Cantata BWV 169, Bach

Según el premio Nobel Albert Schweitzer, el más influyente de los biógrafos de Bach, el maestro siempre que pudo eligió los otoños para salir de viaje, siempre a no más allá de unas pocas leguas (Halle, Dresde,…) y que normalmente aprovechaba para conocer músicos, afinar órganos o brindar recitales para los que era requerido tan pronto como se conocía su presencia en su lugar de destino. Esta costumbre la mantuvo en sus años de Leipzig a partir de que comenzó a controlar a aquel concejo de retrógrados de cuyo puño y letra nunca salió en toda la vida de su cantor una sola frase de felicitación o

agradecimiento.

Y no era que verdaderamente no necesitara descansos periódicos el maestro. Recojo de Eric Siblin un resumen que incluye en su monografía sobre las suites para violonchelo (2010-Turner Música): “Entre las competencias de su nuevo puesto [en Leipzig] estaba la de impartir lecciones de música y otras materias a los alumnos de último curso de la Thomaschule, dirigir los coros cada dos domingos en cada una de las dos iglesias de laciudad, así como hacerse cargo de los instrumentos y de todo el material relacionado con las actuaciones musicales. También estaba obligado a dirigir la música en bodas y en funerales tarea por la que aceptaba de muy buen grado que se le pagara aparte.” El propio Schweitzer en su “Bach, el músico poeta” (1904/1955-Ricordi Buenos Aires) describe: “Al leer las actas de las deliberaciones que precedieron a su nombramiento no se puede evitar una sonrisa. Un hombre de su valor estaba imposibilitado de salir de la ciudad sin el permiso del burgomaestre-regente de Leipzig; debía asistir a las procesiones fúnebres y caminar al lado de los coristas de la Thomaskirche que eran los encargados de cantar el coral o el motete. Además se le encomendaba ‘arreglar la música de los oficios de la iglesia de modo que sea corta y no se asemeje a las óperas’”. Y más adelante: “La tarea diaria no era demasiado absorbente. Bach daba todos los días, excepto el jueves, una lección de canto entre las doce y las trece horas. El sábado por la tarde ensayaba la cantata del domingo, (añado yo, Perea, que esa cantata la había ido componiendo precisamente esos jueves en los que no daba clase) día en que dirigía los coros ya en Santo Tomás, ya en San Nicolás”. Y finaliza el biógrafo: “Esto era todo y el compositor aprovechaba los abundantes ocios del profesor”. Esto es lo que le pasa a uno cuando tiene como biógrafo a un hiperactivo cuasi patológico como el médico, filósofo, organista, musicólogo y teólogo, entre otras cosas, Albert Schweitzer.

Por eso hay que comprender que Bach en 1726 reutilizase materiales de trabajos suyos anteriores para componer la cantata del domingo de hoy, decimoctavo después de la Trinidad, a la que el BWV adjudica el número de cantata 169, “Gott soll allein mein Herze haben” (“Sólo Dios tendrá mi corazón”). Más concretamente, el maestro inicia la cantata con una sinfonía, es decir, un movimiento sin cantores, que reproduce casi exactamente su concierto para clave en Mi mayor BWV 1053, sustituyendo el clave solista por un órgano obligado. Citas textuales de ese concierto aparecen también en otros fragmentos a lo largo del resto de la cantata.

Sea cual sea su origen, a mí me parece extraordinariamente bella esa sinfonía, y por eso la he elegido como ilustración para mi entrada de hoy. En el vídeo escuchamos al conjunto radicado en Atlanta (Georgia, USA) New Trinity Baroque, unos magníficos especialistas, bajo la dirección de su fundador y director (al que podemos ver medio escondido detrás de un tabique tecleando el clave del continuo), el serbio Predrag Gosta. El órgano solista corre a cargo de Brad Hughley.

Viena, ciudad de la Música

Viena es célebre por su historia y los restos que alberga del importantísimo Imperio Austrohúngaro. Todos la recordamos como una ciudad majestuosa por la leyenda de la magnificente emperatriz Sisi y resulta fácil reconocer su tradición musical por cosas como ser la cuna de Mozart, los populares niños cantores de Viena o sus Conciertos de Año Nuevo.


Pero más allá de tan conocido bagage músical, allí encontramos un lugar donde los mismos oídos, junto con el resto de sentidos, no dejarán de sorprenderse. Dentro del Palacio Histórico, la Casa de la Música, se erige como el lugar ideal para descubrir el universo de los fenómenos de los sonidos.


Espacios lúdicos provistos de la más alta tecnología que dan rienda suelta a los deseos más surrealistas que se quieran experimentar: allí, la música dejará de ser sólo para escucharla y cualquier tono o sonido puede ser visto, sentido e incluso producido a voluntad.

Este maravilloso lugar que sin duda vale la pena conocer, es una clara apuesta por el conocimiento y la comprensión de la música y los sonidos y pretende potenciar el entusiasmo y la participación interactiva de unos visitantes de mente abierta que promete estimular. Algo así como un museo interactivo del sonido que proporciona un nuevo acercamiento a la música a un nivel tan lúdico como científico.

Descubren una partitura de Mozart para piano inédita.

   

Una partitura para piano hasta ahora desconocida de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) ha sido descubierta y será interpretada el 23 de marzo en la ciudad austríaca de Salzburgo, informó hoy la fundación Mozarteum.

