miembros de Les Six, Francis Poulenc, Darius Milhaud, Germaine Tailleferre etc .. o Stravinsky.

Había franceses cantantes populares. Al igual que Maurice Chevalier, Yvonne Georges, Mistinguett, Kiki de Montparnasse. Y entonces, entre la multitud, un montón de artistas, como Man Ray, Picabia, Diaghilev, Coco Chanel, Georges Simenon, André Gide ... Ya ves, era una gran familia de artistas.

El reunieron cada noche en toda la emoción de los años veinte. Le Boeuf sur le toit fue utilizado originalmente para una pieza musical. Eso Milhaud escribió después de su visita a Brasil. Se desempeñasen por primera vez en la Comédie des Champs-Elysées teatro. Había un juego mime a ella, me encantaría haber visto. La familia de circo Fratellini realiza a un escenario por Cocteau. Y el espectáculo causó una gran impresión en París. Eso fue unos meses antes de la apertura del cabaret Le Boeuf sur le toit. De todos modos, Jean Cocteau y Moyses Louis, El dueño del cabaret, quiso darle un nombre llamativo. Así que le preguntaron Milhaud si podían utilizar el nombre de su pieza. Y él dijo: "Por supuesto". Milhaud se convirtió en uno de los habitués más fieles del cabaret. Por lo tanto, este disco es un homenaje a este lugar extraordinay. Música francés no habría sido lo mismo sin las cosas que pasaron en el Le Boeuf sur le toit.

Mi programa incluye piezas para piano que se jugaron allí en una base regular, escrito por Jean Wiener, Clément Doucet, Darius Milhaud ... Pero también de compositores americanos. ¿Quién nunca puso un pie en Le Boeuf sur le toit. Estas piezas se jugaron casi todas las noches en el piano de Boeuf. Era un pleyel. Así que no había música de George Gershwin y Jerome Kern .. y hubo dúos, porque Le Boeuf sur le toit era un lugar para la gente a hacer música juntos. "Faire le boeuf" [que significa "haver una jam session '] que se origina en Le Boeuf sur le toit, porque cada pueblo la noche que estuvimos allí cantaba y reproducir música y Especialidad tener sesiones de jazz. Tha Por eso decimos" faire le boeuf ". Entonces, eso me ha dado una excusa para pedir a algunos de mis mejores amigos. unan a mí para hacer música. Tengo que decir que nos reímos mucho cuando estábamos grabando este disco. No estaba solo en el estudio . Además de las piezas en solitario, yo quería grabar música de cámara, dúos, y había cantantes como Madeleine Peyroux y Natalie Dessay. La inquebrantable Jean Delescluse. Me preguntó Frank Braley, un excelente pianista que está loco por Gershwin, a unirse a mí para récord de cuatro obras de Jean Wiener y Doucet Clément, que eran un dúo de sí mismos. El dio más de 2.000 conciertos juntos alrededor del mundo. Desgraciadamente, no tenemos el resultado de estos arreglos para dos pianos, sólo las grabaciones. Así que tiene significaba un trabajo de varios años de. escuchaba las grabaciones y reescribió las puntuaciones, pero es realmente nota por nota, por lo que todos los detalles están ahí. Así, se registraron cuatro de estos together.Then piezas está el banjo jugador David Chevalier, el percusionista Florent Jodelet y algunos cantores. Guillaume. Galliene, Bénabar y Juliette Juliette Le pregunté a grabar una canción de Yvonne Georges conmigo Yvonne George era un cantante feminista de la década de 1920 Ella pasaba todas las noches en el Le Boeuf sur le toit y.. su gran éxito fue una canción deliciosa, con música de Maurice Yvain una canción muy triste, pero delicioso al mismo tiempo:. "J'ai pas faire y Su" Este programa, este CD, es completamente diferente de todo lo que he grabado hasta hasta ahora. Aunque la música de Gershwin, Kern, salchicha y Doucet no está tan lejos de Satie, Ravel o Debussy, compositores cuya música que he grabado y que pertenecen a la misma familia.

Me gustaría contarles acerca de mi abuelo. Su nombre era Charles Auvergne, pero lo llamé Boompa. Era un violinista clásico, pero en la década de 1920, acompañó cine mudo y fue así como conoció a mi grandemother, que estaba sentada en la primera fila del cine. Tocó en bandas de baile, en cervecerías, acompañó a cantantes en el estudio, siendo el más famoso Ray Ventura, sino que estaba más en los años treinta. Por lo tanto, era un músico versátil y me gusta la idea de, siendo un músico que interpreta la música en un sentido amplio que se puede disfrutar de la música al máximo, si se trata de una canción popular o gran concierto de Rachmaninov de la ópera a un pequeño café.
¡

Un verano de música en Praga

Praga es una ciudad de Europa a la que siempre vale la pena viajar. Lejos de las difíciles temperaturas hivernales de la ciudad, la capital checa se llena de luz en verano y ofrece infinitas posibilidades a los amantes de la música y el arte.


Aquellos a los que les gusten la música clásica y la ópera encontrarán su lugar en el Festival de Verano de Música Antigua de Praga que se celebra cada año, entre julio y agosto, en la capital de la República Checa. Los edificios históricos de la ciudad se llenan de música barroca en un verdadero viaje en el tiempo. En Praga también se puede disfrutar de la de ópera a precios asequibles durante todo el año en la Ópera del Estado.

Otro estilo músical muy presente en Praga es el jazz. En verano las calles de la ciudad se llenan de bandas, saxos y bajos que alegran a los visitantes. El Puento de Carlos, la Plaza de la Ciudad Vieja o el Jardín Real de Praga se convierten en idílicos escenarios para la música en la capital checa.


Así que si te gustan la música y el arte no te puedes dejar de planear una escapada de verano a Praga. Te recomendamos que te alojes en un uno de los apartamentos céntricos Oh-Prague y disfrutes de la música de la ciudad como un local. También puedes aprovechar para degustar las fantásticas cervezas checas y comprar algo de la maravillosa artesania del país para llevarte un poco de Praga en la maleta.

¿Has estado en algun festival artístico en Praga? ¿Qué estilo musical prefieres?

Mozart en Praga

Durante las décadas de los ’70 y los ’80 del siglo XVIII Praga era una de las joyas de Europa – una ciudad que podía competir con cualquier otra en términos de cultura y opulencia. Después de que la ciudad fue víctima de un fuego terrible, los esfuerzos invertidos en su reconstrucción y la intervención de numerosos arquitectos de diferentes países que dejaron su impronta mejoraron considerablemente el aspecto y el espíritu de la ciudad creando edificios, iglesias y jardines increíbles que aún hoy se pueden admirar. La población de la ciudad creció rápidamente llegando hasta 100.000 personas y comenzó a atraer a algunos de los personajes más famosos del mundo de aquella época.

