Daniel Müller-Schott plays Bach at Stresa Festival 2008

Daniel Müller-Schott (nacido en 1976 en Munich, Alemania) es un alemán violonchelista. Ha trabajado con renombrados directores como Vladimir Ashkenazy, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Kurt Masur, Sakari Oramo y André Previn. Se grabó y lanzó los Tríos piano de Mozart en 2006 con Anne-Sophie Mutter y André Previn. Con Angela Hewitt, que ha grabado las obras completas de Beethoven para violonchelo y piano.

Sarah Chang - Bruch/Brahms: Violin Concertos

Sara chang (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de diciembre de 1980) es una violinista clásica estadounidense de ascendencia coreana.
Sarah realizó una audición en la Academia Juilliard de música cuando tenía 6 años, tocando el concierto para violín de Bruch. Fue admitida a la clase de Dorothy Delay, maestra de violín de algunos de los más grandes violinistas del mundo como Itzhak Perlman, Midori, Gil Shaham, Shlomo Mintz y muchos otros, incluyendo al padre de Chang.
Chang fue reconocida como niña prodigio desde que era muy pequeña, y cuando tenía 8 años tuvo la oportunidad de tocar para nombres tan importantes de la música como Zubin Mehta y Riccardo Muti, quienes trabajaban con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia respectivamente. A los 9 era la violinista más joven en grabar un disco. Jascha Heifetz, otro famoso niño prodigio grabó cuando tenía 11 años. En una entrevista su maestra afirmó que ninguna persona había visto nunca "algo como ella".
Yehudi Menuhin la llamó "la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que he escuchado".

Clara Haskil interprete del clasicismo y romanticismo

Clara Haskil (Bucarest, 7 de enero de 1895-Bruselas, 7 de diciembre de 1960) fue una pianista suiza de origen rumano.

Reconocida como intérprete del repertorio del clasicismo y del romanticismo temprano, Haskil es especialmente conocida por sus actuaciones y grabaciones de Mozart. Muchos la consideraron la intérprete más importante de Mozart en su tiempo. También fue conocida como una magnífica intérprete de Beethoven, Schumann y Scarlatti. Además, Haskil colaboró con músicos famosos, como Georges Enescu, Eugéne Ysayë, Pau Casals, Joseph Szigeti, Géza Anda, Isaac Stern y Arthur Grumiaux, con quien realizó su último concierto. Tocó como solista bajo la batuta de directores muy importantes, como Stokowski, Karajan, Beecham, Solti, Barbirolli, Boult, Jochum, Sawallische, Kempe, Szell, Celibidache, Klemperer, Hans Rosbaud, Monteux, Cluytens, Paray, Markevitch, Giulini, Ansermet, Münch, Kubelik, Fricsay, Inghelbrecht, entre otros muchos.

Haskil nació en el seno de una familia judía sefardí en Bucarest (Rumania) y estudió en Viena con Richard Robert (entre cuyos alumnos se encuentran tambien Rudolf Serkin y George Szell) y con Ferruccio Busoni. Se trasladó a París a la edad de 10 años, donde empezó a estudiar con Joseph Morpain (alumno de Gabriel Fauré). A continuanción, entró en el Conservatorio de París, oficialmente para estudiar con Alfred Cortot, aunque la mayor parte de su instrucción la recibió de Lazare Lévy y Mme Letarse-Giraud. Se graduó a los 15 años con un Premier Prix en piano y en violín. Tras graduarse, Haskil inició una gira por Europa, aunque su carrera se truncó por una de las numerosas dolencias físicas que sufrío a lo largo de su vida. Las frecuentes enfermedade que padeció, junto con el intenso miedo escénico que experimento en 1920, hizo que su situación económica empeorase. La mayor parte de su vida se encontró a la pobreza extrema. No fue sino hasta después de la Segunda Guerra Mundial, durante una serie de conciertos en Holanda en 1949, cuando empezó a ganar la fama que se merecía.

Como pianista, sus interpretaciones se caracterizaron por una pureza de tono y fraseo que pueden proceder de su habilidad como violinista. Transparencia y delicada inspiración fueron otros rasgos distintivos de su estilo.

Haskil murió en 1960 a causa de las heridas recibidas a través de una caída en un estación de tren de Bruselas. Ella iba a tocar un concierto con Arthur Grumiaux al dia siguiente-.