El investigador austríaco Hildegard Herrmann-Schenider encontró la partitura en el Tirol austríaco, incluida en un libro de notas, cuando trabajaba en documentar fuentes musicales antiguas de la región.

La partitura está explícitamente atribuida a Mozart, aunque fue manuscrita por un copista tirolés, según la fundación que cuida el legado del afamado compositor.

La nueva pieza será interpretada en su presentación al público el próximo 23 de marzo a las 11.00 de la mañana (10.00 GMT) en la casa en la que vivió el músico en Salzburgo.

Mozarteum no ha revelado la duración de la pieza ni ninguna otra característica de la partitura.

Ya en 2009 la fundación revisó la autoría de dos composiciones en su archivo de 1763-64, consideradas hasta entonces obras anónimas, y que fueron producto del ingenio musical del entonces niño prodigio, que las compuso cuando sólo tenía entre 7 y 8 años.

Fundada en 1880, la fundación Mozarteum (www.mozarteum.at), con sede en Salzburgo, se dedica a preservar e investigar científicamente la vida y obra de Mozart.

Con un legado de más de 600 obras en su corta vida, Mozart, nacido en 1756 en Salzburgo y fallecido en 1791 en Viena, empezó a componer a los 5 años.

Crónicas de Viena San Wolfgang y San Gielgen

No es cuestión de santoral. Me refiero a dos lugares que he conocido camino de Salzburgo (la ciudad de la sal), con las expectativas muy altas en busca de contenidos gratificantes en la ciudad natal de Mozart. San Wolfgang, con una parroquia que lleva el nombre de este obispo de Ratisbona, porque de este santo recibió Mozart el nombre en su bautismo, con un significado nada alentador: “que camina como el lobo”, aunque con encanto benedictino se diga en palabras puestas en boca del santo que “solo corría detrás de las ovejas para alimentarlas, no para matarlas” [sic], y San Gielgen, ciudad natal de la madre de Mozart, que pude visitar de forma más detallada, donde se venera a San Egidio.

He comprendido mejor que nunca por qué se le agregó Amadeus a su primer nombre de pila, como sano equilibrio ante un nombre inquietante en sí mismo y no por la popularidad del santo, del que el actual Papa ha llegado a decir que “San Wolfgang vivió en el llamado saeculum obscurum, siglo de oscuridad. El Papado, en Roma, estaba a merced de la nobleza romana, en un tiempo de anarquía originada por las invasiones de los bárbaros. En Alemania, los obispos eran, a su vez, príncipes territoriales, y muchas veces actuaban como tales, sin que apareciera la humildad característica del oficio sacerdotal. Ante tales circunstancias parecía que la Iglesia estaba a punto de derrumbarse definitivamente. Pero Dios iba a probar que no la había dejado de su mano. Por entonces aparece la renovación benedictina en las dos grandes abadías de Cluny y Gorze, en Borgoña y Lotaringia. San Wolfgang fue uno de los mayores artífices de esa reforma. La clave fue la Regla de San Benito. Su secreto fue trasladar el Evangelio a una regla de vida que permitiese practicarlo en el quehacer de cada día. Las dos ideas centrales son las siguientes: 1) Nihil amori Christi praeponere y, 2) la conversatio morum. “Lo primero significa no anteponer una carrera profesional, el éxito, el poder, el dinero o el favor de los magnates, sino poner el corazón en los humildes, y ejercer la justicia y la bondad en el vivir de cada día. La tradición ha condensado lo segundo en tres ideas: pobreza, castidad y obediencia, o, lo que viene a ser lo mismo, libertad frente a sí mismo, limpieza de corazón, y probidad” . Nuestro tiempo adolece de una carencia terrible de la conversatio morum (cambiar de vida). Las ideologías nos han prometido en vano un nuevo tipo de hombre que ha resultado ser soberbio, mentiroso, corrupto, jactancioso, amante del éxito, intolerante, revoltoso e insumiso. Sólo de Jesús nos viene el verdadero ideal humano. “Como hombre de Jesucristo, San Wolfgang nos invita a que, viviendo conforme a ese modelo de pureza y disciplina interior, nos convirtamos a la justicia, la bondad y la honradez”.

No sé si Leopoldo Mozart le contaría la verdadera historia de San Wolgang a su hijo, pero conociendo un poco al maestro no es probable que le entusiasmara seguir sus pasos. Comprendo mejor que nunca que solo utilizara el nombre al revés de Mozart, en un guiño a la rectitud de la época a todos los niveles, por improbable que debía ser dar la vuelta al nombre del santo, también en todos los sentidos, con permiso de Ratzinger de Ratisbona.

Cuando entré en la región de los lagos, maravillosa expresión de la naturaleza demostrada en setenta ocasiones, estaba dando vueltas en mi cerebro a la experiencia del campo de concentración de Mauthausen, muy cerca de la ciudad de Linz que solo pude visualizarla desde una panorámica distante por la carretera de circunvalación por la que nos dirigíamos a Salzburgo. Martín, el guía-conductor de 21 años, explicó el amor que tenía Hitler a Linz y el silencio fue total. El recorrido por Gmunden, a pie del Traunsee, Altmünster, Ebensee y Bad Ischl, nos condujo a San Wolfgang y San Gielgen, como enclaves que pesan mucho en la historia del compositor. Sobre todo esta última, por ser el pueblo donde nació la madre de Mozart y donde todo está montado en torno a su familia. Allí nos detuvimos el tiempo suficiente para hacer las fotografías de rigor, eso sí, en ausencia de Mozart.