Cuando esta explosión de cultura alcanzó su punto máximo, alguien conocido como Wolfgang Amadeus Mozart decidió transferirse a Praga en la búsqueda de una orquesta y un público que fueran capaces de apreciar su música. Después de haberse mudado a su villa – llamada Bertramka – comenzó a escribir una de sus obras más famosas: “Don Juan”. La presentación de la misma se realizó en el 1787 en el Teatro Estates de la ciudad y el resto es historia.

La influencia de Mozart es tan grande que en Praga siempre encontrarás un lugar que celebre al hombre que muchos consideran como el hijo adoptivo de la ciudad. Los músicos Checos son famosos por ser unos de los más talentosos del mundo; por ende, mientras estés en Praga bien vale la pena asistir al menos a un concierto. Incluso si no te agrada la música clásica, serás capaz de percibir la magia de la ocasión.

Clara Wieck y Robert Schumann

La primera noticia de que Clara y Robert han establecido una relación la encontramos en el "cuaderno de noviazgo" de Schumann, donde se lee:


"Penosas despedidas: en noviembre de 1835, después del primer beso en la escalera de la casa de Wieck, cuando Clara se fue a Zwickau".

Robert tenía 25 años. Clara, de 16, emprendía viaje para dar otro concierto, esta vez sin música de Schumann, aun cuando éste acababa de componer ese año su pieza para piano más célebre: Carnaval.

El padre de Clara va a oponer una obstinada resistencia al noviazgo porque no quería que el matrimonio interrumpiera la prometedora carrera pianística de su hija, más aún si el pretendiente, si bien su mejor discípulo, asomaba recién como compositor en ciernes.

Friedrich Wieck va a llegar al extremo de enviar a su hija a Dresde prohibiéndole bajo amenaza cualquier contacto con Robert. Pero los enamorados hallarán la manera de comunicarse por carta con la ayuda de un discreto celestino hasta que Wieck logra enterarse de ello, tras lo cual exigirá a Schumann que abandone toda ilusión de una buena vez.

Son momentos difíciles. Robert cae en una profunda crisis emocional de la que sólo lo salvará la música. Grandes composiciones de su catálogo ven la luz el año 1837. Las Fantasiestücke es una de ellas. Se trata de un pequeño ciclo de 8 piezas breves, que se inicia con la bella melodía "Des Abends" (Atardecer), interpretada aquí por el maestro Arthur Rubinstein.

En agosto de ese año, Robert intentará aclarar su situación sentimental solicitando a Clara que se comprometa a entregar a Wieck una carta suya:

"¿Se mantiene usted fiel y firme? ... aun la confianza del más fuerte de los hombres titubea si no tiene noticias de lo que más ama en el mundo. Y eso es usted para mí... Contésteme un simple sí, si quiere entregar a su padre el dia en que usted cumple años una carta mía. Su padre... no me rechazará si usted misma intercede... No olvide ese sí ".

Warszawa Chopina (Chopin's Warsaw)

FREDERIC CHOPIN: SUS CARTAS DE JUVENTUD

El sobre de una carta escrita por el pianista polaco Frederic Chopin a sus padres y hermanas en Francia en 1847 enviada a Varsovia, en una fotografía proporcionada por el Museo Chopin el 24 de marzo de 2011. Una colección de cartas de Chopin sobre sus primeros años de vida fueron presentadas por el museo Chopin de Varsovia más de 60 años después de que se perdieran.

Una de las seis cartas escritas por el pianista polaco Frederic Chopin a sus padres y hermanas enviada a Varsovia entre 1845-48 en el Museo Frederic Chopin en Varsovia el jueves 24 de marzo de 2011. Una colección de cartas de Chopin sobre sus primeros años de vida, fueron presentadas por el Museo Chopin de Varsovia más de 60 años después de que se perdieran.

Cantata BWV 169, Bach

Según el premio Nobel Albert Schweitzer, el más influyente de los biógrafos de Bach, el maestro siempre que pudo eligió los otoños para salir de viaje, siempre a no más allá de unas pocas leguas (Halle, Dresde,…) y que normalmente aprovechaba para conocer músicos, afinar órganos o brindar recitales para los que era requerido tan pronto como se conocía su presencia en su lugar de destino. Esta costumbre la mantuvo en sus años de Leipzig a partir de que comenzó a controlar a aquel concejo de retrógrados de cuyo puño y letra nunca salió en toda la vida de su cantor una sola frase de felicitación o

agradecimiento.

Y no era que verdaderamente no necesitara descansos periódicos el maestro. Recojo de Eric Siblin un resumen que incluye en su monografía sobre las suites para violonchelo (2010-Turner Música): “Entre las competencias de su nuevo puesto [en Leipzig] estaba la de impartir lecciones de música y otras materias a los alumnos de último curso de la Thomaschule, dirigir los coros cada dos domingos en cada una de las dos iglesias de laciudad, así como hacerse cargo de los instrumentos y de todo el material relacionado con las actuaciones musicales. También estaba obligado a dirigir la música en bodas y en funerales tarea por la que aceptaba de muy buen grado que se le pagara aparte.” El propio Schweitzer en su “Bach, el músico poeta” (1904/1955-Ricordi Buenos Aires) describe: “Al leer las actas de las deliberaciones que precedieron a su nombramiento no se puede evitar una sonrisa. Un hombre de su valor estaba imposibilitado de salir de la ciudad sin el permiso del burgomaestre-regente de Leipzig; debía asistir a las procesiones fúnebres y caminar al lado de los coristas de la Thomaskirche que eran los encargados de cantar el coral o el motete. Además se le encomendaba ‘arreglar la música de los oficios de la iglesia de modo que sea corta y no se asemeje a las óperas’”. Y más adelante: “La tarea diaria no era demasiado absorbente. Bach daba todos los días, excepto el jueves, una lección de canto entre las doce y las trece horas. El sábado por la tarde ensayaba la cantata del domingo, (añado yo, Perea, que esa cantata la había ido componiendo precisamente esos jueves en los que no daba clase) día en que dirigía los coros ya en Santo Tomás, ya en San Nicolás”. Y finaliza el biógrafo: “Esto era todo y el compositor aprovechaba los abundantes ocios del profesor”. Esto es lo que le pasa a uno cuando tiene como biógrafo a un hiperactivo cuasi patológico como el médico, filósofo, organista, musicólogo y teólogo, entre otras cosas, Albert Schweitzer.