Alexandre Tharaud plays Scarlatti

Yo quería un Scarlatti rojo de la sangre, un español como Scarlatti. Así que he querido abrir con una sonata que tiene un ritmo típico español. Hay varios de estos en todo el programa. Se sabe que Scarlatti vivió la mayor parte de su vida en la corte de España. Estaba muy inspirado por la música tradicional española. Por el flamenco entre otros, el aspecto de Scarlatti rara vez se ha notado en el pasado. He intentado mostrar el resultado de varios aspectos de este compositor en este programa. Con las sonatas virtuosas que son por lo general se esperaba. Pero también con las sonatas más lento, más parecido a la ópera. Estoy pensando en la sonata K208. A lo que el piano moderno le da una nueva dimensión, una dimensión trágica, una dimensión dramática. Cuando escucho esta sonata, que evoca siempre para mí una cantante soprano, solo en el escenario.
Para mí, este disco Scarlatti tenía que ser. Este disco tiene una coherencia con los que yo había grabado en el pasado, de los compositores barrocos. Como Bach, Rameau, o últimamente el registro de Francois Couperin. Tiene muchos años que no quería absolutamente que se registre este compositor. Años que no practica sus obras, desde la infancia en realidad. Como pianista de muchos, él es un compositor que he estado familiarizado desde la primera infancia. He esperado hasta 2010 para esta grabación, y estoy muy feliz por eso.
La elección seguramente no fue fácil. Como Scarlatti escribió casi 600 sonatas. Pero yo diría que una especie de selección natural de opera, los dedos que nos lleva, en primer lugar, he leído todos ellos. Con gran placer, aunque la codicia. Desde una capa a otra que he reducido el número hasta 30 y finalmente, se registraron 18 de ellos. Era un sueño para mí para grabar en ese pasillo fabuloso en La Chaux de Fonds. Yo siempre había querido grabar allí. Cuando me uní a Virgin Classics. Inmediatamente me sugirió que la grabación de Scarlatti que hace allí, ese salón tiene una historia. Se escapa de todos los rincones, todas las paredes, fuera de la planta. Esa sala fue testigo de tantos conciertos por grandes pianistas del curso. Pero también muchas grabaciones en un momento en que Philips registró la mayor parte de sus registros de piano. Magalov Nikita, El trío Beaux Arts. Así que muchos músicos han grabado allí. Que me atrae, prefiero grabar en un lugar que tiene una historia. También pensé en un pianista llamada Clara Haskil, quien jugó mucho en esa sala. Que a menudo residen en la Chaux de Fonds, incluso una calle lleva su nombre. Esa ciudad la adoptó como había sido adoptado por Suiza. Creo que la Chaux de Fonds tiene una resonancia particular en su vida. Clara Haskil fue siempre en mi mente, para toda la semana que pasamos haciendo esta grabacion allí. Para mí ella es una de las más grandes intrepretes de Scarlatti. Al final de la grabación he decidido dedicarselo a ella.

Alexandre Tharaud

Beethoven's Tempest Sonata mvt. 3 -- Wilhelm Kempff

Para los analistas de música y artistas por igual, la tempestad sonata de Beethoven (1802), representa una de las piezas más difíciles de los primeros románticos del piano y repertorio clásico. Este libro es una colección de once ensayos, que se ocupan de esta sonata, desde una perspectiva de análisis diferentes e investigar las posibles conexiones entre el análisis de la música y la práctica de los resultados.
Wilhelm Kempff (25 de noviembre de 1895-23 de mayo de 1991) fue un pianista y compositor alemán.
Kempf nació en Jüterbog, Alemania, y estudió en Berlín y Potsdam. Aunque viajó por gran parte del continente europeo y del resto del mundo, no hizo su primeara aparición en Londres hasta 1951, y no tocó en Nueva York hasat el año 1964. Hizo su última presentación en París el año 1981 y murió en Positano, Italia a la edad de 95 años. Considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX, Kempff es conocido hoy en día por sus grabaciones de Shumann, Brahms, Schubert, ,Mozart, Bach, Liszt, Chopin y, particularmente, de Ludwig van Beethoven. Grabó durante un periodo de sesenta años. Kempff fue además el primero en grabar todas las sonatas de Franz Schubert, mucho antes de que éstas se volvieran populares. Además grabó dos ciclos completos de las sonatas de Beethoven, una en mono y la otra en estéreo.
Kempff también tocó música de cámara junto a Yehudi Menuhin y Pierre Fournier, entre otros. Las grabaciones más famosas son las sontas completas de Beethoven para violín y piano con Menuhin.
En 1957 Kempff comenzó a dar interpretaciones anuales de Beethoven en su villa de Positano. Seis años después de sus muerte, su amigo y antiguo alumno John O'Conor se encargó de las presentaciones.
Una actividad menos conocida de Kempff era componer. Compuso para casi todo género. Su segunda sinfonía fue tocada por primera vez en 1929 en la Gewandhaus de Leipzig por Wilhelm Furtwängler. También preparó un número de transcripciones de Bach, incluyendo el Siciliano de la sonata de flauta en Mi, que fue grabada por la pianista Idil Biret.

El Ballet Clásico de Moscú aterriza en Madrid con El Cascanueces y La Cenicienta

Si a Theodor Amadeus Hoffman le llegan a decir hace casi doscientos años que El Cascanueces y el Rey de los Ratones iba a ser mundialmente conocido a través del ballet, no se lo hubiese creído. Ahora es una de las representaciones junto con clásicos como La Bella Durmiente, La Traviata, Giselle o Coppelia, que son éxito asegurado para las grandes compañías de Ballet. Es el caso del Ballet Clásico de Moscú, que vuelve por Navidad para deleitar al público madrileño con El Cascanueces y La Cenicienta.

El Ballet tiene una historia relativamente reciente. Apareció en el Siglo XV con números de danza interpretados en los banquetes de las cortes italianas. Posteriormente el ballet cortesano italiano fue desarrollado en Francia, y en el siglo XVII con Luís XIV se crearía la Academia Real de la Danza, otorgándole por primera vez la importancia que merecía. Este fue el comienzo de su configuración como disciplina profesional, un arte restringido a las mujeres hasta 1681 con la obra El triunfo del amor. Después de su crecimiento imparable, llegó una época de poca producción, el siglo XIX. Sólo Rusia continuó con la tradición.

Fueron Tchaikovski y Marius Petipá los que, a finales del siglo XIX, transformaron el cuento de El Cascanueces en música y en danza respectivamente, haciendo de la literatura una proyección artística sin igual. Varias décadas despúes, allá por los 60 del siglo pasado, Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov se harían cargo de la compañía hasta la actualidad, procurando ser ante todo fieles respetuosos a las obras originales como la de Hoffmann.

Pero no todo ha sido un camino de rosas. Ambos directores artísticos destacaron la "Fuga de artistas" tras la Perestroika en los años 80, y la eliminación del presupuesto para la creación de un Centro Internacional del Ballet.