Y llegamos a Salzburgo, con lluvia suficiente como para recorrer esta preciosa ciudad con las dificultades propias de un tiempo diseñado por el enemigo. El objetivo era conocer el lugar en el que nació el maestro. Previamente, visitamos la catedral de San Ruperto y San Virgilio, atravesamos “tanquam felis per prunas” (como gato por ascuas) el cementerio de St. Peter’s, donde se rodaron las dramáticas escenas de la huida en la película “Sonrisas y Lágrimas”, y antes de abandonar el puente sobre el río Salzach, recorrimos la casa natal de Mozart en un espectáculo lamentable de turismo rancio. Era imposible detenerse en cuadros, leyendas y patios. Todo era un río incesante de personas que no veían a Mozart por ninguna parte.

Franz Liszt, compositor extraordinario

El 22 de octubre de 2011 se festeja el bicentenario del nacimiento de Franz Liszt, pianista virtuoso al que ni sus contemporáneos ni la posteridad otorgaron su verdadero valor como compositor.


A finales de 1886, Franz Liszt viajó a Bayreuth, tras recibir una invitación de su hija Cósima, para asistir a las representaciones de Parsifal y Tristán e Isolda, todo un maratón de música para un anciano acatarrado. En medio del fragor wagneriano, lo que empezó siendo tos, acabó convirtiéndose en pulmonía, y hubo de permanecer en cama en una casa situada justo enfrente de Wahnfried, la villa de los Wagner. Así comenzó la agonía del compositor y más grande pianista de su época.


Su hija Cósima apenas tenía tiempo para él. Le hacía llegar chuletas que el enfermo no estaba en condiciones de masticar. Su tataranieta, Nike Wagner, dice: “Fue sencillamente mala suerte haberse ido a morir en Bayreuth. Tendría que haber fallecido en Weimar, Budapest o Roma. En los dominios de su yerno, Richard Wagner, es difícil que se rinda debido tributo a Liszt. Una lástima”.

Después sobrevino la crisis. En algún momento cayó en coma y el 31 de julio a las 23.15 falleció. La noticia de su muerte no se divulgó rápidamente, pues primero había que festejar la clausura del Festival. Sus biógrafos ofrecen amplia información sobre el triste final del maestro, no así de sus primeros años. Nació el 22 de octubre de 1811 en la ciudad de Raiding, que entonces pertenecía a Hungría, aunque la lengua oficial era el alemán. Sus antepasados paternos eran también germanos, húngaros los de la madre. En su modesta casa natal, dos placas recuerdan al maestro, una en húngaro y otra en alemán.

Probablemente, él no se consideraba ni húngaro ni alemán, sino francés. Era un cosmopolita, un hombre europeo. También un hombre inquieto, que viajaba constantemente entre París, Roma, Budapest y Weimar. No fue un niño prodigio. Su padre le obligó a que estudiara. Y aquello funcionó. Nike Wagner opina que “no podemos especular sobre si el padre de Liszt fue un segundo Leopold Mozart. Probablemente fue alguien que deseaba que su hijo realizara todo aquello que no pudo llevar a cabo él mismo. Aunque el pequeño Franz era un muchacho débil, cumplió con todas las obligaciones que su padre le impuso.”

Como pianista, Liszt conquistó el mundo. Junto con Paganini, el increíble violinista del que se decía que había pactado con el diablo –e incluso que era el mismo diablo en forma de músico-, Liszt podría considerarse una especie de estrella del pop de nuestro tiempo. Tuvo romances escandalosos, excesos con el alcohol y el público se volvía histérico durante sus actuaciones. París fue el centro de su existencia, el lugar del que trató de escapar en mitad de su vida, cuando se encontraba cansado de la excesiva estimulación. A finales de la década de 1840, ocupó el puesto de maestro de capilla en Weimar. Más adelante, se retiró a un espartano apartamento del monasterio Virgen del Rosario de Roma. Pero la paz nunca acabó de llegar.

Hay obras muy célebres de Liszt, como su Sueño de amor, las Rapsodias Húngaras, o la monumental Sonata en Si menor. El compositor dijo una vez que quería sembrar la semilla de su arte en el futuro y, probablemente, sea el músico más avanzado de su tiempo. “Todos somos sus discípulos”, dijo Arnold Schönberg, el compositor austríaco, en una ocasión. En el año de su bicentenario, los melómanos tienen ocasión de conocer partituras menos habituales del Liszt. Quizá para ello sirva esta celebración: para descubrir al extraordinario compositor que fue, además de virtuoso pianista.

Polonia: 'Chopin es nuestro'

Polonia.- “Bienvenidos al Aeropuerto Fryderyk Chopin de Varsovia” declara la aeromoza al llegar a la terminal titulada con enormes letras por el nombre del compositor que escribió algunas de las piezas para piano más alabadas alrededor del globo. Pero "Chopin es nuestro", afirma Polonia, eligiéndolo como el símbolo nacional y representante del país ante los turistas extranjeros. Pero decir "Chopin" no suena en lo más mínimo a un apellido polaco, más bien su suave deletreo Frédéric, ¿será francés? pues no, Chopin es polaco —se escribe hoy en el diario británico Telegraph.


Ya que este año se cumple el bicentenario de su natalicio, Polonia está haciendo todos sus esfuerzos por reclamar a tan representativa pieza cultural del país, por lo que las celebraciones del nacimiento del compositor son la mayor prioridad frente a los eventos internacionales encausados al mismo fin.