Por eso hay que comprender que Bach en 1726 reutilizase materiales de trabajos suyos anteriores para componer la cantata del domingo de hoy, decimoctavo después de la Trinidad, a la que el BWV adjudica el número de cantata 169, “Gott soll allein mein Herze haben” (“Sólo Dios tendrá mi corazón”). Más concretamente, el maestro inicia la cantata con una sinfonía, es decir, un movimiento sin cantores, que reproduce casi exactamente su concierto para clave en Mi mayor BWV 1053, sustituyendo el clave solista por un órgano obligado. Citas textuales de ese concierto aparecen también en otros fragmentos a lo largo del resto de la cantata.

Sea cual sea su origen, a mí me parece extraordinariamente bella esa sinfonía, y por eso la he elegido como ilustración para mi entrada de hoy. En el vídeo escuchamos al conjunto radicado en Atlanta (Georgia, USA) New Trinity Baroque, unos magníficos especialistas, bajo la dirección de su fundador y director (al que podemos ver medio escondido detrás de un tabique tecleando el clave del continuo), el serbio Predrag Gosta. El órgano solista corre a cargo de Brad Hughley.

Viena, ciudad de la Música

Viena es célebre por su historia y los restos que alberga del importantísimo Imperio Austrohúngaro. Todos la recordamos como una ciudad majestuosa por la leyenda de la magnificente emperatriz Sisi y resulta fácil reconocer su tradición musical por cosas como ser la cuna de Mozart, los populares niños cantores de Viena o sus Conciertos de Año Nuevo.


Pero más allá de tan conocido bagage músical, allí encontramos un lugar donde los mismos oídos, junto con el resto de sentidos, no dejarán de sorprenderse. Dentro del Palacio Histórico, la Casa de la Música, se erige como el lugar ideal para descubrir el universo de los fenómenos de los sonidos.


Espacios lúdicos provistos de la más alta tecnología que dan rienda suelta a los deseos más surrealistas que se quieran experimentar: allí, la música dejará de ser sólo para escucharla y cualquier tono o sonido puede ser visto, sentido e incluso producido a voluntad.

Este maravilloso lugar que sin duda vale la pena conocer, es una clara apuesta por el conocimiento y la comprensión de la música y los sonidos y pretende potenciar el entusiasmo y la participación interactiva de unos visitantes de mente abierta que promete estimular. Algo así como un museo interactivo del sonido que proporciona un nuevo acercamiento a la música a un nivel tan lúdico como científico.

Descubren una partitura de Mozart para piano inédita.

   

Una partitura para piano hasta ahora desconocida de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) ha sido descubierta y será interpretada el 23 de marzo en la ciudad austríaca de Salzburgo, informó hoy la fundación Mozarteum.

El investigador austríaco Hildegard Herrmann-Schenider encontró la partitura en el Tirol austríaco, incluida en un libro de notas, cuando trabajaba en documentar fuentes musicales antiguas de la región.

La partitura está explícitamente atribuida a Mozart, aunque fue manuscrita por un copista tirolés, según la fundación que cuida el legado del afamado compositor.

La nueva pieza será interpretada en su presentación al público el próximo 23 de marzo a las 11.00 de la mañana (10.00 GMT) en la casa en la que vivió el músico en Salzburgo.

Mozarteum no ha revelado la duración de la pieza ni ninguna otra característica de la partitura.

Ya en 2009 la fundación revisó la autoría de dos composiciones en su archivo de 1763-64, consideradas hasta entonces obras anónimas, y que fueron producto del ingenio musical del entonces niño prodigio, que las compuso cuando sólo tenía entre 7 y 8 años.

Fundada en 1880, la fundación Mozarteum (www.mozarteum.at), con sede en Salzburgo, se dedica a preservar e investigar científicamente la vida y obra de Mozart.

Con un legado de más de 600 obras en su corta vida, Mozart, nacido en 1756 en Salzburgo y fallecido en 1791 en Viena, empezó a componer a los 5 años.

Crónicas de Viena San Wolfgang y San Gielgen

No es cuestión de santoral. Me refiero a dos lugares que he conocido camino de Salzburgo (la ciudad de la sal), con las expectativas muy altas en busca de contenidos gratificantes en la ciudad natal de Mozart. San Wolfgang, con una parroquia que lleva el nombre de este obispo de Ratisbona, porque de este santo recibió Mozart el nombre en su bautismo, con un significado nada alentador: “que camina como el lobo”, aunque con encanto benedictino se diga en palabras puestas en boca del santo que “solo corría detrás de las ovejas para alimentarlas, no para matarlas” [sic], y San Gielgen, ciudad natal de la madre de Mozart, que pude visitar de forma más detallada, donde se venera a San Egidio.

He comprendido mejor que nunca por qué se le agregó Amadeus a su primer nombre de pila, como sano equilibrio ante un nombre inquietante en sí mismo y no por la popularidad del santo, del que el actual Papa ha llegado a decir que “San Wolfgang vivió en el llamado saeculum obscurum, siglo de oscuridad. El Papado, en Roma, estaba a merced de la nobleza romana, en un tiempo de anarquía originada por las invasiones de los bárbaros. En Alemania, los obispos eran, a su vez, príncipes territoriales, y muchas veces actuaban como tales, sin que apareciera la humildad característica del oficio sacerdotal. Ante tales circunstancias parecía que la Iglesia estaba a punto de derrumbarse definitivamente. Pero Dios iba a probar que no la había dejado de su mano. Por entonces aparece la renovación benedictina en las dos grandes abadías de Cluny y Gorze, en Borgoña y Lotaringia. San Wolfgang fue uno de los mayores artífices de esa reforma. La clave fue la Regla de San Benito. Su secreto fue trasladar el Evangelio a una regla de vida que permitiese practicarlo en el quehacer de cada día. Las dos ideas centrales son las siguientes: 1) Nihil amori Christi praeponere y, 2) la conversatio morum. “Lo primero significa no anteponer una carrera profesional, el éxito, el poder, el dinero o el favor de los magnates, sino poner el corazón en los humildes, y ejercer la justicia y la bondad en el vivir de cada día. La tradición ha condensado lo segundo en tres ideas: pobreza, castidad y obediencia, o, lo que viene a ser lo mismo, libertad frente a sí mismo, limpieza de corazón, y probidad” . Nuestro tiempo adolece de una carencia terrible de la conversatio morum (cambiar de vida). Las ideologías nos han prometido en vano un nuevo tipo de hombre que ha resultado ser soberbio, mentiroso, corrupto, jactancioso, amante del éxito, intolerante, revoltoso e insumiso. Sólo de Jesús nos viene el verdadero ideal humano. “Como hombre de Jesucristo, San Wolfgang nos invita a que, viviendo conforme a ese modelo de pureza y disciplina interior, nos convirtamos a la justicia, la bondad y la honradez”.