Ballet Clásico de Moscú.“Giselle”

El Ballet Clásico de Moscú ha creado su propio estilo que une la tradición clásica con elementos modernos. Tras obtener un reconocimiento internacional, ahora representa una de sus mejores obras en el Teatro de la Laboral "Giselle", bajo la dirección artística de Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov.El ballet clásico de Moscú en una de las más importantes compañías a nivel internancional y una magnífica escuela para los grandes solistas de ballet.

Paso de danza Chassé

Chassé es una palabra del idioma francés que significa cazado. En ballet es un salto con desplazamiento en el cual una pierna persigue a la otra, la caza. Este paso puede ejecutarse hacia adelante (chassé en avant), hacia atras (chassé en arrière), al lado (chassé en écarté) y girando (chassé en tournant). Los brazos y la cabeza deben moverse en armonía con la dirección en la que se haga el Chassé. Este paso también se utiliza para enlazar unos pasos de baile con otros. En el ballet casi toda la terminología está en francés. Actualmente no es exclusiva del ballet sino que también ha sido y está siendo utilizada por otras manifestaciones dancísticas como la Danza contemporánea.

Anna Pavlova en “La muerte del cisne”

Fokine creó en 1905, con su bailarina favorita, Anna Pavolova, "La muerte del cisne", como un ejercicio de impovisación de apenas tres minutos de duración y que sería una de las señas de identidad de la gran bailarina.. Anna Pavlova inauguraba una época en la que la expresión artística iba a ser más importante que los grandes alardes técnicos. "La muerte del cisne" es el primer paso de Fokine hacia un nuevo lenguaje de la danza. En 1907 coreografía "Chopiniana", donde utiliza música del compositor polaco no compuesta para la danza. Su coreografía significaba un nuevo concepto del espacio, donde el cuerpo de baile no era un mero adorno y arropamiento de las figuras solistas, sino que era, en palabras del propio Fokine, una obra "para veinticuatro solistas". Fokine distribuye el espacio en círculos y pequeños grupos, no en líneas rectas y diagonales como había hecho siempre Petipa. Con esta obra se inauguraba una nueva época en la historia de la danza, pues por primera vez el cuerpo de ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no contaba una historia, sino que creaba una atmósfera, creando así un nuevo género, el ballet atmosférico, decisivo para la danza moderna. Llevaba a Párís un año después, el publico parisino no supo valorarla, pero fue una noche fundamental para un cambio esencial en la historia de la danza. Sin embargo, el triunfo de los ballets rusos en París vendría a través de las "Danzas Polovtsianas" de "El pricipe Igor", algo que nunca había sido visto en los escenarios parisinos. Tras este éxito estaba un genio de la danza, que abriría una nueva época, Serge Diaghilev.

El ballet imperial ruso- Mariu Petisa

San Petersburgo será el escenario del ballet imperial ruso y su figura fundamental, Marius Petipa, que lo dotará de sus características esenciales. Los bailarines eran educados en la escuela Maryinski con el rigor de la disciplina militar y vestian uniforme semejante al de los militares; esta disciplina dio lugar a toda una generación de artistas por completo dedicados a la danza. El ballet es considerado como un arte y esto tendrá un efecto decisivo en el desarrollo futuro de la danza. Las circunstancias previas a la llegada de Mariu Petipa a la capital rusa son propicias par ahacer que en unas décadas San Petersburgo sea la capital y el centro de la creación coreográfica en Europa. A ello contribuye el que todas las bailarinas románticas viajaran a rusia y consideraran su capital un centro imprescindible en su giras; de entre la sobras llevadas a Rusia tempranamente tenemos el ballet romántico "Giselle", interpretado en 1842 por Yelena Andreyanova. Al mismo tiempo llegan a la capital profesores franceses, italianos y daneses que formarán a los futuros bailarines rusos , que asimilarán las tres escuelas. Particularmente intersante es la presencia de profesores daneses, pues ya sabemos que esta escuela no prescinde del bailarín y le dedica una gran atención, lo que hace que ocurra lo mismo en el ballet ruso. También tienen una gran importancia los coréografos franceses, como Jules Perrot y Arthur Saint-Léon, de quienes aprendería el joven Petipa el arte de la coreografía. Marius Petipa era de origen marsellés, de una familia de bailarines, pero pronto decidió marchar a Rusia para iniciar su carrera, la cual comenzó como bailarín. Con la llegada de Perrot, aprendería el arte de contar una historia mediante la coreografía y con Saint-León a construir divertimentos, pasajes sin acción dramática donde la coreografía y la técnica son el único fin. Pronto se convierte en coreógrafo, siendo su primera creación "La fille du pharaon", ballet en cinco actos situado en Egipto. Lo primero que llama la atención como innvación es la duración del ballet; hasta eses momento un ballet no superaba apenas la hora de duración y se ofrecía dentro de un programa de ópera, pero los ballets de Petipa tienen tres actos, más una apoteosis una introducción, lo que significa que ya era autónomo de la ópera y se desarrollaba como capaz de contar una historia completa. Petipa inaugura también el tipo de ballet llamado de "gran espectáculo", lo que lo desmarca de la línea intimista romántica. Petipa aspiraba a ser maestro de ballet, o sea, director de la compañía, pero esto no fue así de momento, pese al éxito obtenido por su primer ballet. Pasó a trabajar como coreógrafo en el Bolshoi, que presentaba diferencias con la escuela Maryinski; los bailarines de Moscú eran más acrobáticos y dramáticos, mientras que los de San Petersburgo dominaban la técnica, lo que el coreógrafo aprovechó perfectamente. Introdujo en sus ballets la danza española, que había conocido y aprendido en su estancia en España; su admiración por el folclores español no se agotó nunca y la mayor parte de sus ballets cuentan con alguna danza española, y en el caso de "paquita", su primer ballet para moscu con todo un divertimento que recrea en forma estilizada la danza folclórica española. En 1869, coreografía "Don Quijote", basado en el espisodio cervantino. La otra gran obra que nos ha llegado es "La bayadera", inspirada en el ballet romántico de Perrot. En ella encontramos la estética orientalista tan del gusto de la época que permitía una escenografía deslumbrante. La pieza que ha dado fama perdurable a este ballet es la llamada "El reino de las sombras" la verdadera joya de la coreografía de Petipa. Con este ballet Petipa configura el ballet de gran espectáculo que se apartaba del romanticismo parisino o danés. Siguió creando ballet de los que apenas se han conservado pequeños fragmentos, pero su gran hallazgo fue la colaboración musical de Tchaikovsky, para entonces ya un músico de prestigio. Su colaboración efectiva se inaugura con el ballet "La bella durmiente", que se considera la obra maestra de Petipa y que abre la llamada trilogía de Tchaikovsky, que se completará en 1893 con Cascanueces" y en 1895 con "El lago de los cisnes". Con Tchaikovsky queda sentado el principio de que la música para ballet no es un género musical menor, sino un género completo a la altura de cualquier otro. Petipa y el compositor trabajaban en un acuerdo absoluto y en estrecha colaboración. No todos los compositores hubieran aceptado una injerencia tan grande en su trabajo como hizo Tchaikovsky, que atendía todos los requerimientos coreográfico de Petipa con entusiasmo y entrega lo que hacía que el coreógrafo se enfrentara al reto de crear una coreografía tan buena al menos como la propia música. "El lago de los cisnes" fue estrenado en 1877 por el ballet Bolshoi, pero su versión definitiva y su gran éxito no llegaría hasta 1895, y Tchaikovsky no vivió, por desgracia, para asistir a este gran éxito. "El lago de los cisnes" sigue siendo un ballet muy popular entre el público y los artistas; desarrolla una coreografía magistral y cuentan una historia de gran dramatismo con una música que es una obra maestra. Después de este gran éxito, Petipa crea el ballet "Raymonda", de ambiente húngaro, en el que introduce danzas folclóricas de este país en una coreografía magistral , sin dejar de lado su ya tan personal danza española, la cual introduce gracias al argumento medieval del ballet.