Aunque no hay duda del origen del compositor polaco y de la influencia de la tradición ‘mazurka’ en sus obras, es sabido que a pesar de nacer en la villa polaca de Zelaowa Wola y haber pasado su infancia en Varsovia, era el vástago de un padre obsesionado con Francia que se mudó a Polonia por requisito de una familia aristocrática para quien trabajaba en Francia —se escribe en el diario británico Telegraph.

Hacia 1831, el compositor dejo su tierra natal y pasó el resto de su corta vida en París, componiendo su ‘refinado y poético repertorio’, además de establecer una relación intensa con el 'escritor' George Sand (pseudónimo de Amandine Aurore, su amante, que era mujer). Haber desarrollado su carrera artística en París, y además ser enterrado en el cementerio de Père Lachaise le sirvieron para crear una ‘reputación francesa’ en las miradas extranjeras. Sin embargo, el corazón de Chopin fue extraído y colocado en una urna que viajó de vuelta a Varsovia en 1849, la cual se preserva en la Iglesia de la Sagrada Cruz.

El reto de Polonia es afirmar la identidad del compositor durante una campaña que se reforzará durante todo el 2010 con el auspicio del Reino Unido a través del Instituto de Cultura Polaca. Por ahora, entre los proyectos en los que Polonia ha invertido se encuentra el nuevo Museo Chopin que se pretende sea inaugurado el día de su cumpleaños, el primero de Marzo. El recinto tuvo un costo de aproximadamente 31 millones de dólares americanos.

El proyecto del Museo es una colaboración entre arquitectos polacos y técnicos de firmas internacionales, como el estudio de diseño italiano Migliore+Servetto y los especialistas del Museo de Bélgica Meyvaert Glass Engineering. El recinto se localiza en el Palacio Ostrogski en el centro de Varsovia.

La Filarmónica de Berlín celebra con Bruckner el centenario de Karajan, el genio que amó y odió

La orquesta Filarmónica de Berlín celebrará el próximo día 5 el centenario del nacimiento de Herbert von Karajan con la V sinfonía de Anton Bruckner, obra de arquitectura musical poliédrica que evoca la relación de amor y odio que tuvo el maestro austríaco con Alemania, con Berlín y con los filarmónicos.


El concierto, que forma parte de una programación en recuerdo de Karajan, estará dirigido por Herbert Blomstedt y no por el titular de la Filarmónica, Simon Rattle, pese a que éste es un admirador declarado de Karajan, cuyo espíritu, dice el británico, "siento flotar en el camerino y me inspira cada noche de concierto".

Del genio musical -y comercial- de Karajan, director durante 34 años de la Filarmónica de Berlín, se ha dicho todo y en estos días de celebraciones, reedición de discos y biografías, la prensa alemana recortó elogios para indagar en la figura del maestro.

¿Quien era Karajan? ¿Hay sombras en su trayectoria profesional y humana? ¿Era perfeccionista o fanático?. La biografía de Karajan arranca en Viena, pero su carrera como director comenzó en Alemania, concretamente en la ciudad bávara de Ulm, a la que trasladó en 1934 para cubrir una vacante de repetidor.

Tras Ulm vendría, un año mas tarde Aquisgrán y en 1937 la Staatsoper unter den Linden de Berlín, donde Karajan se hizo notar con su dirección de la ópera de Richard Wagner Tristan und Isolde. Según la prensa de la época, los elogios al prodigioso joven Karajan fueron captados por los radares del nacionalsocialismo, necesitado de una figura alternativa al desleal Wilhmen Furtwängler, director de la Filarmónica de Berlín y "fetiche" de Joseph Goebbles.

Favorecido por el apoyo de Göring

El mariscal Herman Göring asumió "la tutela" de Karajan y lo nombró maestro repetidor de la Staatsoper unter den Linden, desde donde el joven austríaco, afiliado al partido de Adolf Hitler, abrió un pulso de celos e intrigas con Furtwängler. Las apariciones de Karajan en todo el país se hicieron cada vez más frecuentes, favorecido por el apoyo de Göring y la ausencia de los grandes directores alemanes enviados por los nazis al exilio, entre ellos Erich Kleiber, Fritz Bush y Otto Klemperer.

La negativa de Furtwängler a dirigir la IX sinfonía de Beethoven ante Hitler catapultó al siempre disponible Karajan. No es de extrañar que tras la Segunda Guerra Mundial, Karajan fuera convocado en dos ocasiones por los aliados, quien le castigaron con un año de inhabilitación profesional. Karajan, que nunca quiso hablar de su pasado y relación con los nazis, aprovechó ese año de inhabilitación en Alemania para reforzar su presencia en el extranjero, hasta 1955, cuando tras la muerte de Furtwängler, es invitado por la Filarmónica a sucederle en el podio.

Fue el comienzo de una fructífera relación musical y comercial, un matrimonio perfecto que permitió a la Orquesta Filarmónica desarrollar su virtuosismo y a Karajan experimentar con el sonido en busca de nuevos equilibrios, armonía y belleza perfecta. Hasta 1982, cuando la orquesta rechazó la propuesta de Karajan de acoger a la joven clarinetista Sabine Meyer, negativa que éste interpretó como una falta de lealtad de la orquesta y prueba de que su autoridad y juicio artísticos eran cuestionados.