No sé si Leopoldo Mozart le contaría la verdadera historia de San Wolgang a su hijo, pero conociendo un poco al maestro no es probable que le entusiasmara seguir sus pasos. Comprendo mejor que nunca que solo utilizara el nombre al revés de Mozart, en un guiño a la rectitud de la época a todos los niveles, por improbable que debía ser dar la vuelta al nombre del santo, también en todos los sentidos, con permiso de Ratzinger de Ratisbona.

Cuando entré en la región de los lagos, maravillosa expresión de la naturaleza demostrada en setenta ocasiones, estaba dando vueltas en mi cerebro a la experiencia del campo de concentración de Mauthausen, muy cerca de la ciudad de Linz que solo pude visualizarla desde una panorámica distante por la carretera de circunvalación por la que nos dirigíamos a Salzburgo. Martín, el guía-conductor de 21 años, explicó el amor que tenía Hitler a Linz y el silencio fue total. El recorrido por Gmunden, a pie del Traunsee, Altmünster, Ebensee y Bad Ischl, nos condujo a San Wolfgang y San Gielgen, como enclaves que pesan mucho en la historia del compositor. Sobre todo esta última, por ser el pueblo donde nació la madre de Mozart y donde todo está montado en torno a su familia. Allí nos detuvimos el tiempo suficiente para hacer las fotografías de rigor, eso sí, en ausencia de Mozart.

Y llegamos a Salzburgo, con lluvia suficiente como para recorrer esta preciosa ciudad con las dificultades propias de un tiempo diseñado por el enemigo. El objetivo era conocer el lugar en el que nació el maestro. Previamente, visitamos la catedral de San Ruperto y San Virgilio, atravesamos “tanquam felis per prunas” (como gato por ascuas) el cementerio de St. Peter’s, donde se rodaron las dramáticas escenas de la huida en la película “Sonrisas y Lágrimas”, y antes de abandonar el puente sobre el río Salzach, recorrimos la casa natal de Mozart en un espectáculo lamentable de turismo rancio. Era imposible detenerse en cuadros, leyendas y patios. Todo era un río incesante de personas que no veían a Mozart por ninguna parte.

Franz Liszt, compositor extraordinario

El 22 de octubre de 2011 se festeja el bicentenario del nacimiento de Franz Liszt, pianista virtuoso al que ni sus contemporáneos ni la posteridad otorgaron su verdadero valor como compositor.


A finales de 1886, Franz Liszt viajó a Bayreuth, tras recibir una invitación de su hija Cósima, para asistir a las representaciones de Parsifal y Tristán e Isolda, todo un maratón de música para un anciano acatarrado. En medio del fragor wagneriano, lo que empezó siendo tos, acabó convirtiéndose en pulmonía, y hubo de permanecer en cama en una casa situada justo enfrente de Wahnfried, la villa de los Wagner. Así comenzó la agonía del compositor y más grande pianista de su época.


Su hija Cósima apenas tenía tiempo para él. Le hacía llegar chuletas que el enfermo no estaba en condiciones de masticar. Su tataranieta, Nike Wagner, dice: “Fue sencillamente mala suerte haberse ido a morir en Bayreuth. Tendría que haber fallecido en Weimar, Budapest o Roma. En los dominios de su yerno, Richard Wagner, es difícil que se rinda debido tributo a Liszt. Una lástima”.

Después sobrevino la crisis. En algún momento cayó en coma y el 31 de julio a las 23.15 falleció. La noticia de su muerte no se divulgó rápidamente, pues primero había que festejar la clausura del Festival. Sus biógrafos ofrecen amplia información sobre el triste final del maestro, no así de sus primeros años. Nació el 22 de octubre de 1811 en la ciudad de Raiding, que entonces pertenecía a Hungría, aunque la lengua oficial era el alemán. Sus antepasados paternos eran también germanos, húngaros los de la madre. En su modesta casa natal, dos placas recuerdan al maestro, una en húngaro y otra en alemán.

Probablemente, él no se consideraba ni húngaro ni alemán, sino francés. Era un cosmopolita, un hombre europeo. También un hombre inquieto, que viajaba constantemente entre París, Roma, Budapest y Weimar. No fue un niño prodigio. Su padre le obligó a que estudiara. Y aquello funcionó. Nike Wagner opina que “no podemos especular sobre si el padre de Liszt fue un segundo Leopold Mozart. Probablemente fue alguien que deseaba que su hijo realizara todo aquello que no pudo llevar a cabo él mismo. Aunque el pequeño Franz era un muchacho débil, cumplió con todas las obligaciones que su padre le impuso.”

Como pianista, Liszt conquistó el mundo. Junto con Paganini, el increíble violinista del que se decía que había pactado con el diablo –e incluso que era el mismo diablo en forma de músico-, Liszt podría considerarse una especie de estrella del pop de nuestro tiempo. Tuvo romances escandalosos, excesos con el alcohol y el público se volvía histérico durante sus actuaciones. París fue el centro de su existencia, el lugar del que trató de escapar en mitad de su vida, cuando se encontraba cansado de la excesiva estimulación. A finales de la década de 1840, ocupó el puesto de maestro de capilla en Weimar. Más adelante, se retiró a un espartano apartamento del monasterio Virgen del Rosario de Roma. Pero la paz nunca acabó de llegar.

Hay obras muy célebres de Liszt, como su Sueño de amor, las Rapsodias Húngaras, o la monumental Sonata en Si menor. El compositor dijo una vez que quería sembrar la semilla de su arte en el futuro y, probablemente, sea el músico más avanzado de su tiempo. “Todos somos sus discípulos”, dijo Arnold Schönberg, el compositor austríaco, en una ocasión. En el año de su bicentenario, los melómanos tienen ocasión de conocer partituras menos habituales del Liszt. Quizá para ello sirva esta celebración: para descubrir al extraordinario compositor que fue, además de virtuoso pianista.

Polonia: 'Chopin es nuestro'

Polonia.- “Bienvenidos al Aeropuerto Fryderyk Chopin de Varsovia” declara la aeromoza al llegar a la terminal titulada con enormes letras por el nombre del compositor que escribió algunas de las piezas para piano más alabadas alrededor del globo. Pero "Chopin es nuestro", afirma Polonia, eligiéndolo como el símbolo nacional y representante del país ante los turistas extranjeros. Pero decir "Chopin" no suena en lo más mínimo a un apellido polaco, más bien su suave deletreo Frédéric, ¿será francés? pues no, Chopin es polaco —se escribe hoy en el diario británico Telegraph.


Ya que este año se cumple el bicentenario de su natalicio, Polonia está haciendo todos sus esfuerzos por reclamar a tan representativa pieza cultural del país, por lo que las celebraciones del nacimiento del compositor son la mayor prioridad frente a los eventos internacionales encausados al mismo fin.