Hay que destacar en el ballet ruso creado por petipa la presencia bailarines masculinos, con papeles importantes en las obras, que en París habían sido prácticamente desterrados de escena con la llegada de maestros daneses, sobre todo Johanssen, y de bailarines italianos, como CEcchetti, se forma una primera genéración de bailarines de gran técnica, como los hermanos Legat y Mikhail Fokine, maestros a su vez de grandes bailarines y bailarinas como Anna Pavlova y Vatzlav Nijinsky.

Mozart 06 - New Year's Concert 2006 - Neujahrskonzert 2006 (1/3)

Bolshoi Ballet - La Sylphide

La historia del Ballet Bolshoi comienza en 1773, con las clases de danza que se impartían en un orfanato de Moscú. En 1776 comienza sus actuaciones. Esta compañía es la más importante de Russia. Alexander Gorsky fue uno de sus principales directores y se mantuvo en su puesto durante casi 50 años. Una de las compañías de Ballet más antigua de Rusia y sin dudas la más conocida internacionalmente, es el Ballet Bolshoi. Sus orígenes se remontan a 1773, en las clases de danza que se dictaban en un orfanato de Moscú. La compañía comenzó sus actuaciones en 1776. En 1825 se traladan al Teatro Bolshoi, mientras Adam Guszkovsky estaba en la dirección.
Entre 1861 y 1864, el coreógrafo italiano Carlo Blasis colaboró con I compañia en 1869 se representó "Don Quijote", con coreografía de Marius Petisa y en 1877 "El lago de los cisnes" del austriaco Julius Reisinger. Durante el siglo XIX, la compañía de San Petersburgo gozaba de mayor fama que la de Moscú.
Alexander Gorsky asumió la dirección en 1878, fue el responsable de desarrollar el estilo de este ballet. Conjuntamente con los bailarines Ekaterina Geltser y Vasili tikhomirov, dirigó la compañía durante la Revolución, y a lo largo de la década de 1920-1930. Otras figuras rutilantes de la época las bailarinas Marina Semenova y Olga lepeshinskaya.

El Ballet Bolshoi en el siglo XX:

En 1930, Igor Moiseyev experimentó con los ballets de danza folklórica. Pasada la segunda Guerra Mundial, el Bolshoi representó por primera vez a "Cenicienta" de Serguei Prokofiev, con la coreografía de Rostislav Zakharov, en 1945. Fueron transferidos para el evento, los bailarines Galina Ulánova y Leonid Lavrovsky, desde el Ballet del Teatro Kírov, con lo cual, el Bolshoi se convirtió en la compañía más importante de Unión Soviética.
En la década de 1950, los principales bailarines en :Maia Plisiétskaia, Raissa Struchkova, Nina Timofeyeva, Nicolai Fadeyechev y Andris Liepa.
En 1956, la compañía debutó en Londres y su fama se extendió rápidamente por todo el mundo. En 1964 es nombrado director Yuri Grigoróvitch. Bajo su dirección se produjeron ballets de larga duración, donde se destaca "Spartacus"(1968), con movimientos espectaculares, pas de deux complicados. Este ballet, junto con revisiones de los clásicos, conforman el repertorio de La compañía. A partir del año 2000, el Teatro pasó a dependencias del Ministerio de Cultura de Rusia, y Vladimir Vasiliev fue sustituido por el director de orquesta Guennadi Rozhdéstvenski, como director general artístico.