El caso 'Sabine Meyer'

El caso "Sabine Meyer", que acabó siendo impuesta por Karajan -ésta sólo aguanto el fuego cruzado un año- produjo ríos de tinta y según los documentos de la época dañó de tal manera las relaciones entre los músicos y el director que la fascinación mutuas dieron paso al odio, la intriga y la venganza. Karajan lanzó la primera piedra ausentándose del podio durante dos años, una provocación a la que la Filarmónica respondió revocando el contrato para la grabación de todas las sinfonías de Beethoven, un golpe bajo de consecuencias millonarias.

La crisis, que duró años, superó el límite de lo tolerable para la orquesta y para las autoridades locales después de que Karajan se negara a dirigir la Filarmónica en el concierto inaugural de las celebraciones de Berlín como ciudad cultural de Europa en 1988.Un año más tarde, después de fracasar todos los intentos de conciliación, el maestro presentó su dimisión, un paso sin precedentes en la historia de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Un diario de la época se hizo eco de esa decisión con el título "Caída del Ayatollah", una muestra de la escasa simpatía que sentían los berlineses por el músico, que siempre vivió en un hotel y nunca permaneció en Berlín más de lo estrictamente necesario.

El 16 de julio de 1989, cinco meses después de su dimisión como titular de los filarmónicos, Karajan murió en su casa de Salzburgo a la edad de 81 años.

Un museo alemán exhibirá una carta recién descubierta de Beethoven. En la misiva, el compositor y pianista alemán pide ayuda a Franz Anton Stockhausen para encontrar a un comprador para 'Missa solemnis'

Una carta de Beethoven cuyo paradero se desconocía será presentada el próximo 18 de enero por el Instituto Brahms, anunció este lunes la institución.


La misiva tiene un valor estimado entre 100,000 y 150,000 euros y forma parte de la amplia colección que la pedagoga musical Renate Wirth (1920-2011), bisnieta del destinatario de la carta, dejó en herencia a la asociación del Instituto Brahms, informó su director Wolfgang Sandberger.

En el escrito, fechado en julio de 1823, Beethoven (1770-1827) pide ayuda al compositor y arpista Franz Anton Stockhausen para encontrar un comprador para la partitura de su recién acabada Missa solemnis, considerada por el propio músico una de sus obras más significativas.

La carta, con una extensión de tres páginas —amarillentas y quebradizas por el paso del tiempo— es la pieza más valiosa de la colección que la familia Stockhausen logró salvar de las dos guerras mundiales y que ocupa más de 20 cajas de archivo.

Entre estos objetos de gran valor figuran partituras, ejemplares de ensayo, programas de conciertos, listas manuscritas del repertorio del Joachim-Quartet, quizás el cuarteto más importante de la época de Brahms, álbumes de fotos y una batuta de marfil del músico Julius Stockhausen.

Para el instituto, que no sólo investiga sobre Brahms sino también sobre todos los músicos de su entorno, este legado tiene un valor musicológico enorme, porque es un reflejo del papel que desempeñó la familia Stochkhausen.

El hijo de Franz Anton Stockhausen, Julius (1826-1906), fue cantante y figura clave del género lied alemán, fue el primero en interpretar junto a Brahms (1833-1897) los ciclos completos de Die Winterreise (Viaje de invierno) y Die schöne Müllerin (La bella molinera), del compositor austríaco Franz Schubert.

La carta de Beethoven, enviada cuatro años antes de su muerte a Stockhausen a París, será presentada en el Instituto Brahms, con sede en el Conservatorio Superior de Música de Lübeck, en el norte de Alemania.


Lo más importante:

-La carta tiene un valor estimado de entre 100,000 y 150,000 euros

-En la misiva, Beethoven pide ayuda a Franz Anton Stockhausen para encontrar a un comprador de una partitura
-Encuentra este artículo con: Beethoven, carta, partitura, Missa solemni, Franz Anton Stockhausen, Renate Wirth, Instituto Brahms

Edward Elgar "El primer compositor británico" y una de las principales figuras de la última etapa del movimiento romántico en Europa.

El 2 de junio de 1857 nació en la aldea de Broadheath, cerca de Worcester (Inglaterra), Edward Elgar, el primer compositor británico moderno y una de las principales figuras de la última etapa del movimiento romántico en Europa, cuyas obras corales y orquestales adquirieron fama internacional.
Sir Edward Elgar se mostró superior a sus orígenes humildes convirtiéndose en el compositor más importante del país. Creció rodeado de música. Su padre tenía una tienda en Worcester que vendía instrumentos y partituras musicales y entre su familia y sus amigos formaron varios grupos instrumentales, para los que escribió sus primeras obras. En su juventud desempeñó varios cargos relacionados con la música antes de suceder a su padre como organista de la St. Georges Roman Catholic Church, Worcester, en 1885. A los 29 años, a través de su actividad como profesor de música, conoció a Caroline Alice Roberts, hija de un general, y autora de poesía y prosa de ficción con quien se casó tres años después, contra los deseos de la familia, ofreciéndole como regalo de bodas la breve pieza para violín y piano "Salut d'amour" (Kyung wha chung & Phillip moll).