Aunque no hay duda del origen del compositor polaco y de la influencia de la tradición ‘mazurka’ en sus obras, es sabido que a pesar de nacer en la villa polaca de Zelaowa Wola y haber pasado su infancia en Varsovia, era el vástago de un padre obsesionado con Francia que se mudó a Polonia por requisito de una familia aristocrática para quien trabajaba en Francia —se escribe en el diario británico Telegraph.

Hacia 1831, el compositor dejo su tierra natal y pasó el resto de su corta vida en París, componiendo su ‘refinado y poético repertorio’, además de establecer una relación intensa con el 'escritor' George Sand (pseudónimo de Amandine Aurore, su amante, que era mujer). Haber desarrollado su carrera artística en París, y además ser enterrado en el cementerio de Père Lachaise le sirvieron para crear una ‘reputación francesa’ en las miradas extranjeras. Sin embargo, el corazón de Chopin fue extraído y colocado en una urna que viajó de vuelta a Varsovia en 1849, la cual se preserva en la Iglesia de la Sagrada Cruz.

El reto de Polonia es afirmar la identidad del compositor durante una campaña que se reforzará durante todo el 2010 con el auspicio del Reino Unido a través del Instituto de Cultura Polaca. Por ahora, entre los proyectos en los que Polonia ha invertido se encuentra el nuevo Museo Chopin que se pretende sea inaugurado el día de su cumpleaños, el primero de Marzo. El recinto tuvo un costo de aproximadamente 31 millones de dólares americanos.

El proyecto del Museo es una colaboración entre arquitectos polacos y técnicos de firmas internacionales, como el estudio de diseño italiano Migliore+Servetto y los especialistas del Museo de Bélgica Meyvaert Glass Engineering. El recinto se localiza en el Palacio Ostrogski en el centro de Varsovia.

La Filarmónica de Berlín celebra con Bruckner el centenario de Karajan, el genio que amó y odió

La orquesta Filarmónica de Berlín celebrará el próximo día 5 el centenario del nacimiento de Herbert von Karajan con la V sinfonía de Anton Bruckner, obra de arquitectura musical poliédrica que evoca la relación de amor y odio que tuvo el maestro austríaco con Alemania, con Berlín y con los filarmónicos.


El concierto, que forma parte de una programación en recuerdo de Karajan, estará dirigido por Herbert Blomstedt y no por el titular de la Filarmónica, Simon Rattle, pese a que éste es un admirador declarado de Karajan, cuyo espíritu, dice el británico, "siento flotar en el camerino y me inspira cada noche de concierto".

Del genio musical -y comercial- de Karajan, director durante 34 años de la Filarmónica de Berlín, se ha dicho todo y en estos días de celebraciones, reedición de discos y biografías, la prensa alemana recortó elogios para indagar en la figura del maestro.

¿Quien era Karajan? ¿Hay sombras en su trayectoria profesional y humana? ¿Era perfeccionista o fanático?. La biografía de Karajan arranca en Viena, pero su carrera como director comenzó en Alemania, concretamente en la ciudad bávara de Ulm, a la que trasladó en 1934 para cubrir una vacante de repetidor.

Tras Ulm vendría, un año mas tarde Aquisgrán y en 1937 la Staatsoper unter den Linden de Berlín, donde Karajan se hizo notar con su dirección de la ópera de Richard Wagner Tristan und Isolde. Según la prensa de la época, los elogios al prodigioso joven Karajan fueron captados por los radares del nacionalsocialismo, necesitado de una figura alternativa al desleal Wilhmen Furtwängler, director de la Filarmónica de Berlín y "fetiche" de Joseph Goebbles.

Favorecido por el apoyo de Göring

El mariscal Herman Göring asumió "la tutela" de Karajan y lo nombró maestro repetidor de la Staatsoper unter den Linden, desde donde el joven austríaco, afiliado al partido de Adolf Hitler, abrió un pulso de celos e intrigas con Furtwängler. Las apariciones de Karajan en todo el país se hicieron cada vez más frecuentes, favorecido por el apoyo de Göring y la ausencia de los grandes directores alemanes enviados por los nazis al exilio, entre ellos Erich Kleiber, Fritz Bush y Otto Klemperer.

La negativa de Furtwängler a dirigir la IX sinfonía de Beethoven ante Hitler catapultó al siempre disponible Karajan. No es de extrañar que tras la Segunda Guerra Mundial, Karajan fuera convocado en dos ocasiones por los aliados, quien le castigaron con un año de inhabilitación profesional. Karajan, que nunca quiso hablar de su pasado y relación con los nazis, aprovechó ese año de inhabilitación en Alemania para reforzar su presencia en el extranjero, hasta 1955, cuando tras la muerte de Furtwängler, es invitado por la Filarmónica a sucederle en el podio.

Fue el comienzo de una fructífera relación musical y comercial, un matrimonio perfecto que permitió a la Orquesta Filarmónica desarrollar su virtuosismo y a Karajan experimentar con el sonido en busca de nuevos equilibrios, armonía y belleza perfecta. Hasta 1982, cuando la orquesta rechazó la propuesta de Karajan de acoger a la joven clarinetista Sabine Meyer, negativa que éste interpretó como una falta de lealtad de la orquesta y prueba de que su autoridad y juicio artísticos eran cuestionados.

El caso 'Sabine Meyer'

El caso "Sabine Meyer", que acabó siendo impuesta por Karajan -ésta sólo aguanto el fuego cruzado un año- produjo ríos de tinta y según los documentos de la época dañó de tal manera las relaciones entre los músicos y el director que la fascinación mutuas dieron paso al odio, la intriga y la venganza. Karajan lanzó la primera piedra ausentándose del podio durante dos años, una provocación a la que la Filarmónica respondió revocando el contrato para la grabación de todas las sinfonías de Beethoven, un golpe bajo de consecuencias millonarias.

La crisis, que duró años, superó el límite de lo tolerable para la orquesta y para las autoridades locales después de que Karajan se negara a dirigir la Filarmónica en el concierto inaugural de las celebraciones de Berlín como ciudad cultural de Europa en 1988.Un año más tarde, después de fracasar todos los intentos de conciliación, el maestro presentó su dimisión, un paso sin precedentes en la historia de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Un diario de la época se hizo eco de esa decisión con el título "Caída del Ayatollah", una muestra de la escasa simpatía que sentían los berlineses por el músico, que siempre vivió en un hotel y nunca permaneció en Berlín más de lo estrictamente necesario.

El 16 de julio de 1989, cinco meses después de su dimisión como titular de los filarmónicos, Karajan murió en su casa de Salzburgo a la edad de 81 años.