Sylphide

La Sylphide es uno de los más antiguas del mundo romántico ballet . Había dos versiones del ballet, la versión coreografiada por el danés balletmaster August Bournonville (1805-1879) es la única versión conocida que ha sobrevivido. El 12 de marzo de 1832, la primera versión de La Sylphide se estrenó en el Le Peletier Salle de la Ópera de París con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean-Madeleine Schneitzhoeffer . Taglioni diseñó el trabajo como un escaparate para su hija Marie . El libreto de ballet fue escrito por el tenor Adolfo Nourrit , el primero Robert Meyerbeer 's Robert Le Diable , una ópera que se presentó la bailarina Marie Taglioni en su sección de danza El ballet de las monjas. Nourrit de escenario se basó libremente en un cuento de Charles Nodier , Trilby, Le lutin ou d'Argail , pero cambió el género de los protagonistas - un duende y un pescador s esposa de Nodier, un sprite y un agricultor en el ballet.
En 1836, La Sylphide fue coreografiada por el nuevo balletmaster danés August Bournonville, con música de Herman Severin Løvenskiold . Bournonville tenía la intención de presentar una reactivación de la versión original de Taglioni en Copenhague con el Ballet Real Danés , pero la Ópera de París exigió un precio demasiado alto para la puntuación de Schnietzhoeffer. Al final, Bournonville montó su propia producción basado en el libreto original. La versión Bournonville se ha bailado en su forma original por el Ballet Real Danés, desde su creación y sigue siendo una de las obras más célebres de Bournonville. intérpretes modernos de la versión Bournonville incluyen Eva Evdokimova y Lis Jeppesen , cuya actuación se graba en DVD.
En 1892, Marius Petipa montó una reactivación de la original de La Sylphide de Taglioni para el Ballet Imperial , con música adicional de Riccardo Drigo . Una variación Drigo compuesto para la bailarina Bárbara Nikitina en la versión de Petipa es hoy el solitario tradicional bailado por la bailarina principal de la famosa Paquita Grand Pas Classique, interpolados por Anna Pavlova en 1904. En 1972, un renacimiento de la versión de Taglioni fue organizada por Pierre Lacotte para el Ballet de la Ópera de París .Desde coreografía Taglioni se ha perdido irremediablemente, la coreografía Lacotte se basa en las impresiones, notas, dibujos y materiales de archivo de la época del estreno del ballet. Coreografía Lacotte es en el estilo de la época, pero completamente nueva y ha sido criticado por algunos como auténticos. Los intérpretes del papel de la versión Lacotte en la Ópera Nacional de París incluyen Ghislaine Thesmar (la esposa de Lacotte) y Aurelie Dupont . Ambos artistas han grabado sus trabajos en DVD y vídeo.
La Sylphide se confunde a menudo con Les Sylphides , otro ballet participación de la mítica sílfide , o el duende del bosque. Este último fue coreografiada por Michel Fokine para el Ballet Rusos como los resultados a corto. Aunque inspirado en La Sylphide, que estaba destinado a ser realizado como un ballet independiente con sus propios méritos.
John Barnett 's 1834 la ópera La Sílfide Montaña se basa en la historia de La Sylphide, ópera parcela esta a su vez fue satirizado por WS Gilbert en el 1882 Opera Saboya , Iolanthe

Acto 1

En el salón de una casa de campo escocés, James Rubén, un joven escocés , duerme en una silla junto a la chimenea. A sylph . Una sílfide , o hadas del bosque, mira con amor a él y danzas de su silla. . Ella lo besa y luego se desvanece cuando de repente se despierta. . James despierta su Gurn amigo de su sueño, y le pregunta acerca de la sílfide. Gurn niega haber visto una criatura y le recuerda a James que es poco tiempo para casarse. James desestima el incidente y las promesas a olvidar.
James novia-a-ser, Effie, llega con su madre y damas de honor . James James obedientemente sus besos, pero es sorprendido por una sombra en la esquina. Pensando que su sílfide ha regresado, se lanza otra vez, sólo para encontrar la bruja , el viejo Madge, de rodillas en la chimenea para calentarse. James está furioso con la decepción.
Effie y sus amigos ruego Antiguo Madge para contar su fortuna, y se ajusta a la bruja. Ella informa alegremente Effie que James ama a otra persona y ella se unirán con Gurn. Obliga a Madge del hogar y la echa de la casa. Effie se alegra de que James se enredo con una bruja por ella. Effie y sus damas de honor arriba prisa para preparar la boda, y James se queda solo en la habitación. Mientras mira por la ventana, la sílfide se materializa delante de él y le confiesa su amor. James se resiste al principio, pero, cautivado por su belleza etérea, capitula y la besa con ternura.Gurn, que espía el momento de las sombras, corretea a decirle a Effie lo que ha sucedido. Cuando los afligidos Effie y sus amigos entrar después de escuchar el informe Gurn, la sílfide desaparece.Los invitados asumen Gurn es simplemente celoso y se ríen de él. Everyone dances. Todo el mundo baila. La sílfide entra en medio del jolgorio y trata de distraer a James.
Como las formas de cortejo nupcial, James se aparta y mira en el anillo que es colocar en el dedo de Effie.La Sílfide arrebata el anillo, lo coloca en su propio dedo, y, sonriendo seductoramente, corre hacia el bosque. James se apresura en la búsqueda después de su ardiente. Los invitados están desconcertados con la salida repentina de James. Ella cae en los brazos de su madre llorando desconsoladamente.