En 1889 renunció a su cargo para dedicarse por entero a la composición. Vivió temporadas en Londres y en una localidad cercana a Worcester. El estreno de su obertura "Froissart" en 1890, le otorgó popularidad, aunque no se reconoció su gran talento hasta 1899, año en que el director húngaro Hans Richter interpretó en Londre "Variations on a Original Theme". Esta composición, conocida como "Variaciones Enigma" "Nimrod" (New Philharmonia Orchestra & dir. Giuseppe Sinopoli) ya que el tema central nunca se expone con claridad, es una de sus obras más conocidas y admiradas. "El sueño de Geroncio" (1900), basada en un poema de John Henry Newman, se considera la obra maestra de Elgar y lo consagró como compositor. Sus composiciones son un ejemplo del último periodo romántico y muestran la influencia de Richard Wagner y Johannes Brahms. Se caracterizan por su belleza lírica y su forma peculiar.

Sound Of Hope - Arabella Steinbacher in Japan - Teaser

ARABELLA STEINBACHE

La alemana Arabella Steinbacher ha convertido rápidamente en una estrella ascendente en la escena internacional de conciertos, tras su extraordinario debut en París en marzo de 2004, donde interpretó el concierto de violín de Beethoven con la orquesta Filarmónica de Radio France bajo la dirección de Sir Neville Marriner, obteniendo una entusiasta acogida por parte del público y de la crítica.

Desde entonces, ha obtenido muchos éxitos, con importantes orquestas internacionales, entre las que destacan la Filarmónica de Londres y San Petersburgo, la Sinfónica de RTVE de Madrid, Orquesta.

Arabella Steinbacher toca un Booth Stradivarius, Cremona 1716, generosamente ofrecido por la Fundación Nipona de Música.

Lorin Maazel dirige a la Orquesta Filarmónica de Múnich en el festival de música de Colonia

Escúchalo en Festivales de verano este martes a partir de las 20 horas

Participan la soprano Reyna Carguill y el bajo-barítono Patrick Blackwell

El espacio de Radio Clásica Festivales de verano nos traslada, este martes a partir de las 20.00 horas, hasta el festival de música de Colonia para disfrutar del concierto celebrado en la sala de conciertos de la ciudad, el Kölner Philharmonie, el pasado día 8 de julio.


A cargo de la Orquesta Filarmónica de Múnich, dirigida por el aplaudido Lorin Maazel, podremos escuchar varias obras de George Gershwin: la Obertura cubana; una selección de Porgy and Bess, con la participación de la soprano Reyna Carguill y el bajo-barítono Patrick Blackwell, y Un americano en París.

Completa el programa una selección de la Suite del Gran Cañón, del americano

a la amada inmortal-Beethoven

Amó, sufrió y se inspiró en su propio sufrir...sin esperanza.

Tres veces solicitó a diferentes damas en matrimonio, fue rechazado.
No se casó nunca ni tuvo hijos.
Es posible que la Sonata “Claro de luna” esté inspirada en la Condesa Julieta Guicciardi.
Para ella quizás también fue escrita la carta“A la amada inmortal”.

La carta a la Amada inmortal fue encontrada, junto con el Testamento de Heiligenstadt, entre los papeles que dejó Ludwig van Beethoven al morir, en 1827.


La carta está fechada, simplemente, el lunes 6 de julio, sin que figure el año, el lugar ni la destinataria. Esto ha dado lugar a una abundante especulación sobre quién sería la Amada inmortal. En 1795, 1801, 1807, 1812 y 1818 el seis de julio fue lunes, durante la época de la residencia de Beethoven en Viena. Generalmente se acepta que habría sido escrita en 1812, puesto que el compositor se encontraba en el balneario de Teplitz (donde se encontró con Goethe).

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6 de Julio

En la mañana-

Mi ángel, mi todo

mi mismo yo – solo unas pocas

palabras hoy, y en efecto con lápiz

(con el tuyo)

recién mañana se va a decidir definitivamente sobre mis alojamientos

qué inútil perdida

De tiempo - porqué

este profundo dolor, cuando

habla la necesidad -

puede nuestro amor existir, sino

A través del sacrificio -

de no pedir todo del otro

puedes cambiar el hecho, de que tu

no seas completamente mía, yo no

completamente tuyo – Oh Dios -

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Mira la hermosa naturaleza

y consuela tu alma

acerca de lo que debe ser – el amor

lo pide todo y completamente y con razón.

Así es para mi contigo, para ti

conmigo – solo que olvidas

tan fácilmente, que yo debo vivir para mi y

para ti, si estuviéramos

completamente unidos, tu

sentirías este dolor

tan poco como yo -

mi viaje fue aterrador.

Llegué aquí recién a las 4

de ayer a la mañana.

como faltaban caballos,

el cochero eligió otra

ruta pero que

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horrible camino, en la penúltima

posta me advirtieron

acerca de viajar de noche,

tratando de asustarme de un bosque,

pero esto solo

me pareció un desafío – y yo estuve

equivocado, el carruaje tenia

que romperse

en tal terrible ruta,

una ruta de lodo sin fondo

(tachado: y el) sin 2 postil-

lones como tenía, hubiera quedado

atascado en el camino

Esterhazy en la otra

ruta de costumbre

tuvo la misma suerte

con 8 caballos, que yo con

cuatro – de todos modos tuve

alguna satisfacción,

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como siempre, cuando tengo la fortuna

de superar con éxito algo – ahora rápidamente

al interior desde el exterior.

nosotros probablemente nos veremos pronto.

hoy todavía no puedo

transmitirte los pensamientos

que tuve durante estos

pocos días acerca de mi

vida – si estuvieran

nuestros corazones siempre juntos y

unidos, yo por supuesto, no tendría nada que decir

mi corazón esta lleno de tanto

para decirte – Oh - hay

todavía momentos cuando encuentro

que la palabra no es nada

en absoluto - alégrate -

permanece mi fiel y único

tesoro, mi todo, como yo para ti

el resto los dioses deben

comunicarnos lo que deba

ser para nosotros – tu fiel

ludwig -

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Lunes a la tarde, el 6 de Julio -

Estás sufriendo, mi queridísima

criatura – recién ahora me doy cuenta

que las cartas deben ser despachadas

muy temprano en la mañana.