Un museo alemán exhibirá una carta recién descubierta de Beethoven. En la misiva, el compositor y pianista alemán pide ayuda a Franz Anton Stockhausen para encontrar a un comprador para 'Missa solemnis'

Una carta de Beethoven cuyo paradero se desconocía será presentada el próximo 18 de enero por el Instituto Brahms, anunció este lunes la institución.


La misiva tiene un valor estimado entre 100,000 y 150,000 euros y forma parte de la amplia colección que la pedagoga musical Renate Wirth (1920-2011), bisnieta del destinatario de la carta, dejó en herencia a la asociación del Instituto Brahms, informó su director Wolfgang Sandberger.

En el escrito, fechado en julio de 1823, Beethoven (1770-1827) pide ayuda al compositor y arpista Franz Anton Stockhausen para encontrar un comprador para la partitura de su recién acabada Missa solemnis, considerada por el propio músico una de sus obras más significativas.

La carta, con una extensión de tres páginas —amarillentas y quebradizas por el paso del tiempo— es la pieza más valiosa de la colección que la familia Stockhausen logró salvar de las dos guerras mundiales y que ocupa más de 20 cajas de archivo.

Entre estos objetos de gran valor figuran partituras, ejemplares de ensayo, programas de conciertos, listas manuscritas del repertorio del Joachim-Quartet, quizás el cuarteto más importante de la época de Brahms, álbumes de fotos y una batuta de marfil del músico Julius Stockhausen.

Para el instituto, que no sólo investiga sobre Brahms sino también sobre todos los músicos de su entorno, este legado tiene un valor musicológico enorme, porque es un reflejo del papel que desempeñó la familia Stochkhausen.

El hijo de Franz Anton Stockhausen, Julius (1826-1906), fue cantante y figura clave del género lied alemán, fue el primero en interpretar junto a Brahms (1833-1897) los ciclos completos de Die Winterreise (Viaje de invierno) y Die schöne Müllerin (La bella molinera), del compositor austríaco Franz Schubert.

La carta de Beethoven, enviada cuatro años antes de su muerte a Stockhausen a París, será presentada en el Instituto Brahms, con sede en el Conservatorio Superior de Música de Lübeck, en el norte de Alemania.


Lo más importante:

-La carta tiene un valor estimado de entre 100,000 y 150,000 euros

-En la misiva, Beethoven pide ayuda a Franz Anton Stockhausen para encontrar a un comprador de una partitura
-Encuentra este artículo con: Beethoven, carta, partitura, Missa solemni, Franz Anton Stockhausen, Renate Wirth, Instituto Brahms

Edward Elgar "El primer compositor británico" y una de las principales figuras de la última etapa del movimiento romántico en Europa.

El 2 de junio de 1857 nació en la aldea de Broadheath, cerca de Worcester (Inglaterra), Edward Elgar, el primer compositor británico moderno y una de las principales figuras de la última etapa del movimiento romántico en Europa, cuyas obras corales y orquestales adquirieron fama internacional.
Sir Edward Elgar se mostró superior a sus orígenes humildes convirtiéndose en el compositor más importante del país. Creció rodeado de música. Su padre tenía una tienda en Worcester que vendía instrumentos y partituras musicales y entre su familia y sus amigos formaron varios grupos instrumentales, para los que escribió sus primeras obras. En su juventud desempeñó varios cargos relacionados con la música antes de suceder a su padre como organista de la St. Georges Roman Catholic Church, Worcester, en 1885. A los 29 años, a través de su actividad como profesor de música, conoció a Caroline Alice Roberts, hija de un general, y autora de poesía y prosa de ficción con quien se casó tres años después, contra los deseos de la familia, ofreciéndole como regalo de bodas la breve pieza para violín y piano "Salut d'amour" (Kyung wha chung & Phillip moll).

En 1889 renunció a su cargo para dedicarse por entero a la composición. Vivió temporadas en Londres y en una localidad cercana a Worcester. El estreno de su obertura "Froissart" en 1890, le otorgó popularidad, aunque no se reconoció su gran talento hasta 1899, año en que el director húngaro Hans Richter interpretó en Londre "Variations on a Original Theme". Esta composición, conocida como "Variaciones Enigma" "Nimrod" (New Philharmonia Orchestra & dir. Giuseppe Sinopoli) ya que el tema central nunca se expone con claridad, es una de sus obras más conocidas y admiradas. "El sueño de Geroncio" (1900), basada en un poema de John Henry Newman, se considera la obra maestra de Elgar y lo consagró como compositor. Sus composiciones son un ejemplo del último periodo romántico y muestran la influencia de Richard Wagner y Johannes Brahms. Se caracterizan por su belleza lírica y su forma peculiar.

Sound Of Hope - Arabella Steinbacher in Japan - Teaser

ARABELLA STEINBACHE

La alemana Arabella Steinbacher ha convertido rápidamente en una estrella ascendente en la escena internacional de conciertos, tras su extraordinario debut en París en marzo de 2004, donde interpretó el concierto de violín de Beethoven con la orquesta Filarmónica de Radio France bajo la dirección de Sir Neville Marriner, obteniendo una entusiasta acogida por parte del público y de la crítica.

Desde entonces, ha obtenido muchos éxitos, con importantes orquestas internacionales, entre las que destacan la Filarmónica de Londres y San Petersburgo, la Sinfónica de RTVE de Madrid, Orquesta.

Arabella Steinbacher toca un Booth Stradivarius, Cremona 1716, generosamente ofrecido por la Fundación Nipona de Música.

Lorin Maazel dirige a la Orquesta Filarmónica de Múnich en el festival de música de Colonia

Escúchalo en Festivales de verano este martes a partir de las 20 horas

Participan la soprano Reyna Carguill y el bajo-barítono Patrick Blackwell

El espacio de Radio Clásica Festivales de verano nos traslada, este martes a partir de las 20.00 horas, hasta el festival de música de Colonia para disfrutar del concierto celebrado en la sala de conciertos de la ciudad, el Kölner Philharmonie, el pasado día 8 de julio.


A cargo de la Orquesta Filarmónica de Múnich, dirigida por el aplaudido Lorin Maazel, podremos escuchar varias obras de George Gershwin: la Obertura cubana; una selección de Porgy and Bess, con la participación de la soprano Reyna Carguill y el bajo-barítono Patrick Blackwell, y Un americano en París.

Completa el programa una selección de la Suite del Gran Cañón, del americano

a la amada inmortal-Beethoven

Amó, sufrió y se inspiró en su propio sufrir...sin esperanza.

Tres veces solicitó a diferentes damas en matrimonio, fue rechazado.
No se casó nunca ni tuvo hijos.
Es posible que la Sonata “Claro de luna” esté inspirada en la Condesa Julieta Guicciardi.
Para ella quizás también fue escrita la carta“A la amada inmortal”.