Acto 2

En una niebla envuelta parte del bosque, Madonna y su compañero de brujas danza grotesca de un caldero. Los juerguistas añadir todo tipo de ingredientes sucios a la cerveza.Cuando el resplandor contenidos, Madonna llega en el caldero y saca un pañuelo diáfana, la magia de sus profundidades. El caldero se hunde, la dispersión de las brujas, se levanta la niebla, y un claro manifiesto es encantadora.. James entra con la sílfide que le muestra su reino con encanto, en el bosque. Ella lo lleva bayas y el agua para refrescarse, pero evita su abrazo. Para animarlo, que convoca a sus hermanas etérea que tímidamente entrar y realizar sus bailes aireado. El joven escocés está encantado y se une al divertimento ante todo huir para salvar otra parte del bosque.

Mientras tanto, los invitados han estado buscando en el bosque de James. Entran en el claro. Gurn encuentra el sombrero, pero Madonna lo convence de no decir nada. Effie entra, cansados ​​de vagar por el bosque. Él hace y Effie acepta su propuesta.
Cuando todos se han ido, James entra en el claro. Madonna se encuentra con él y le tira el pañuelo mágico Ella le dice al joven agricultor de la bufanda se unirá la sílfide a él para que no pueda volar. Ella le da instrucciones para cerrar el pañuelo sobre los hombros de la sílfide y los brazos para el efecto completo. James es estática. Cuando el sílfide y ve el pañuelo, que permite a James para colocarlo alrededor de su figura temblorosa.
Como James abarca la sílfide apasionadamente, sus alas se caen, se estremece, y muere en los brazos de James.Tristemente, sus hermanas entrar y levantar el cuerpo sin vida.De repente, una procesión de boda alegre dirigido por Effie y Gurn cruza el claro del bosque. James se sorprendió.Madonna dirige su mirada hacia el cielo, que ve la sílfide llevada por sus hermanas. James se derrumba. Madge se regocija en su cuerpo sin vida. El mal ha triunfado.

La Sylphide - Video Blog 1 of 3: An Austin Premiere

El concierto de la Orquesta Filarmónica de Viena en Madrid llegará a toda Europa a través de Televisión Española

-La cadena pública produce para la UER la actuación desde el auditorio Nacional, con un gran despliegue técnico. -La prestigiosa orquesta rendirá homenaje a Gustav Mahler en el centenario de su muerte, con la Sinfonia número 9 -TVE emitirá en junio la actuación denro del espacio los conciertos de la 2. Llega una nueva cita imprescindible con la música clásica. La Filarmónica de Viena actúa el martes 24 de mayo en el Auditorio Nacional de música de Madrid, bajo la dirección de Daniele Gatti. TVE y las televisiones y radios europeas asociadas a la UER ofrecerán este concierto, que será producido por la cadena pública española, y en el que se rendirá homenaje al gran compositor Gustav mahler. Madrid acoge este martes el esperado concierto de la Orquesta Filármonica de Viena, una cita que llegará a toda Europa a través de TVE, que produce este evento con un gran despliegue de medios técnicos: una unidad móvil en alta definición, 11 cámaras para grabar todos los detalles y sonido en Alta Calidad. Con todo ello se producirá una señal que llegará después a todos los miembros de UER (Unión Europea de Radio Televisión). La UER facilita a sus televisiones miembros una serie de conciertos de esta filarmónica cada año. Incluyendo el popular Concierto de Año Nuevo.La Orquesta Filarmónica de Viena conmemora con esta actuación el centenario de la muerte del compositor Gustav Mahler, que fue además director titular de esta filarmónica. Interpretarán la última sinfonía escrita por el compositor, su Sinfonía número 9. El programa contará con una presentación a cargo del presidente de la Orquesta Filarmónica de Viena, Profesor Clemens Hellsberg, y estará dirigido por Daniel Gatti, que colabora habitualmente con esta orquesta y que es uno de los directores más prestigiosos por sus trabajos al frente de orquestas americanas y europeas. También Gatti destaca por su puesta en marcha de varias producciones operísticas. La 2 ofrecerá el concierto, dirigido y realizado por Arturo Morales, el sásbado 18 de junio dentro del espacio matinal "Los concierto de la 2".

concierto año nuevo 2011 filarmonica de viena 2

Vals-Vienés

El vals (galicismo de valse que a su vez procede del germanismo Walzer) es un elegante musical a ritmo, originario del Tirol (Austria) por ejemplo por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres tiempos practicaba durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "Walzen"(girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet. Fréderic Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes vals para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de vals, especialmente Johann Strauss (hijo). Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de el cascanueces, el vals de la bella durmiente o el vals de el lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del emperador.

Beethoven Pastoral Sonata Op. 28

La decimoquinta sonata para piano de Beethoven forma un contraste absoluto con la Claro de luna, pero como ella es conocida por un sobrenombre no ideado por el autor. Sonata Pastoral. Es una inspiración bella, fresca, idílica, injustamente renegada por su autor, en unión de todo lo que había creado hasta entonces.
Durante el verano de 1801, el compositor residió una temporada en Hetzendorf, en la casa de campo del Elector Maximiliano Francisco. Fue un momento de reposo espiritual en el nació, o al menos quedó planeada esta deliciosa opus 28.
El manuscrito original lleva la fecha del año referido, publicándose el 14 de agosto de 1802, con el título y dedicatoria siguiente: "Grande sonata pour le piano-forte, composée et dédiée a Monsieur Joseph Noble de Sonnefels, Conseiller auilique et Secretaire perpétuel de l'Academie des Beaux Arts, par Louis van Beethoven a Vienne au Bureau d'Arts et d'industrie".
El personaje a quién está dedicada la obra era un viejo literato y crítico, que a pesar de su edad atacaba en todo orden de cosas cuanto fuera rutina, rancia y defectos convencionales perpetuados por la tradición, defendiendo todo lo noble y lo bello. La simpatía que, sin duda, despertó en Beethoven, motivó la dedicatoria de su opus 28. La demoninación de Pastoral, debido a un editor hamburgués, ha sido aceptada casi siempre, aunque alguien la ha discutido. Si la tonalidad no es tan propia como al de fa mayor -elegida en la sexta sinfonía- para pintar el color pastoral, hay en el ambiente de la sonata y sobre todo, en la inspiración ingenua, fresca, sonriente del allegro y del rondó algo que evoca sensaciones bucólicas, como ligero presentimiento, muy anticipado de l amaravillosa Sinfonía Pastoral, al que, a diferencia de esta sonata, fue así titulada por Beethoven y aun casi sujeta a programa por el autor. Pero, desde ahora, el sentimiento de Naturaleza, la fiel y amada amiga del maestro, inspirará repetidas veces su genio. Si la Sexta Sinfonía parece festejar las nupcias del compositor con su única esposa, la Sonata Pastoral es una promesa de amor eterno. Cuatro tiempos, de contorno general mucho más clásico que el de las dos sonatas "casi fantasías", integran esta segunda sonata en re mayor, cuya base es simpe la tónica mayor-menor-mayor.