Lunes – Jueves –

los únicos días en los cuales

el correo va de aquí

hasta K – estas sufriendo – Oh donde sea

que estoy, tu estas conmigo.

Me digo a mi y a ti, arregla

para que pueda vivir contigo.

Qué vida!!!! Como es ahora!!!!

Sin ti – Perseguido por

La amabilidad de la gente aquí

y allí, que ni quiero

merecer ni merezco – la humildad

del hombre hacia

el hombre – me lastima

-y cuando me veo a mi mismo

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en el marco

del universo

qué soy yo y que es

El – a Quien uno

llama el Mas Grande –

y aun así – aquí está

otra vez la chispa divina

en el hombre - yo

lloro cuando pienso

que probablemente

no recibas las primeras

noticias de mi hasta

el sábado – por mucho que tu

me ames – yo te amo

hasta mas profundamente pero –

nunca te escondas de

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mi – buenas noches - como

estoy tomando los baños debo irme a

dormir (tachado: o ir con)

(tachado: ir a

tan cerca! tan lejos! no es

nuestro amor un verdadero

edificio celestial –

pero también firme, como

el firmamento –

Buenos días el 7 de Julio -

mientras estoy aun en la cama mis pensamientos

se lanzan a si mismos hacia ti mi

eternamente amada

de a ratos alegres y

entonces otra vez tristes.

esperando al destino.

si este nos otorgará una resolución favorable -

yo puedo solo vivir ya sea

totalmente contigo o no viviré

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Si he resuelto

vagar si rumbo

en la distancia, hasta que

Pueda volar a tus brazos

y pueda considerarme

enteramente en casa contigo

y pueda enviar mi alma

abrazada por ti

al reino del espíritu

si, infortunadamente así debe ser – tu

debes dominarte mas

al conocer mi fidelidad

a ti, nunca puede otra

poseer mi corazón,

nunca, nunca – Oh, Dios porqué

tener que separarse uno mismo ,

de lo que uno ama tanto, y así mi

vida en V (Viena) como es ahora es una

vida miserable - Tu

amor me hace el hombre mas feliz

y el mas infeliz

al mismo tiempo – a mi edad debería

tener cierta estable

regularidad en mi vida - puede

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eso existir en nuestra

relación? -- Ángel, ahora mismo

escucho que el correo

va todos los días

y por lo tanto

debo terminar, de modo que tu

recibirás la C (carta) inmediatamente –

permanece calma, solo a través

de la tranquila contemplación de nuestra

existencia podremos

alcanzar nuestro objetivo

de vivir juntos -

sé paciente – ámame -

hoy – ayer -

Que doloroso anhelo de ti

de ti – de ti -

tu – tu mi

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amor – mi

todo – adiós –

oh, continua

amándome – nunca

juzgues mal el mas fiel

corazón de tu

amado

L

siempre tuyo

siempre mía

siempre nuestro

Chopín, poeta del piano

Si cualquiera que se encuentre en París toma el metro que le deja al pie del cementerio Père Lachaise, encontrará a la salida de la estación que lleva este nombre y en las bocacalles adjacentes un buen número de mujeres y muchachas de aspecto modesto que venden ramilletes de flores. Estas flores, estas violetas, las rosas, las margaritas, la mayoría van a adornar la tumba de Chopín.


El que escribe estas líneas ha visitado dos veces el sepulcro del famoso pianista. La primera vez, delante del pequeño relieve esculpido por Clessinger (yerno de George Sand) que representa a Chopín visto de perfil, había un precioso manojo de flores silvestres; la segunda vez, colgaba en la pequeña reja que protege el sepulcro una rosa hermosísima.

No podía hacer más que unos minutos que una mano piadosa la había colocado allí mientras musitaba una breve plegaria. Pocas biografías de Chopín silencian este detalle: el obsequio de flores frescas a la tumba del famoso músico polaco va sucediéndose día tras día y año tras año. Y es que Chopín es el músico del sentimento, como Wagner es el compositor de la pasión y Beethoven el genio de las multitudes.


Las personas que vibran por las pequeñas cosas de la vida, que se entusiasman contemplando una noche estrellada, que sufren por un ser amado o que gozan de la conversación con espíritus de fina sensibilidad, estas personas comprenden y viven la música de Chopín.   No deja de ser consolador el hecho registrado el año 1949, al celebrarse el primer centenario de la muerte del famoso músico. El mundo moderno, con sus máquinas, su industria, su preocupación por los problemas económicos y sociales y sobre todo por su aferrado materialismo, da la impresión de que ha dejado de ser romántico; lo que equivale a decir que ya no goza de las cosas amables y delicadas de la vida. Por eso, repetimos, fue consolador constatar el número interminable de conferencias, audiciones, conciertos y conmemoraciones que tuvieron lugar en honor y homenaje a Chopín.