La carta a la Amada inmortal fue encontrada, junto con el Testamento de Heiligenstadt, entre los papeles que dejó Ludwig van Beethoven al morir, en 1827.


La carta está fechada, simplemente, el lunes 6 de julio, sin que figure el año, el lugar ni la destinataria. Esto ha dado lugar a una abundante especulación sobre quién sería la Amada inmortal. En 1795, 1801, 1807, 1812 y 1818 el seis de julio fue lunes, durante la época de la residencia de Beethoven en Viena. Generalmente se acepta que habría sido escrita en 1812, puesto que el compositor se encontraba en el balneario de Teplitz (donde se encontró con Goethe).

Pagina 1


6 de Julio

En la mañana-

Mi ángel, mi todo

mi mismo yo – solo unas pocas

palabras hoy, y en efecto con lápiz

(con el tuyo)

recién mañana se va a decidir definitivamente sobre mis alojamientos

qué inútil perdida

De tiempo - porqué

este profundo dolor, cuando

habla la necesidad -

puede nuestro amor existir, sino

A través del sacrificio -

de no pedir todo del otro

puedes cambiar el hecho, de que tu

no seas completamente mía, yo no

completamente tuyo – Oh Dios -

Pagina 2

Mira la hermosa naturaleza

y consuela tu alma

acerca de lo que debe ser – el amor

lo pide todo y completamente y con razón.

Así es para mi contigo, para ti

conmigo – solo que olvidas

tan fácilmente, que yo debo vivir para mi y

para ti, si estuviéramos

completamente unidos, tu

sentirías este dolor

tan poco como yo -

mi viaje fue aterrador.

Llegué aquí recién a las 4

de ayer a la mañana.

como faltaban caballos,

el cochero eligió otra

ruta pero que

Pagina 3

horrible camino, en la penúltima

posta me advirtieron

acerca de viajar de noche,

tratando de asustarme de un bosque,

pero esto solo

me pareció un desafío – y yo estuve

equivocado, el carruaje tenia

que romperse

en tal terrible ruta,

una ruta de lodo sin fondo

(tachado: y el) sin 2 postil-

lones como tenía, hubiera quedado

atascado en el camino

Esterhazy en la otra

ruta de costumbre

tuvo la misma suerte

con 8 caballos, que yo con

cuatro – de todos modos tuve

alguna satisfacción,

Pagina 4

como siempre, cuando tengo la fortuna

de superar con éxito algo – ahora rápidamente

al interior desde el exterior.

nosotros probablemente nos veremos pronto.

hoy todavía no puedo

transmitirte los pensamientos

que tuve durante estos

pocos días acerca de mi

vida – si estuvieran

nuestros corazones siempre juntos y

unidos, yo por supuesto, no tendría nada que decir

mi corazón esta lleno de tanto

para decirte – Oh - hay

todavía momentos cuando encuentro

que la palabra no es nada

en absoluto - alégrate -

permanece mi fiel y único

tesoro, mi todo, como yo para ti

el resto los dioses deben

comunicarnos lo que deba

ser para nosotros – tu fiel

ludwig -

Pagina 5

Lunes a la tarde, el 6 de Julio -

Estás sufriendo, mi queridísima

criatura – recién ahora me doy cuenta

que las cartas deben ser despachadas

muy temprano en la mañana.

Lunes – Jueves –

los únicos días en los cuales

el correo va de aquí

hasta K – estas sufriendo – Oh donde sea

que estoy, tu estas conmigo.

Me digo a mi y a ti, arregla

para que pueda vivir contigo.

Qué vida!!!! Como es ahora!!!!

Sin ti – Perseguido por

La amabilidad de la gente aquí

y allí, que ni quiero

merecer ni merezco – la humildad

del hombre hacia

el hombre – me lastima

-y cuando me veo a mi mismo

Pagina 6

en el marco

del universo

qué soy yo y que es

El – a Quien uno

llama el Mas Grande –

y aun así – aquí está

otra vez la chispa divina

en el hombre - yo

lloro cuando pienso

que probablemente

no recibas las primeras

noticias de mi hasta

el sábado – por mucho que tu

me ames – yo te amo

hasta mas profundamente pero –

nunca te escondas de

Pagina 7

mi – buenas noches - como

estoy tomando los baños debo irme a

dormir (tachado: o ir con)

(tachado: ir a

tan cerca! tan lejos! no es

nuestro amor un verdadero

edificio celestial –

pero también firme, como

el firmamento –

Buenos días el 7 de Julio -

mientras estoy aun en la cama mis pensamientos

se lanzan a si mismos hacia ti mi

eternamente amada

de a ratos alegres y

entonces otra vez tristes.

esperando al destino.

si este nos otorgará una resolución favorable -

yo puedo solo vivir ya sea

totalmente contigo o no viviré

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Si he resuelto

vagar si rumbo

en la distancia, hasta que

Pueda volar a tus brazos

y pueda considerarme

enteramente en casa contigo

y pueda enviar mi alma

abrazada por ti

al reino del espíritu

si, infortunadamente así debe ser – tu

debes dominarte mas

al conocer mi fidelidad

a ti, nunca puede otra

poseer mi corazón,

nunca, nunca – Oh, Dios porqué

tener que separarse uno mismo ,

de lo que uno ama tanto, y así mi

vida en V (Viena) como es ahora es una

vida miserable - Tu

amor me hace el hombre mas feliz

y el mas infeliz

al mismo tiempo – a mi edad debería

tener cierta estable

regularidad en mi vida - puede

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eso existir en nuestra

relación? -- Ángel, ahora mismo

escucho que el correo

va todos los días

y por lo tanto

debo terminar, de modo que tu

recibirás la C (carta) inmediatamente –

permanece calma, solo a través

de la tranquila contemplación de nuestra

existencia podremos

alcanzar nuestro objetivo

de vivir juntos -

sé paciente – ámame -

hoy – ayer -

Que doloroso anhelo de ti

de ti – de ti -

tu – tu mi

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amor – mi

todo – adiós –

oh, continua

amándome – nunca

juzgues mal el mas fiel

corazón de tu

amado

L

siempre tuyo

siempre mía

siempre nuestro

Chopín, poeta del piano

Si cualquiera que se encuentre en París toma el metro que le deja al pie del cementerio Père Lachaise, encontrará a la salida de la estación que lleva este nombre y en las bocacalles adjacentes un buen número de mujeres y muchachas de aspecto modesto que venden ramilletes de flores. Estas flores, estas violetas, las rosas, las margaritas, la mayoría van a adornar la tumba de Chopín.