Mein Lebenslauf ist Lieb und Lust - Neujahrskonzert / New Year's Concert...

Gustav Mahler-El niño prodigio

Gustav Mahler, Bohemia, actualmente República Checa, 7 de julio de 1860-Viena, 18 de mayo de 1911) fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco. Sus composiciones se encuentran entre las obras más importantes del Postromanticismo. En las primeras décadas del siglo XX, se recordaba a Gustav Mahler como uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. A mediados de ese siglo, una creciente valoración por la interpretación de sus obras y el estudio de su vida lo reconoció entre los compositores más destacados de la Historia de la música. En diciembre de 1860, Bernhard Mahler se trasladó con su mujer e hijo a la ciudad de Jihlava, donde construyó una exitosa destilería y una taberna. La familia creció rápidamente, pero de los doce hijos que nacieron sólo seis sobrevivieron su infancia, Jihlava era entonces una próspera ciudad comercial de 20.000 habitantes, en la que Gustav se intrudujo en la música. Uno de los acontecimientos que má determinaron su futuro fue el descubrimiento de un piano en la casa de sus abuelos en Bohemia cuando tenía cuatro años y comenzó a tocarlo inmediatamente. Desarrolló su habilidad en la interpretación del instrumento suficientemente como para ser considerado un Wunderkind (niño prodigio) local y dio su primer recital público en el teatro municipal cuando tenía diez años. Bernhard Mahler tenía gustos artísticos e incentivó el aún incipiente talento musical de su hijo. Permitió que el futuro compositor comenzara a recibir las primeras lecciones de piano y de teoría musical cuando contaba cinco años de edad. Su hijo no tardó en dar muestras de que estaba naturalmente dotado para este arte: un año después compuso un lied y una polka con una marcha fúnebre introductoria. Sus primeros profesores fueron Franz Viktorin, primer maestro de capilla del teatro de Jihlava; el violinista Johannes Brosch; el contrabajista Jakob Sladky y, finalmente, Heinrich Fischer, director de un coro masculino local. Aunque Gustav quería hacer música, sus informes escolares en el Gymnasium local lo retrataban como de mente distraída y poco fiable en el trabajo académico. En 1781, con la esperanza de mejorar los resultados del chico, su padre lo envió al New Town Gymnasium en Praga, pero Gustav no era feliz allí y pronto regresó a Jilhlava. En 1874 sufrió una amarga pérdida personal cuando su hermano menor Ernst falleció tras una larga enfermedad. Mahler trató de expresar sus sentimientos en la música; con la ayuda de un amigo, Josef Steiner, comenzó a trabajar en una ópera, Herzog Emst von Schwaben (Duque Ernst de Suabia) en homenaje a su difunto hermano. No se conserva ni la música ni el libreto de esta obra. Bernhard Mahler manifiestó su apoyo a las ambiciones de su hijo para tener una carrera musical y accedió a que el chico fuera enviado al Conservatorio de viena. El renombrado pianista Julius Epstenin escuchó al joven Mahler y lo aceptó para el curso de 1875-1876. Hizo buenos progresos en sus estudios de piano con Epstein y ganó premios al final de cada uno de sus dos primeros años allí. En Praga, la aparición del Renacimiento Nacional Checo aumentó la popularidad y la importancia del nuevo Teatro Nacional y dio lugar a un descenso en la fortuna del Neues Deutsches Theater. La tarea de Mahler fue para ayudar a detener este declive, ofreciendo producciones de alta calidad de óperas alemanas. Tuvo un éxito temprano en la presentación de obras de Mozart y Wagner compositores conlos que estaría asociado particularmente para el resto de su carrera. En Leipzig Mahler entabló amistad con Carl Von Weber nieto del compositor Carl Mari Von Weber, y acordaron preparar una representación de la ópera inacabada de su abuelo Die drei Pintos(Los tres pintos)...

Bach: Orchestral Suite No. 3, Mvmt. 2 - McCreesh, VFCO

Las cuatro suites orquestales o Ouvertures 1066-1069 son un conjunto de composiciones de Johann Sebastian Bach, compuesta problamente entre 1725 y 1739 en Leipzig. La palabra obertura se refiere a un movimiento de apertura en la que la lentitud de puntos en cuenta el ritmo es seguido-una sección de una fuga, a la vez este nombre también fue utilizado para referirse a un conjunto privado de la danza-piezas de los franceses barrocos de estilo.
Suite nº3 en re mayor,Bwv 1068, el aire es una de las piezas más famosas de la música barroca. un arreglo de la pieza por violinista alemán agosto Wilhelmj (1845-1908) ha llegado a ser conocido como de aire en la cadena de G.