Congratulémonos de que el mundo amigo de las artes y, en especial, de la música, haya contribuído a dar el relieve que merecen las composiciones de Chopín. Bajo el punto de vista objetivo, parece que no se trató de una vulgar y burocrática conmemoración cualquiera. Tuvo un especial carácter de emoción colectiva, con la esperanza de aquella saludable reacción por las manifestaciones del alma y de la belleza.   Chopín fue el poeta del piano. Se le da este nombre porque, a la alta calidad estética y musical de sus obras, une la circunstancia de haber escrito la totalidad de sus composiciones para este instrumento.

La copiosa y rica producción se compone de algunos conciertos para piano y orquesta, sonatas y canciones; pero lo que más abunda es el vals, la polonesa, la mazurca, el nocturno, el preludio, los célebres estudios de concierto y otras varias formas de composición, no tan numerosas pero de más calidad, como las baladas y los scherzos.

Hasta hace relativamente poco, las biografías de Chopín arrancaban de su llegada a París, casi un adolescente, de paso por la capital francesa para dar unos conciertos en Londres. Pero recientes gestiones y búsquedas sumamente laboriosas, han arrojado luz sobre su origen y, remontando su árbol genealógico, han aclarado por qué un nombre de fonética tan francesa, fuera polaco y en cierta manera el músico más representativo de esta nación.

Efectivamente, el padre de Chopín nació en Lorena, y Chopín, según los biógrafos, es la versión francesa de Srop, apellido del abuelo paterno. Este se estableció en Francia cuando Leozinski, monarca polaco dueño del ducado de Lorena, instaló allí su residencia.

Aclarado este pequeño detalle de su ascendencia, sabemos ya de cierto que Federico Chopín nació en un pueblo cercano a Varsovia. Su madre se llamaba Justina y su padre Nicolás. De este matrimonio nacieron, además de Federico, único varón, tres niñas más. La menor murió jovencita de la misma enfermedad que después se llevaría al padre y veintidós años más tarde al genial músico: la tuberculosis. Las otras dos hermanas de Chopín alcanzaron una edad más dilatada y ambas tuvieron una posición muy distinguida en la capital.   Chopín nació el día 22 de febrero de 1810 (hay dudas sobre esa fecha y también se cita el 1 de marzo) y fue bautizado en el mismo templo en donde habían contraído matrimonio sus padres.

Aunque la niñez de Chopín transcurrió casi siempre en la capital de su patria, forzosamente tuvieron que impresionarle, durante las vacaciones pasadas en el campo, las danzas de los campesinos y las leyendas de las hadas, bosques y castillos a las que tan inclinada se siente el alma eslava.

Se da el caso que Chopín, que pasó lo mejor de su vida fuera de su patria, nunca se dejó llevar por las corrientes musicales y estéticas de los países que visitó. Ni siquiera claudicó ante las teorías y modismos que privaban entonces en la capital de Francia, convertida, aunque de una manera circunstancial,en su residencia y en su patria adoptiva; y aquí radica el secreto más admirable de su música que nunca dejó de ser auténticamente polaca.

En sus melodías, en la armonización de todas sus obras, se manifiestan las costumbres que, a través de mil guerras y circunstancias adversas, ha sabido guardar celosamente el pueblo polaco.    

Las singulares aptitudes que mostraba Federico durante su niñez, inclinaron decisivamente a sus padres a procurarle serios estudios musicales. Le proporcionaron un buen preceptor en la persona de Elsner, un verdadero maestro que inculcó en su joven discípulo, además de una buena técnica pianística, un acendrado amor a la música polaca. Esto tuvo una enorme influencia para el joven artista, que al cabo de unos pocos años había de ser el músico más característico de su país.

Junto con Elsner, formaron un buen terceto de preceptores el eminente compositor, violinista y organista Kurpinski, y Apollinar Koutski, buen maestro aunque no buen compositor, que era el director del Conservatorio de Varsovia.

Aunque ya llevaba Chopín en su frágil naturaleza los gérmenes de la enfermedad que le condujo al sepulcro, no se puede decir que tuviera una infancia desgraciada. Al lado del amor y solicitud de sus padres, había el cariño que le demostraban sus hermanas Isabel, la mayor, y Luisa, que era la más próxima a su edad. Fue Luisa quien cerró los ojos de Chopín, presentándose en París pocas horas antes de su muerte. Emilia, la más joven, formaba, por decirlo así, un mundo aparte para el pequeño Chopín; murió de tuberculosis a una edad muy temprana y su fallecimiento causó al músico un dolor profundísimo.

Siendo ya Chopín un adolescente, pasaba algunas temporadas con su madre y hermanas en el palacio de la princesa Idalia, que gustaba de la buena música y vio en seguida en el joven unas aptitudes sobresalientes. Por mediación de esta princesa frecuentó lo más selecto de la sociedad polaca del momento. Aquella sociedad tuvo una influencia decisiva en el alma de Chopín; educado en un ambiente de fe católica y con un sentimiento patriótico exacerbado por la dura ocupación rusa, se avivaron las esencias radicales de su fantasía juvenil y fueron prodigiosa semilla que había de germinar al cabo de poco tiempo en forma de inspiradas melodías y ritmos caballerescos que son el espíritu de sus Nocturnos, Mazurkas, Polonesas, etc.

Corría el año 1825 cuando Chopín se dispuso a iniciar algunas giras artísticas.