El que escribe estas líneas ha visitado dos veces el sepulcro del famoso pianista. La primera vez, delante del pequeño relieve esculpido por Clessinger (yerno de George Sand) que representa a Chopín visto de perfil, había un precioso manojo de flores silvestres; la segunda vez, colgaba en la pequeña reja que protege el sepulcro una rosa hermosísima.

No podía hacer más que unos minutos que una mano piadosa la había colocado allí mientras musitaba una breve plegaria. Pocas biografías de Chopín silencian este detalle: el obsequio de flores frescas a la tumba del famoso músico polaco va sucediéndose día tras día y año tras año. Y es que Chopín es el músico del sentimento, como Wagner es el compositor de la pasión y Beethoven el genio de las multitudes.


Las personas que vibran por las pequeñas cosas de la vida, que se entusiasman contemplando una noche estrellada, que sufren por un ser amado o que gozan de la conversación con espíritus de fina sensibilidad, estas personas comprenden y viven la música de Chopín.   No deja de ser consolador el hecho registrado el año 1949, al celebrarse el primer centenario de la muerte del famoso músico. El mundo moderno, con sus máquinas, su industria, su preocupación por los problemas económicos y sociales y sobre todo por su aferrado materialismo, da la impresión de que ha dejado de ser romántico; lo que equivale a decir que ya no goza de las cosas amables y delicadas de la vida. Por eso, repetimos, fue consolador constatar el número interminable de conferencias, audiciones, conciertos y conmemoraciones que tuvieron lugar en honor y homenaje a Chopín.

Congratulémonos de que el mundo amigo de las artes y, en especial, de la música, haya contribuído a dar el relieve que merecen las composiciones de Chopín. Bajo el punto de vista objetivo, parece que no se trató de una vulgar y burocrática conmemoración cualquiera. Tuvo un especial carácter de emoción colectiva, con la esperanza de aquella saludable reacción por las manifestaciones del alma y de la belleza.   Chopín fue el poeta del piano. Se le da este nombre porque, a la alta calidad estética y musical de sus obras, une la circunstancia de haber escrito la totalidad de sus composiciones para este instrumento.

La copiosa y rica producción se compone de algunos conciertos para piano y orquesta, sonatas y canciones; pero lo que más abunda es el vals, la polonesa, la mazurca, el nocturno, el preludio, los célebres estudios de concierto y otras varias formas de composición, no tan numerosas pero de más calidad, como las baladas y los scherzos.

Hasta hace relativamente poco, las biografías de Chopín arrancaban de su llegada a París, casi un adolescente, de paso por la capital francesa para dar unos conciertos en Londres. Pero recientes gestiones y búsquedas sumamente laboriosas, han arrojado luz sobre su origen y, remontando su árbol genealógico, han aclarado por qué un nombre de fonética tan francesa, fuera polaco y en cierta manera el músico más representativo de esta nación.

Efectivamente, el padre de Chopín nació en Lorena, y Chopín, según los biógrafos, es la versión francesa de Srop, apellido del abuelo paterno. Este se estableció en Francia cuando Leozinski, monarca polaco dueño del ducado de Lorena, instaló allí su residencia.

Aclarado este pequeño detalle de su ascendencia, sabemos ya de cierto que Federico Chopín nació en un pueblo cercano a Varsovia. Su madre se llamaba Justina y su padre Nicolás. De este matrimonio nacieron, además de Federico, único varón, tres niñas más. La menor murió jovencita de la misma enfermedad que después se llevaría al padre y veintidós años más tarde al genial músico: la tuberculosis. Las otras dos hermanas de Chopín alcanzaron una edad más dilatada y ambas tuvieron una posición muy distinguida en la capital.   Chopín nació el día 22 de febrero de 1810 (hay dudas sobre esa fecha y también se cita el 1 de marzo) y fue bautizado en el mismo templo en donde habían contraído matrimonio sus padres.

Aunque la niñez de Chopín transcurrió casi siempre en la capital de su patria, forzosamente tuvieron que impresionarle, durante las vacaciones pasadas en el campo, las danzas de los campesinos y las leyendas de las hadas, bosques y castillos a las que tan inclinada se siente el alma eslava.

Se da el caso que Chopín, que pasó lo mejor de su vida fuera de su patria, nunca se dejó llevar por las corrientes musicales y estéticas de los países que visitó. Ni siquiera claudicó ante las teorías y modismos que privaban entonces en la capital de Francia, convertida, aunque de una manera circunstancial,en su residencia y en su patria adoptiva; y aquí radica el secreto más admirable de su música que nunca dejó de ser auténticamente polaca.

En sus melodías, en la armonización de todas sus obras, se manifiestan las costumbres que, a través de mil guerras y circunstancias adversas, ha sabido guardar celosamente el pueblo polaco.    

Las singulares aptitudes que mostraba Federico durante su niñez, inclinaron decisivamente a sus padres a procurarle serios estudios musicales. Le proporcionaron un buen preceptor en la persona de Elsner, un verdadero maestro que inculcó en su joven discípulo, además de una buena técnica pianística, un acendrado amor a la música polaca. Esto tuvo una enorme influencia para el joven artista, que al cabo de unos pocos años había de ser el músico más característico de su país.

Junto con Elsner, formaron un buen terceto de preceptores el eminente compositor, violinista y organista Kurpinski, y Apollinar Koutski, buen maestro aunque no buen compositor, que era el director del Conservatorio de Varsovia.

Aunque ya llevaba Chopín en su frágil naturaleza los gérmenes de la enfermedad que le condujo al sepulcro, no se puede decir que tuviera una infancia desgraciada. Al lado del amor y solicitud de sus padres, había el cariño que le demostraban sus hermanas Isabel, la mayor, y Luisa, que era la más próxima a su edad. Fue Luisa quien cerró los ojos de Chopín, presentándose en París pocas horas antes de su muerte. Emilia, la más joven, formaba, por decirlo así, un mundo aparte para el pequeño Chopín; murió de tuberculosis a una edad muy temprana y su fallecimiento causó al músico un dolor profundísimo.

Siendo ya Chopín un adolescente, pasaba algunas temporadas con su madre y hermanas en el palacio de la princesa Idalia, que gustaba de la buena música y vio en seguida en el joven unas aptitudes sobresalientes. Por mediación de esta princesa frecuentó lo más selecto de la sociedad polaca del momento. Aquella sociedad tuvo una influencia decisiva en el alma de Chopín; educado en un ambiente de fe católica y con un sentimiento patriótico exacerbado por la dura ocupación rusa, se avivaron las esencias radicales de su fantasía juvenil y fueron prodigiosa semilla que había de germinar al cabo de poco tiempo en forma de inspiradas melodías y ritmos caballerescos que son el espíritu de sus Nocturnos, Mazurkas, Polonesas, etc.

Corría el año 1825 cuando Chopín se dispuso a iniciar algunas giras artísticas.