Piano-Suave

El piano (palabra que en italiano significa "suave" y en este caso es apócope del término original, "pianoforte", que hacía referencia a sus matices suave y fuerte) es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional, y según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos , pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas. En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Fréderic Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven. Fue el instrumento representativo del romantismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX. Es un instrumento destacado en la música de Jazz.

Janine Jansen exclusief in De Klassieken

Janine Jansen no es sólo una solista brillante, también es una músico muy apasionada que es adicta a la música de cámara. No por nada brilla entre Navidad y Año Nuevo en su propia Internacional de Música de Cámara del Festival. Uno de sus principales socios en estos es el pianista Itamar Golan. Una colaboración entre dos almas gemelas.

Piotr Ilich Chaikovski-El niño de porcelana

Piotr Ilich Chaikovski nació en Votkinsk, un pequeño pueblo en Udmurtia, que anteriormente fue parte de la provincia de Vyatka del imperio ruso. Su padre, Iliá Petrovich Chaikovski, era hijo de Piotr Fiódorovich Chaika (conocido posteriormente como Piotr Fiódorovich Chaikovski), un ingeniero de minas del Estado de ascendencia ucraniana. Estudio en un seminario de Kiev, pero más tarde recibió enseñanzas de medicina en San Petersburgo. En 1843, los padres de Chaikovski contrataron los servicios de una institutriz francesa llamada Fanny Dürbach. Su pasión y afecto por el cargo contrarestaban la actitud de Alexandra, descrita por un biógrafo como una madre fría, infeliz y distante, no dada a mostrar afecto físico. Sin embargo, otros autores afirman que Alexandra adoraba a su hijo.

Chaikovski empezó las lecciones de piano a los cinco años. Fue un alumno precoz, en tres años fue capaz de leer música tan bien como su profesor. Sin embargo, la pasión de sus padres sobre su talento musical pronto se enfrió. En 1850, la familia decidió enviarlo a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo. Esta institución atendendía principalmente a la pequeña nobleza y prepararía a Chaikovski como funcionario. Dado que la edad mínima para acceder era de doce años, Chaikovski tuvo que pasar dos años en un internado de la escuela preparatoria de la Escuela Imperial de Jurisprudencia, a unos 1.300 km de su familia. Una vez que estos dos años pasaron , Chaikovski fue traslado a la Escuela Imperial de Jurisprudencia para empezar un curso de estudios que duraría siete años. Unos meses después de la muerte de su madre, realizó el primer intento serio de composición, un vals en su memoria. La música no era una prioridad alta en la Escuela, pero Chaikovski asistía regulamente al teatro y a la ópera con otros estudiantes. Rubistein estaba impresionado por el talento musical de Chaikovski, pero esto no evitó tanto los conflictos con él como Zaremba acerca de la Primera Sinfonía del joven compositor, escrita tras su graduación, cuando la envió para que le dieran una lectura concienzuda. La sinfonía recibió su primera interpretación completa en Moscú en febrero de 1868, donde fue bien recibida.

Franz Schubert - Piano Sonata No. 8 in F sharp minor - First Movement

Sonata para piano Nº8 en Fa sostenido menor, D. 571, fue compuesta por Franz Shubert en 1817. La sonata fue publicado por primera vez mucho después de la muerte del compositor en 1888 por Breitkopf & Härtel.

Franz Schubert "El talento"

Franz Peter Shubert (Viena, 31 de enero de 1797-ibídem, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austríaco, considerado uno de los continuadores del Romanticismo musical, iniciado por Ludwing van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves compositores para voz y piano, antecesor de la moderna canción), así como de música para piano, de cámara y orquestal. Shubert fue uno de los principales músicos austríacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a fines del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió apenas treinta y un años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, de gran belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra de Beethoven, a quien admiraba; murió un año después que su ídolo. No fue reconocido en vida: después de su muerte, su arte comenzó a conquistar admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su fallecimiento, quedaron inéditos. Hijo de una familia humilde, fue el duodécimo de trece hermanos. Residían en el barrio de Liechtental. Su padre era un profesor de escasos ingresos económicos.Su profesor de música se percató pronto de su talento y llegó a decirle ; "No tengo nada más que enseñarle, el conocimiento lo ha recibido del buen Dios". A los once años entró como actor en la capilla imperial, y consiguió una beca que le sufragó los estudios en la escuela municipal de Stadkonvikt. Allí fue alumno de Antonio Salieri y, gracias a la orquesta de la escuela, para la que escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la obra de Franz Joseph Haydn y de Beethoven.A los catorce años comenzó a crear sus primeros lieder, poemas musicalizados para voz y piano, y antes de los dieciocho ya había creado algunas obras maestras, como Gretchen am Spinnrade, el primero de los muchos lieder inspirados en poemas de Goethe. A los diecinueve años había escritor ya más de doscientos cincuenta lieder.Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre ambos y el abandono de la casa paterna.Fuera del hogar y habiendo decidido ganarse la vida con la música, Shubert se refugio en la casa de Franz von shober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo con sus compositores y necesitó de la generosidad de amigos, que le acogían en sus respectivas casas. Shubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte. Shubert no consiguió estrenar ni publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres Shubertiadas. Habitualmente pasó estrechez económica. Se volvió inseparable de sus gafas, que conformaron parte indisoluble de su apariencia y acenturaron su fisonomía tímida. En Viena Shubert llevó una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta nobiliaria. De este entorno procede el famoso término de Schubertiadas: reuniones de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado dedicado a la música y a la lectura. La obra completa de Shubert se publicó entre 1884 y 1897 en la editorial Breitkopf & Härtel. Fue especialmente relevante, dentro de esta, la edición de las canciones, encomendada al musicólogo y compositor Eusebius Mandyczewski, quien realizó un trabajo tan meticuloso que todavía hoy es de referencia.